среда, 30 июня 2010 г.

ТИНТОРЕТТО (Якопо Робусти, 1518—1594) - «Христос и грешница»

Художник ТИНТОРЕТТО (Якопо Робусти, 1518—1594) «Христос и грешница». Холст, масло. 119х168.  Национальная галерея. Рим. Итальянская школа

Совершенно особое место в искусстве Высокого Возрождения занимает творчество венецианского живописца Якопо Тинторетто. Он первый в живописи того времени создал образ народной толпы, охваченной общим единым и сложным психологическим состоянием. Тинторетто был художником переходного времени. Искусство его, еще ренессансное по своему характеру, отмечено уже чертами зарождающегося кризиса. Всю боль, порожденную крушением гуманистических идеалов, бедами, обрушившимися на Италию, художник выразил в своих полотнах, полных драматического пафоса.

В картине «Христос и грешница» изображен момент, когда Христос в ответ на обвинение женщины в грехопадении, предлагает бросить в нее камнем тому, кто безгрешен. Эти слова начертаны на плитах мраморного пола у ног Христа.

Художника интересует здесь не столько изображение самого события, сколько передача состояния тревоги и волнения, охватившего людей. Композиция, полная беспокойства, построена на стремительном движении одних фигур и кажущемся покое других. Общему тревожному настроению созвучен и пейзаж. Хотя действие происходит в ограниченном пространстве, создается впечатление, что оно разворачивается в бескрайних просторах. В создании общего ощущения напряженности и тревоги большую роль играет темный колорит картины с яркими вспышками оранжево-красного и зеленого цветов.

 «Изобразительное искусство». Москва. 1988 9-2075. 119 ООО. 946. 5 к.

ОТПРАВЛЯТЬ ПО ПОЧТЕ ТОЛЬКО В КОНВЕРТЕ
См. также: 

ФРАНЧЕСКО АЛЬБАНИ (1578—1660) - «Триумф Дианы»

Художник ФРАНЧЕСКО АЛЬБАНИ (1578—1660) - «Триумф Дианы». 1622 Холст, масло. Диаметр 154 см. Галерея Боргезе. Рим. Итальянская школа.
Франческо Альбани, прославленный мастер полотен на мифологические сюжеты, отразил в своем искусстве взгляды и вкусы аристократической верхушки итальянского общества XVII века.

Ученик Болонской Академии, в частности Аннибале Каррачи, Альбани несколько отходит от традиций академического искусства. Его мифологические картины с пикантной развлекательностью сюжета отличаются большей интимностью и камерностью.

Пейзаж, играющий в живописи художника значительную роль, трактуется в несколько ином русле, чем это было принято у болонских академистов. Облик природы, которому свойствен героизм в пейзажах Каррачи, приобретает здесь большую лиричность.

«Триумф Дианы» относится к знаменитой серии «История любви», состоящей из четырех картин на сюжеты античной мифологии. В «Триумфе Дианы» рассказывается о наказании амуров. На переднем плане изображены спящие амуры, у которых нимфы похищают их коварное оружие — стрелы. Справа горит костер, в котором нимфы сжигают стрелы и луки. Наверху, в облаках, виднеется торжествующая Диана.

Превосходно найденное, гармоничное размещение групп, великолепное живописное мастерство и утонченная красота колорита делают это произведение одним из лучших в творчестве Франческо Альбани.

С, «Изобразительное искусство». Москва. 1988 9-2075. 119 000. 946. 5 к.

ОТПРАВЛЯТЬ ПО ПОЧТЕ ТОЛЬКО В КОНВЕРТЕ

ЭЛЬ ГРЕКО - «Поклонение пастухов»

Художник ЭЛЬ ГРЕКО (Доменико Теотокопули, 1541 — 1614). «Поклонение пастухов»  Холст, масло. 111х.47. Национальная галерея. Рим. Испанская школа

Доменико Теотокопули, родившийся на острове Крит, был греком по происхождению, отсюда его имя. Там он получил свое первоначальное образование у местных иконописцев. В двадцать пять лет он приехал в Венецию, где, очевидно, работал в мастерской Тициана и испытал влияние Тинторетто и Бассано. Затем художник переехал в Рим, а в 1576 году навсегда покинул Италию и поселился в Испании. Искусство Эль Греко, впитавшее византийские традиции, живописную манеру венецианцев и некоторые черты испанской живописи, характеризуется своеобразным пониманием формы, изломанностью линий и удлиненностью пропорций фигур, идущими от маньеризма. Становясь с годами все более отвлеченным, его искусство по-прежнему сохраняет глубину эмоциональной насыщенности и повышенной одухотворенности. В этом и заключается сила обаяния художественного гения Эль Греко.

«Поклонение пастухов» из Национальной галереи является, скорее всего, эскизом к картине, выполненной в конце 1690-х годов для церкви августинцев в Мадриде.

Ночная сцена поклонения исполнена таинственности. Она происходит на фоне загадочного пейзажа с руинами и темным небом, покрытым облаками, через которые пробивается свет. Колорит картины, построенный на сопоставлении контрастных тонов, сохраняет общую золотистую гамму, идущую от венецианцев. Краски, то гаснущие, то как бы вспыхивающие, достигают наибольшего сияния в центре композиции.

© «Изобразительное искусство». Москва. 1488 9-2075. 119 ООО. 946. 5 к.

ОТПРАВЛЯТЬ ПО ПОЧТЕ ТОЛЬКО В КОНВЕРТЕ



См. также:

вторник, 29 июня 2010 г.

ДОМЕНИКИНО (Доменико Цампьери, 1581 — 1641). «Охота Дианы»

Художник ДОМЕНИКИНО (Доменико Цампьери, 1581 — 1641). «Охота Дианы» . Холст, масло. 225Х320. Галерея Боргезе. Рим. Итальянская школа

Доменикино получил художественное образование в Болонской Академии. Его учителем был Аннибале Каррачи. Доменикино много работал в технике фрески в Риме и Неаполе, писал картины на мифологические и религиозные сюжеты.

К лучшим его полотнам относится «Охота Дианы». Причина ее успеха в необычайной для того времени свежести и правдивости исполнения. На картине изображен момент появления Актеона во время отдыха и игр нимф с богиней охоты Дианой. Образы нимф полны жизненной убедительности. Особенно прелестны две совсем юные нимфы с замашками шаловливых детей, купающиеся в реке. Рядом с Дианой, в немом удивлении всплеснув руками, замерла нимфа, заметившая в кустах Актеона.

