четверг, 2 апреля 2009 г.

ЯН ВАН ЭЙК (около 1390—1441)

ЯН ВАН ЭЙК (около 1390—1441)
Нидерландская школа
Триптих. Центральная часть: Мария с младенцем в церкви.
Боковые створки: Архангел Михаил с донатором (