На первый взгляд кажется странным, что это произведение могло выйти из среды болонских академистов. Ведь главным принципом их искусства было следование идеалу прекрасного. Однако в систему художественного обучения Академии входило и изучение природы. Именно опыт изучения природы и его использования дали возможность художнику создать одно из наиболее поэтических и правдивых живописных полотен среди всех его работ. В пейзаже картины художник достигает особой пространственной глубины. В этом произведении Доменикино заложил основы классицистического пейзажа, получившего дальнейшее развитие в творчестве выдающегося французского живописца XVII века Пуссена.

 «Изобразительное искусство». Москва. 1988 9-2075. 119 000. 946. 5 к.

ОТПРАВЛЯТЬ ПО ПОЧТЕ ТОЛЬКО В КОНВЕРТЕ

ТИЦИАН ВЕЧЕЛЛИО (1485 / 90—1576)

Художник ТИЦИАН ВЕЧЕЛЛИО (1477 или 1485/90—1576) - «Любовь небесная и Любовь земная». Около 1515. Холст, масло 118x279. Галерея Боргезе. Рим. Итальянская школа

Тициан — величайший живописец эпохи Высокого Возрождения в Венеции. Учился у Джованни Беллини. Тициан прожил долгую, полную труда и удач жизнь. С годами мастерство художника возрастало и достигло несравненного совершенства. Он был великим портретистом и создателем множества картин на мифологические и религиозные сюжеты. Он был величайшим колористом.

«Любовь небесная и Любовь земная» написана Тицианом в ранний период творчества. Расшифровке сюжета этой картины посвящено много литературы. Одни ученые связывают его с античной мифологией, другие — с личными переживаниями художника. В облике Любви земной некоторые видят красавицу Виоланту, возлюбленную Тициана.

Две прекрасные женщины, сидящие на саркофаге, представлены на фоне широкой панорамы пейзажа. Колористический талант Тициана раскрывается здесь прежде всего в изображении прекрасного нагого женского тела и оттеняющих его одежд. Пейзаж с густыми кронами деревьев и плывущими по небу облаками гармонирует с пышной красотой женщин. Правда, он несет в себе еще повествовательность. Художник не ограничивается изображением города, деревни, моря. Вот на поляну выскочил заяц, за ним гонятся охотники, на опушке леса пастух пасет стадо овец, рядом под тенью деревьев целуются влюбленные. Но вся композиция очень целостна. Все объединено теплым единым дыханием природы, потоком лучей заходящего вечернего солнца.

© «Изобразительное искусство». Москва. 1988 9-2075. 119 000. 946. 5 к.

ОТПРАВЛЯТЬ ПО ПОЧТЕ ТОЛЬКО В КОНВЕРТЕ

Художник ТИЦИАН ВЕЧЕЛЛИО (1477 или 1485/90—1576) «Венера, завязывающая глаза Амуру». Около 1565. Холст, масла 118Х 185. Галерея Боргезе. Рим. Итальянская школа

Последний период творчества великого венецианца падает на годы католической реакции. Однако до конца своих дней Тициан сохраняет незыблемую веру в героизм и величие человека, остается верен жизнеутверждающим идеям гуманизма. В этот период им были написаны самые замечательные, самые эмоциональные полотна, полные напряженного драматизма. К числу бесспорных шедевров мастера, созданных им на склоне лет, относится картина «Венера, завязывающая глаза Амуру». Здесь, так же как и в «Любви небесной и Любви земной», Тициан обращается к мифологии. Но картина проникнута совсем иным мироощущением.

По-прежнему художник воспевает красоту человека, но нет уже того безмятежного покоя, которым пронизана «Любовь небесная и Любовь земная». Пейзаж насыщен драматизмом, активная жизнь природы созвучна переживаниям героев. Фигуры женщин кажутся окутанными какой-то тревожной, грозовой атмосферой. Этому способствует как колорит картины, так и необычная манера письма, к которой художник пришел почти в восьмидесятилетнем возрасте. Он лепит теперь форму широкими энергичными мазками, отказавшись от прежней тональной моделировки. Форма возникает на его полотнах из сплава мазков различных оттенков, образующих вибрирующую красочную стихию.

© «Изобразительное искусство». Москва. 1988 9-2075. 119 000. 946. 5 к.

ОТПРАВЛЯТЬ ПО ПОЧТЕ ТОЛЬКО В КОНВЕРТЕ

См. также:

понедельник, 28 июня 2010 г.

САНДРО БОТТИЧЕЛЛИ (Алессандро ди Мариано Филипепи, 1444/45—1510) - «Мадонна с младенцем, Иоанном Крестителем и ангелами»

Художник САНДРО БОТТИЧЕЛЛИ (Алессандро ди Мариано Филипепи, 1444/45—1510) и ученики. «Мадонна с младенцем, Иоанном Крестителем и ангелами». Дерево, темпера. Диаметр 170. Галерея Боргезе. Рим. Итальянская школа

Сандро Боттичелли — один из самых значительных и своеобразных художников Возрождения. Его творчество, чарующее своей поэтической взволнованностью, несет печать особой индивидуальной неповторимости. По силе эмоционального воздействия полотна Боттичелли почти не имеют себе равных. Сочетая поэтический вымысел с реальностью, художник сосредоточил свое внимание на передаче сложных человеческих переживаний. Он открыл неведомый до него мир чувств. Главным средством выражения у него становится линия.

Сандро Боттичелли был связан с гуманистическими кругами, группировавшимися вокруг двора Лоренцо Медичи. В конце жизни попав под влияние проповедей Савонаролы, требовавшего отказа от светской живописи, он пережил глубокую трагедию.

Картина является произведением зрелого мастерства Боттичелли. Величественная и нежная, склонившись к младенцу, сидит мадонна. Синий плащ, мягкими линиями струящийся с плеч, заканчивается неожиданно жесткими складками у ее ног. Мадонну окружают поющие ангелы. Их нежные и одухотворенные головы увенчаны венками изысканных цветов. В утонченных чертах лиц мы узнаем созданный Боттичелли тип. Этот тип красоты, скорее духовной, чем телесной, встречается во всех произведениях Боттичелли. Исследователи считают, что картина исполнена при участии учеников художника. В ритмической игре линий, утонченном колорите, печальной задумчивости чувствуется участие самого Боттичелли.

 «Изобразительное искусство». Москва. 1988 9-2075. 119 ООО. 946. 5 к.

ОТПРАВЛЯТЬ ПО ПОЧТЕ ТОЛЬКО В КОНВЕРТЕ

См. также: 

РАФАЭЛЬ САНТИ (1483—1520). «Портрет молодой женщины с единорогом»


Художник РАФАЭЛЬ САНТИ (1483—1520). «Портрет молодой женщины с единорогом» . 1505—1506. Дерево, масло 65х51 Галерея Боргезе. Рим. Итальянская школа

Рафаэль — один из величайших живописцев Высокого Возрождения. Он воплотил в своих произведениях наиболее зрелые художественные искания своего времени. Простота замысла, уравновешенность композиционных построений, гармоничный колорит сочетаются в произведениях Рафаэля в строгом единстве. В области композиции и в чувстве гармонии целого художник не знал себе равных.

Творчество Рафаэля было разносторонним. Он работал в области монументальной росписи и был архитектором, портретистом, превосходным рисовальщиком, писал картины на сюжеты из христианской и античной мифологии. Прижизненная слава художника была так велика, что современники называли его «божественным Санцио».

Рафаэль родился в Урбино, первые уроки рисования получил от своего отца Джованни Санти, затем учился у Перуджино. В 1504—1508 годах жил во Флоренции. С 1508 года до самой смерти Рафаэль работал в Риме.

Рентген и последовавшая за ним реставрация в 1935 году подтвердили предположение, что за неприметной ранее картиной с изображением св. Екатерины, скрывается шедевр, принадлежащий кисти Рафаэля. После удаления позднейших записей перед зрителем предстал портрет молодой женщины с единорогом (символ чистоты и целомудрия).

Портрет был создан в первые годы пребывания художника во Флоренции и исполнен под влиянием знаменитой «Джоконды» Леонардо да Винчи. Здесь то же композиционное построение: поколенное изображение женщины с легким поворотом корпуса и лицом, данным в фас. Такое решение придавало изображению большую жизненность.

© «Изобразительное искусство». Москва. 1988 9-2075. 119 000. 946. 5 к.

ОТПРАВЛЯТЬ ПО ПОЧТЕ ТОЛЬКО В КОНВЕРТЕ

См. также:

РАФАЭЛЬ САНТИ (1483—1520)

ОРТОЛАНО (Джован Баттиста Бенвенути, 1487—1524) - «Снятие с креста»

Художник ОРТОЛАНО (Джован Баттиста Бенвенути, 1487—1524) - «Снятие с креста». Дерево, масло 264Х202. Галерея Боргезе. Рим. Итальянская школа

Джован Баттиста Бенвенути родился в Ферраре в семье зеленщика, отсюда и его прозвище Ортолано (то есть огородник). Судьба долгое время была к нему не благосклонна: многие его произведения, и притом лучшие, приписывались другому феррарскому живописцу — Гарофало.

Ортолано формировался под воздействием Мариано Мариани, работавшего в Ферраре. Этот небольшой город играл заметную роль как в политической, так и культурной жизни Италии. И хотя при дворе герцогов д'Эсте процветала феодальная культура, сюда проникали и передовые гуманистические идеи Возрождения. С 1506 года в работах Ортолано явно ощущается знакомство с творчеством Рафаэля. Сильное влияние Рафаэля ощущается в картине «Снятие с креста», которая может служить примером применения принципов Высокого Возрождения в творчестве провинциального художника.

Охваченные общим чувством горя, все персонажи выражают скорбь чисто индивидуально — от тихой, сдержанной грусти мадонны до патетического жеста отчаяния Марии Магдалины. Пейзаж, полный покоя и тишины, контрастирует с отчаянием людей, оплакивающих Христа. Только три креста на Голгофе как бы намек на происшедшую трагедию. В деревне мирно и буднично течет жизнь. В изображении пейзажа Ортолано показал себя зрелым мастером, опередившим живопись своего времени и оказавшим влияние на художников болонской школы XVII века.

© «Изобразительное искусство». Москва. 1988 9-2075. 1 19 ООО. 946. 5 к.

воскресенье, 27 июня 2010 г.

ПЬЕРО ДИ КОЗИМО (около 1462 — около 1521) - «Поклонение младенцу»

Художник ПЬЕРО ДИ КОЗИМО (около 1462 — около 1521) «Поклонение младенцу».  Дерево, темпера. Диаметр 140 см. Итальянская школа. Флорентийская школа. Галерея Боргезе. Рим.

Пьеро ди Козимо принадлежит к числу выдающихся флорентийских живописцев конца XV — первой четверти XVI века. Родился он в семье флорентийского ювелира. Учителем его был Козимо Россели, от которого Пьеро взял имя Козимо.

Испытав в юношеские годы влияние своего учителя, он не остался чужд и новым веяниям Высокого Возрождения. Пьеро ди Козимо был хорошо знаком с творчеством Леонардо да Винчи, и проблема светотени, занимавшая великого флорентийца, интересовала также и его. Большое место в своих картинах художник отводил пейзажу. В его интерпретации пейзажа чувствуется сильное влияние нидерландской школы живописи.

На переднем плане картины «Поклонение младенцу», в темном интерьере, изображены младенец Христос и Иоанн Креститель. Художник прибегает здесь к необычному освещению. Свет падает спереди и сзади в открытый проем двери. Вдали в голубой дымке тают строения селения. На его фоне идет крестьянин, ведущий корову, здесь же пасущийся ослик. Виднеются очертания замка на холме. С вершины холма сбегает вниз дорога. Художнику удается объединить пейзаж с происходящей в хижине сценой единым настроением. Полная тишины и покоя природа как бы аккомпанирует происходящему.

© «Изобразительное искусство». Москва. 1988 9-2075. 119 ООО. 946. 5 к.

ОТПРАВЛЯТЬ ПО ПОЧТЕ ТОЛЬКО В КОНВЕРТЕ

СИМОН МАРМИОН (1449/54—1489) «Распятие»

Художник СИМОН МАРМИОН (1449/54—1489) «Распятие». Дерево 45Х29. Французская школа.  Национальная галерея. Рим

Симон Мармион был крупнейшим мастером раннего французского Возрождения. Это время зарождения ренессансной культуры во Франции, время формирования основ реалистического светского искусства. Точная дата рождения художника не известна; предполагают, что он родился между 1449 и 1454 годами в городе Амьене. Работал Мармион в Туре, Лилле и Валансьенне.
Мармион получил известность, работая в технике миниатюры, а затем стал писать картины. Миниатюры художника пользовались у современников популярностью. Его прекрасные иллюстрации «Большой французской хроники» хранятся в Государственной публичной библиотеке имени М. Е. Салтыкова-Щедрина в Ленинграде.
На заре французского Возрождения тенденции к реализму проявились прежде всего в миниатюре. На смену религиозным средневековым представлениям пришло новое жизнеутверждающее мировоззрение, пытливое и страстное изучение окружающего мира. Это новое отношение к миру ощущается и в «Распятии». Большое место в картине занимает прекрасно исполненный пейзаж. В его изображении чувствуется влияние нидерландской школы живописи. Сцена, представленная на переднем плане, воспринимается в единстве с пейзажем.
Тщательность манеры письма, любовь к деталям свидетельствуют об опыте работы Симона Мармиона в миниатюре.

© «Изобразительное искусство». Москва. 1988 9-2075. 119 ООО. 946. 5 к.

ОТПРАВЛЯТЬ ПО ПОЧТЕ ТОЛЬКО В КОНВЕРТЕ

МИКЕЛАНДЖЕЛО МЕРИЗИ ДА КАРАВАДЖО (1573—1610)

Художник КАРАВАДЖО (Микеланджело Меризи, 1573—1610) - «Больной Вакх». Холст, масло 67х53 см. Итальянская школа. Галерея Боргезе. Рим

Выдающийся итальянский живописец Микеланджело Меризи родился в городке Караваджо, отсюда и происходит его прозвище.

Караваджо явился родоначальником нового реалистического и демократического направления в итальянской, а затем и европейской живописи XVII века. Его последователей стали называть караваджистами. В период засилья в искусстве маньеризма и академизма Караваджо обращается к показу простых людей. Даже в картины на религиозные темы он вводит простонародные типы, часто изображает людей за их будничными делами. Такое демократическое искусство ошеломило современников. Обращение к «низкой действительности» вызывало острую неприязнь клерикалов и художников-академистов. Правда, сила таланта художника и жизненная убедительность образов снискали ему почитателей даже в этих кругах.

Картина «Больной Вакх» была выполнена художником в шестнадцатилетнем возрасте. Предполагается, что она является автопортретом художника, написанным в госпитале во время заболевания лихорадкой. Об этом свидетельствует болезненный вид юноши. Фигура Вакха вплотную придвинута к раме картины. Художник прибегает к этому, чтобы приблизить персонаж к зрителю, создать ощущение их общения.

Караваджо передает упругость молодой кожи юноши, бархатистость персика и янтарную спелость винограда. С большой убедительностью изображая материальный мир, художник избегает натурализма благодаря умению предметное изображение облечь в обобщенные формы.

См. также:

суббота, 26 июня 2010 г.

К набору отрыток "Галерея Боргезе и Национальная галерея. Рим"

Ни один город мира не может гордиться таким количеством и разнообразием памятников искусства, как Рим. Рядом с античными руинами высятся пышные дворцы барокко, прекрасные здания эпохи Возрождения соседствуют с церквами средневековья. Рим богат и музеями искусств, среди которых немалой известностью пользуются галерея Боргезе и Национальная галерея. По своим размерам коллекции этих музеев не могут сравниться с крупнейшими музеями мира. Однако многие произведения в этих собраниях относятся к высочайшим образцам искусства и имеют мировую известность.

Официальными датами основания галерей считаются: галереи Боргезе — 1902 год, Национальной галереи — 1940 год. Сами же коллекции сложились значительно раньше.

История возникновения галереи Боргезе связана с богатым и влиятельным родом Боргезе. Когда в 1605 году один из членов этой семьи был избран папой, принявшим имя Павла V, для его племянника Шипионе Боргезе, ставшего кардиналом, открылись огромные возможности. Власть и неограниченные финансовые ресурсы способствовали быстрому комплектованию коллекции. Картины покупали, конфисковывали, вымогали, а подчас просто крали, как это было с рафаэлевским «Снятием с креста», похищенным из капеллы Бальони в Перудже. В 1607 году у художника Кавальере д'Арпино за неуплату налогов были конфискованы и переданы кардиналу Боргезе картины молодого Караваджо «Больной вакх» и «Юноша с корзиной фруктов». В 1608 году путем вымогательств и угроз Боргезе вынудил кардинала Сфондрато продать ему семьдесят картин.

В 1606 году на одном из живописных римских холмов под руководством архитектора Фламинио Понцио был разбит великолепный парк и началось строительство дворца. Постройка его была закончена в 1619 году архитектором Джованни Ва-занцио. В отделке дворца и украшении парка принимали участие лучшие скульпторы и декораторы того времени Лоренцо Берни-ни и Джованни Ланфранко.

На втором этаже дворца была размещена коллекция живописи. Надо признать, что Шипионе Боргезе оказался умелым собирателем. В основном он приобретал произведения живописи XVI—XVII веков, но при этом стремился как можно полнее представить творчество интересовавших его художников. Назначив наследником своего брата, он поставил единственным условием сохранение целостности коллекции.
В конце XVII века благодаря женитьбе Паоло Боргезе на наследнице кардинала Альдобрандини коллекция пополнилась несколькими работами молодого Рафаэля, Лоренцо Лотто и Караваджо.

После этого периода пополнения последовала пора утечек. Из коллекции были проданы три картины Рафаэля и одно полотно Караваджо. Больше всего коллекция пострадала в период господства Наполеона. Камилло Боргезе, муж сестры Наполеона Паолины Бонапарт, вынужден был отправить многие ценные произведения в Париж.

После смерти прямых наследников дворец с парком, собрание картин и скульптуры становятся в 1902 году собственностью государства. В настоящее время галерея Боргезе насчитывает около пятисот шестидесяти картин.

В основном в коллекции представлена итальянская живопись. Произведения Перуджино, Пьеро ди Козимо, Лоренцо ди Креди, Сандро Боттичелли и других художников дают возможность ознакомиться с искусством раннего Возрождения. Среди картин Высокого Возрождения огромный интерес вызывают «Портрет молодой женщины с единорогом» и «Снятие с креста» Рафаэля, «Снятие с креста» Ортолано, «Даная» Кор-реджо; большого внимания заслуживает собрание картин венецианской школы XV—XVI веков. Это прежде всего относится к произведениям Джованни Беллини, Джорджоне, Тициана и Веронезе.

Раздел итальянской живописи XVII века дает яркое представление о таких художественных течениях, как болонский академизм, караваджизм и барокко.

Собрание Национальной галереи имеет также более чем двухсотлетнюю историю. Племянник папы Клемента VII кардинал Нери Корсини купил у знатной римской семьи Риарио дворец, который было поручено переделать архитектору Ферди-нандо Фуга. Несметные богатства позволили кардиналу не только выстроить дворец с неслыханной роскошью, но и закончить его убранство в течение трех лет. За этот короткий срок с 1737 по 1740 год была собрана первоклассная коллекция, насчитывающая около шестисот картин. В 1883 году князья Корсини продали дворец государству и подарили ему коллекцию. Вскоре в 1892 году она пополнилась собранием герцога Джованни Торлониа, также подаренным государству. В этом же году коллекция обогатилась еще 187 картинами, поступившими из галереи дель Монте ди Пьета. 

Поступление живописи за счетдаров продолжалось, и в связи с нехваткой места многие произведения искусства были распределены по различным музеям. Встал вопрос о необходимости собрать всю коллекцию воедино, для чего целесообразно было приобрести соответствующее здание. Вскоре выбор был сделан, и в 1930 году государство купило великолепный дворец Барберини. Дворец был выстроен еще в середине XVII века для племянника папы Урбана VIII, происходившего из семьи Барберини. В постройке дворца участвовали такие прославленные зодчие, как Карло Мадерна, Лоренцо Бернини; росписи знаменитого плафона были выполнены Пьетро да Кортона. В этом величественном здании с 1940 года разместилась часть коллекции Национальной галереи, другая ее часть осталась в палаццо Корсини. Таким образом, живопись с XIII по XVII век экспонируется в палаццо Барберини, с XVII по XIX век — в палаццо Корсини.

В настоящее время Национальная галерея насчитывает 1700 картин. Она по праву может гордиться своим итальянским собранием. Галерея небогата памятниками живописи XIII—XIX веков, зато начальная пора итальянского Возрождения представлена прекрасными произведениями Филиппо Липпи, Пьеро ди Козимо, Беато Анджелико и так далее. Самым значительным и интересным разделом галереи является итальянская живопись XVI века — блестящей поры искусства Высокого Возрождения. Особый интерес представляют здесь работы Рафаэля, Андреа дель Сарто, Бартоломео Венето. Национальная галерея обладает небольшим, но интересным собранием венецианской школы живописи, включающим произведения художников XVIII века — Каналетто и Гварди.

В Национальной галерее имеются также произведения выдающихся мастеров других европейских стран — Симона Мармиона, Ханса Гольбейна, Квентина Массейса, Эль Греко.

Репродукции, собранные в этом издании, показывают, какими художественными ценностями располагают галерея Боргезе и Национальная галерея.

3. Борисова

Художник МАСТЕР КОРОНОВАНИЯ ИЗ УРБИНО  -  «Рождение Иоанна Крестителя». Итальянская школа
См. также:

пятница, 25 июня 2010 г.

М а з а ч ч о (Томмазо ди Джованни ди Симоне Гвиди, 1401—1428) - «Чудо с динарием»

М а з а ч ч о (Томмазо ди Джованни ди Симоне Гвиди, 1401—1428) -  «Чудо с динарием». Деталь фрески Капелла Бранкаччи в церкви Санта Мария дель Кармине во Флоренции

Фрески капеллы Бранкаччи посвящены эпизодам из жизни апостола Петра. Здесь воспроизводится центральная часть фрески, сюжетом для которой послужила легенда о том, как сборщик подати не пустил в город Христа и его учеников, требуя уплаты динария в пользу храма. Тогда Христос велел апостолу Петру выловить в озере рыбу, извлечь из ее чрева монету и вручить сборщику. Совмещение трех моментов действия в одной фреске, то есть принцип повествовательного развития сюжета,—условность, идущая еще от средневекового искусства, у Мазаччо поражает своей естественностью. Фигуры легко вписываются в пейзаж: масштабно скоординированные, они расположены в разных планах, отчего создается впечатление пространственности. Каждый персонаж участвует в действии. Христос спокойным жестом руки умиротворяет спор, возникший между апостолом Петром и сборщиком городской подати. Сильная светотень делает фигуры почти объемными. Стремление изобразить реальную фигуру в реальном пространстве определялось теми новыми задачами, которые принесло с собой искусство эпохи Возрождения: живопись и скульптура стали средством познания и отражения законов реального мира.

Издательство «Советский художник»
А04725-64 г. 9-1760. 3. 80. Т. 50 000. Ц. 3 Экспериментальная типография ВНИИПП.

М а з а ч ч о (Томмазо ди Джованни ди Симоне Гвиди, 1401—1428) Голова апостола Петра. Деталь фрески «Чудо с динарием»
Капелла Бранкаччи в церкви Санта Мария дель Кармине во Флоренции
Образы евангельских святых в фресках Мазаччо стали носителями живых человеческих мыслей и страстей. Характеры его персонажей полны земной силы и пафоса. Апостол Петр — один из самых выразительных образов фрески. Он ведет спор со сборщиком подати; лицо могучего старца разгневано, в нем видны темперамент и моральная сила. Массивная, широкоплечая фигура Петра, его мужественное лицо лишены идеализации—это человек из народа, реальный человеческий характер. Вместе с тем образ Петра исполнен величия, он выражает новые, гуманистические представления о человеке: высокую силу духа, стойкость, достоинство, уверенность в себе, осознание своей значительности и своей роли в жизни. Образы Мазаччо монументальны: конкретность индивидуального характера сочетается в них с обобщением и героизацией. Живописная манера Мазаччо лишена дробности и детализации, все формы скульптурно-чеканны, полны огромной выразительной силы. Простые и ясные красочные сочетания подчеркивают дух сурового величия, которым проникнуты все творчество Мазаччо»

Издательство «Советский художник»
А04725-64 г. 9-1760. 3. 80. Т. 50 000. Ц. 3 к. Экспериментальная типография ВНИИПП.
См. также:

Мазаччо (1401—1428) - «Изгнание из рая», «Чудо со статиром»


Франсуа Рейкхальс (после 1600—1647) - "Плоды и омар на столе"

Художник Франсуа Рейкхальс  (после 1600—1647) - "Плоды и омар на столе".  1640 г. Дерево, масло. 70х118 см..  Ленинград. Государственный Эрмитаж. Голландская школа

четверг, 24 июня 2010 г.

Леонардо да Винчи (1452-1519)

Художник Леонардо да Винчи (1452-1519), Итальянская школа . «Портрет Моны Лизы Джоконды»  1503—1506 гг. Лувр. Париж
Леонардо да Винчи родился в 1452 г. в Винчи близ Флоренции, учился у знаменитого флорентийского скульптора и живописца Андреа Вероккио, работал в различных городах Италии. Незадолго до смерти По приглашению французского короля Франциска I переехал во Францию, где и умер в замке Амбуаз в 1519 г.

Портрет жены неаполитанского купца Моны Лизы Джоконды был написан Леонардо во Флоренции в 1503—1506 гг. Леонардо работал над ним в течение почти 4-х лет. Труднейшая задача, которую поставил великий художник, сводилась к тому, чтобы на картине был запечатлен не один какой-либо момент состояния человека, а сложный и длительный процесс его душевной жизни. Рас-сказывали, что Леонардо во время работы приглашал музыкантов, артистов, шутов, чтобы развлечь Джоконду и увидеть на ее лице проявление различных чувств. Леонардо открыл светотень как новое изобразительное средство, позволявшее выявить в портрете скрытый психологический мир человека. Легкая дымка — «сфумато» — окутала всю фигуру молодой женщины. Это «сфумато» создает неуловимую эмоциональную среду и подобно музыке вызывает в нас ощущение внутреннего богатства человека.

Нежнейшей светотеневой лепкой лица Леонардо достигает изумительной мягкости переходов и дает почувствовать не только теплоту ее кожи, но и, по словам Вазари, как бы биение пульса. Классически строгая построенность портрета, чеканный силуэт и линейные ритмы сообщают образу Джоконды величавость и цельность. Однако ее нежная улыбка в соединении с открытым взглядом умных, чуть насмешливых глаз и «сфумато» раскрывают противоречивость, зыбкость и многогранность ее натуры. Именно эта неуловимость скрытых чувств заставляет многих критиков находить образ Моны Лизы загадочным и таинственным.

«Советский художник» Москва 1965 9-95. Ц. 3 к.


Художник Леонардо да Винчи (1452-1519), Итальянская школа . «Тайная Вечеря» 1497—1498 гг. Фреска в трапезной монастыря Санта Мария делла Грацие в Милане

Фреска «Тайная вечеря» — самое прославленное произведение Леонардо да Винчи. В этой стенной росписи Леонардо использует евангельскую легенду о последней трапезе Христа с учениками. Однако традиционный сюжет претворен великим художником в событие человеческого значения, потому что он трактует его как психологический конфликт между благородством и низостью, верностью и предательством, как разоблачение и осуждение зла.

Фигура Христа помещена в середине, на фоне самого большого окна, к ней сходятся все линии перспективы, она является смысловым центром всей картины. Христос только что произнес свои слова: «Один из вас предаст меня». Апостолы, встревоженные его предсказанием, испытывают глубочайшее волнение, проявляющееся у каждого в зависимости от его характера и темперамента.

Размещенные группами по три человека, согласно строгому композиционному порядку, они вместе с тем вносят в картину основной драматический накал. Их жесты, мимика выражают сложную гамму испытываемых ими чувств. Особенно выразительна группа по правую руку от Христа. Кроткий Павел опускает глаза, вспыльчивый, неукротимый Петр хватается за нож, испуганный Иуда отпрянул в ужасе, сжимая кошель с деньгами. Его зловещий профиль дан рядом с юношеским лицом Иоанна, что позволяет сразу выделить его среди остальных учеников. Никогда еще в истории искусства не было столь сильного изображения человеческих страстей, многообразных в своей пластической выразительности.

Роспись «Тайная вечеря» написана с необычайной живописной тонкостью, богатством цветовых оттенков и рефлексов, редких в стенной росписи, и может быть отнесена к числу самых великих творений монументального искусства.

«Советский художник» Москва 1965 9-95. Ц. 3 к.

См. также:

Леонардо да Винчи (1452-1519) - «Мадонна Литта»

Василий Васильевич Верещагин (1842—1904)

Художник Василий Васильевич Верещагин (1842—1904) - «У крепостной стены "Пусть войдут"». 1871 г. Государственная Третьяковская галерея. Русская школа
Художник Василий Васильевич Верещагин (1842—1904) - «Забытый солдат». 1881-1885 гг. Холст, масло. 455х293 см. Николаевский Государственный художественный музей им. В.В. Верещагина

См. также:

среда, 23 июня 2010 г.

РАФАЭЛЬ САНТИ (1483—1520) - «Портрет Аньоло Дони»

Художник РАФАЭЛЬ САНТИ (1483—1520) - «Портрет Аньоло Дони». Галерея Питти, Флоренция. Итальянская школа


См. также:

Пьетро да Кортона (1596—1669)- Деталь плафона палаццо Питти во Флоренции


Художник Пьетро да Кортона (1596—1669)- Деталь плафона палаццо Питти во Флоренции. 1641—1647 гг. Итальянская школа

А-09986-64 г. 9-153. 3 411. Экспер. тип. Тираж 21 ООО. Цена 3 коп.

Монументальная живопись получила в Италии XVII века особенно широкое распространение. Однако задачи ее во многом отличны от задач монументальной живописи эпохи Возрождения. Пьетро да Кортона и другие художники-монументалисты разрабатывают новую систему декоративного ансамбля: их живопись не только не подчеркивает плоскость стены, а, напротив, стремится создать обманчивое впечатление пространственной глубины. Это прежде всего относится к росписи потолков—плафонов. Расположение фигур в сложных ракурсах, перспективное построение пространства, изображение неба с клубящимися облаками — все это создает иллюзию продолжения архитектурных форм интерьера, зрительно расширяет внутреннее пространство здания, создавая пышное и захватывающее зрелище. Для росписей плафонов чаще всего использовались мифологические или аллегорические сюжеты. На плафоне палаццо Питти Кортона изобразил аллегорические фигуры, олицетворяющие «Золотой и серебряный века». Художник обнаруживает замечательное мастерство в передаче фигур в сложных ракурсах. в умении располагать их в ритмически сопоставленные группы. Плафоны, выполненные Пьетро да Кортона, отличаются хорошим вкусом, они лишены вычурности и перегрузки деталями, что отчасти было характерно для других мастеров итальянской декоративной живописи XVII века.

См. также:

Микеланджело да Караваджо (1573-1610) - «Мученичество апостола Петра»

Художник Микеланджело да Караваджо (1573-1610) - «Мученичество апостола Петра».
Холст, масло. 230X175. Рим. Церковь Санта Мария дель Пополо. Итальянская школа

В 1600—1601 гг. Караваджо выполнил две большие картины для украшения боковых стен капеллы Черази в римской церкви Санта Мария дель Пополо. Первоначально написанные Караваджо картины не понравились заказчикам за «отсутствие благородства» и не были приняты. Ему пришлось написать новые. На одном из полотен изображено «Мученичество апостола Петра». В этой картине на тему евангельской легенды художник создал реалистический образ сильного человека. Напряжение тел палачей, поднимающих крест, построение композиции по диагонали, как бы разворачивающее движение в глубину, контрасты света и тени создают ощущение борьбы сильных земных страстей, столь характерное для многих произведений Караваджо. Человеческие фигуры заполняют все пространство картины, что придает ей исключительную монументальность. Поражает мастерство Караваджо: точный рисунок, построение фигур в пространственных сокращениях, колористическое богатство насыщенных желтых и синих, словно пылающих, тонов, усиливающих эмоциональное напряжение изображаемой сцены.

См. также:

Аннибале Карраччи (1560—1609) - "Отдых на пути в Египет"

Художник Аннибале Карраччи (1560—1609) - "Отдых на пути в Египет". Около 1600 г. Холст, масло. Круг, диам. 82,5.  Ленинград. Государственный Эрмитаж. Итальянская школа

А-09986-64 г. 9-153. 3 411.
Экспер тип. Тираж 21 ООО. Цена 3 коп.

Картина написана на евангельский сюжет В композиции отчетливо видно воздействие на искусство А. Карраччи творчества Рафаэля и венецианских художников Высокою Возрождения. Тип мадонны вызывает в памяти образы мадонн Рафаэля, да и сама композиция в форме тондо (круг) была типична для картин великих мастеров Возрождения. А. Карраччи с большим профессиональным уменьем вписывает фигуры в круг: позы Марии и ангелов как бы создают ритм полукруглых линий, вторящий форме композиции. Слитность фигур с пейзажем и та роль, которую художник отводит изображению природы, несомненно навеяны искусством венецианцев XVI века. А. Карраччи сделал пейзаж средой, в которой существуют его герои. Величавое и умиротворенное состояние природы перекликается с настроением персонажей. Аннибале Карраччи по праву можно назвать одним из основоположников классического пейзажа.

См. также:

вторник, 22 июня 2010 г.

Питер-Пауль Рубенс (1577—1640)

Художник ПИТЕР ПАУЛЬ РУБЕНС (1577—1640). «Бог реки Шельды, Кибела и богиня города Антверпена». Эскиз.  Дерево, масло. 28х37 см. Фламандская школа.  Киевский музей западного и восточного искусства
Художник ПИТЕР ПАУЛЬ РУБЕНС (1577—1640) «Портрет Елены Фоурмен с детьми». Ок. 1637 Париж. Лувр
«Изобразительное искусство». Москва. 1973 9-378. Ц. 3 к. Т. 35 ООО. 5-я т. 3. 1392. 2 1 2 1 2 8 1

В последнее десятилетие жизни великого художника настает период высшей зрелости и совершенства его художественного мастерства. Несмотря на тяжелую болезнь, его художественная деятельность не теряет своей напряженной интенсивности. Он выполняет большие заказы, целые серии картин для Испании и Англии, создает в эскизах грандиозный проект праздничного оформления Антверпена. Но вместе с тем его все более привлекает интимная, лирическая сторона жизни, красота человеческих взаимоотношений. Тема любви и счастья в творчестве Рубенса звучит с новой силой и вызвана отчасти страстной привязанностью к его второй жене, прелестной Елене Фоурмен. Несмотря на разницу возрастов, поздний брак Рубенса был счастливым союзом красоты и таланта. Художник оставил много портретов этой белокурой цветущей красавицы с полным нежным телом, воплощение здоровья, женской прелести, душевной безмятежности. Своей волшебной кистью великий живописец стремился передать как бы само благоухание ее дивной атласной кожи, теплоту легкого розового румянца, пушистую россыпь коротких золотистых волос.

«Портрет Елены Фоурмен с детьми» может быть отнесен к подлинным шедеврам европейской живописи. Молодая женщина сидит в кресле, обнимая маленького сына, старшая девочка стоит около ее колен, следя за порхающей птичкой, привязанной за веревочку. Портрет остался незаконченным — намеренно или случайно, мы не знаем.

Пленительная красота и святость материнства впервые раскрыты художником в образе земной женщины, а не мадонны. На фоне портрета видна колонна, частый атрибут в парадных портретах Рубенса, но по всей видимости, нежная трогательность сцены заставила художника отказаться от обычных приемов завершения картины, оставив все недосозданным, недосказанным, в чуть мечтательной дымке.
Художник ПИТЕР ПАУЛЬ РУБЕНС (1577—1640). «Умирающая Клеопатра». Фламандская школа.  Потсдам. Дворец Сан-Суси
Художник ПИТЕР ПАУЛЬ РУБЕНС (1577—1640). «Пастушечья сцена». 1636-1638 гг.   Холст, масло. 114х91 см. Фламандская школа. Государственный Эрмитаж.

См. также

понедельник, 21 июня 2010 г.

Жан-Батист-Симеон Шарден (1699-1779)

Жан-Батист-Симеон Шарден (1693—1779)
«Советский художник» Москва 1965 9-1747. Ц. 3 к.
Французская школа

Прачка. Около 1737 г. Государственный Эрмитаж. Ленинград

Жан-Батист-Симеон Шарден, выдающийся французский художник XVIII века, посвятил свое творчество изображению жизни простых людей, принадлежащих, как и он сам, к третьему сословию. Органически связанный с ними своей жизнью, вкусами и симпатиями, сын ремесленника, скромный труженик, Шарден вводит зрителя в привычный повседневный мир их деятельности и забот. Эта глубокая личная привязанность художника к своим героям придает его картинам неповторимое лирическое обаяние. Ласковый внимательный взгляд Шардена подмечает не только характерность обычных действий людей, занятых домашним трудом, но и душевную красоту, мягкость, теплоту, благодаря чему скромные занятия обретают поэтическое содержание.
«Прачка», как и все жанровые композиции Шардена, очень проста по своему сюжету, Все здесь отвечает глубокой жизненной правде — и спокойные размеренные движения женщин, и выбор, и расположение предметов, и простота обстановки скромного жилища. Во всем, что изображено художником, чувствуется глубокая внутренняя взаимосвязь. Отдельные детали картины — кошка, настороженно следящая за чем-то, что отвлекло также внимание и ее хозяйки, метла в углу и другие — дополняют рассказ художника о мирном спокойном существовании человека. Тонко подобранные, неяркие краски объединяет мягкий, рассеянный свет, создающий особое ощущение тишины, покоя и домашнего уюта.

Ж а н-Б а т и с т-Симеон Шарден (1693—17 Французская школа.

«Советский художник» Москва 1965 9-1747. Ц, 3 к.
Натюрморт (атрибуты искусства). Около 1766
Государственный музей изобразительных искусств имени А. С. Пушкина. Москва

Натюрморты Шардена — одна из вершин реалистической живописи Европы XVIII века. Художник уделяет им в своем творчестве не меньшее внимание, чем своим жанровым сценам. Обычно примером его изображения служит незатейливая утварь домашнего обихода или веши, связанные с интеллектуальной деятельностью человека. В отличие от его голландских предшественников Шардена интересует не столько неповторимое своеобразие форм предметов, их строения, материала, поверхности, сколько сопричастность предметов жизни человека, их взаимосвязи. Одухотворенность его натюрмортов, их тонкий лиризм проистекают от особого ощущения интимности, близости этой связи; кажется, что изображенные Шарденом вещи несут на себе следы прикосновения рук человека, отзвуки его душевного состояния, желаний, интересов.
«Атрибуты искусства»—это изображение предметов, которыми пользуются художники. Это не рабочие инструменты, а вещи, которые раскрывают мир духовных и художнических интересов Шардена,—гравюры, книги, рисунки, гипсовая голова Меркурия работы его современника — скульптора Пигаля, словом то, что способно вдохновить художника в процессе творчества. Шарден блестяще соединяет сочиненность композиции со свободой и естественностью расположения предметов.
Мягкий, но звучный колорит, золотистый свет, окутывающий натюрморт, усиливают ощущение интимности и душевной теплоты.
 
См. также:

суббота, 19 июня 2010 г.

Рулант Саверей (1576—1639) - «Тирольский пейзаж»

Художник Рулант Саверей (1576—1639). «Тирольский пейзаж».  1606 г. Государственный Эрмитаж. Голландская школа.

Якоб Герритс Кейп (1594—1651) - «Мальчик с гусем»

Художник Якоб Герритс Кейп (1594—1651),  «Мальчик с гусем». Холст, масло. Голландская школа. Государственный художественный музей. Таллин

См. также:

Якоб Герритс Кейп (1594—1651) - «Виноградарь»

Антони Паламедес (1601—1673). «Дуэт певицы с флейтистом»

Художник Антони Паламедес (1601—1673). «Дуэт певицы с флейтистом». Дерево, масло. 62х50  Ульяновский областной художественный музей. Голландская школа

Херри мет де Блес (Ок. 1510 — 1555?) - «Пейзаж со сценой бегства в Египет»

Художник Херри мет де Блес (Ок. 1510 — 1555?). «Пейзаж со сценой бегства в Египет». Дерево, масло. 33х59,5  Государственный Эрмитаж. Голландская школа

пятница, 18 июня 2010 г.

Клас Питерс Берхем (1620—1683) - «Похищение Европы»

Художник Клас Питерс Берхем (1620—1683). «Похищение Европы». Холст, масло. 219,5х270,5  Государственный Эрмитаж. Голландская школа
 
См. также:

Клас Берхем (1620—1683). «Итальянский пейзаж с мостиком»

Ян Корнелиус Верспронк (1597-1662) - «Портрет молодой женщины»

Художник Ян Корнелиус Верспронк (Ферспронк) (1597-1662) . «Портрет молодой женщины». 1644 г.  Голландская школа. Государственный Эрмитаж

Филипс Конинк (1619-1688) - «Пейзаж со строениями среди деревьев»

Художник Филипс Конинк (1619-1688) . «Пейзаж со строениями среди деревьев». Голландская школа. Государственный Эрмитаж

четверг, 17 июня 2010 г.

Эмануэль де Витте (1617-1692) - «В церкви», «Рынок в порту»

Художник Эмануэль де Витте (1617-1692) . «В церкви». Голландская школа. Из музеев ГДР
Художник Эмануэль де Витте (1617-1692) . «Рынок в порту». Голландская школа. Государственный музей изобразительных искусств имени А.С. Пушкина

Александр Теофиль Стейнлен (1859—1923) - «Рассыльная под дождём»

Художник Александр Теофиль Стейнлен (1859—1923), Французская школа «Рассыльная под дождём». Офорт. Дрезденская картинная галерея

См. также:

Александр Теофиль Стейнлен (1859—1923)

Морис Утрилло (1883-1955) - «Le Lapin Agile»

Художник Морис Утрилло (1883-1955),
Французская школа
«Le Lapin Agile».
Musee d`Art Moderne, Pariz
Format 50[61 cm
Erschlenen als Kunstblatt 41x50 cm
Reproduction autorisee S.P.A.D.M.
 
См. также:

Морис Утрилло (1883-1955) - «Улица Мон-Сени на Монмартре»

Мейндерт Гоббема (1638-1709) - «Аллея в Миддельхарнисе»

Художник Мейндерт Гоббема (1638-1709) . «Аллея в Миддельхарнисе». Голландская школа. Лондон. Национальная галерея

среда, 16 июня 2010 г.

Алессо Бальдовинетти (1439-1492) - «Портрет дамы в жёлтом»

Художник Алессо Бальдовинетти (1439-1492) . «Портрет дамы в жёлтом». Итальянская школа. Лондон. Национальная галерея

Доменико Венециано (около 1410—1461) - Алтарь св. Лючии

Художник Доменико Венециано (около 1410—1461).
Алтарь св. Лючии. Деталь фрески. 1444 г. 
Флоренция. Уффици
Итальянская школа

Профиль молодой женщины очерчен тонкой, гибкой линией. Благодаря моделировке легкими тенями, его словно обтекают воздух и свет. Все это сообщает образу лирическую чистоту и одухотворенность. Доменико Венециано сумел передать прозрачную воздушную среду, которая смягчает все контрасты света и теней. Нежная поэтичность образа Лючии создается благодаря удивительной гармонии светлых и чистых тонов: голубых, розовых, жемчужно-серых. Цветовые сочетания отличаются чарующей тонкостью и музыкальностью. Поэтический взгляд на мир, чуткость к его красочному богатству, присущие творчеству Венециано, характерны для всего искусства Раннего Возрождения.

Издательство «Советский художник»
А04725-64 г. 9-1760. 3. 80. Т. 50 000. Ц. 3 к. Экспериментальная типография ВНИИПП.

Андреа Мантенья (1431—1506) - «Поклонение волхвов»

Художник Андреа Мантенья (1431—1506), Итальянская школа. «Поклонение волхвов». Средняя часть триптих. Флоренция. Галерея Уффици

Сандро Боттичелли. (1444—1510) - "Портрет молодого человека"

Художник Сандро Боттичелли. (1444—1510), (Алессандро ди Мариано Филипени). Итальянская школа. "Портрет молодого человека". Париж. Лувр
 
См. также:

вторник, 15 июня 2010 г.

Франц Марк (1880-1916) - "Красный олень"

Художник Франц Марк (1880-1916), Немецкая школа. "Красный олень". Мюнхен. Баварская картинная галерея

Franz Marc (1880-1916)
Die roten Rehe

Bayerische Staatsgemaldesammlungen, Munchen
Mit genehmigung von F. Bruckmann, Munchen.
nur fur die DDR

Жан-Батист-Симеон Шарден (1699-1779) - Маленькая учительница

Художник Жан-Батист-Симеон Шарден (1699-1779).
Французская школа
Маленькая учительница 
Холст, масло.
Лондон. Национальная галерея

См. также:

Вильгельм Лейбл (1844-1900) - "Сбережённый грош"

Художник Вильгельм Лейбл (1844-1900), Немецкая школа. "Сбережённый грош". Мюнхен. Баварская картинная галерея

Wilhelm Leibl 

 Der Spargshen * Spare money * Eparner

См. также:

Вильгельм Лейбл (1844-1900) - "Девушки вязальщицы"

Симоне Мартини (1284—1344). «Несение креста»

Художник Симоне Мартини (1284—1344). «Несение креста».  Итальянская школа.  Париж. Лувр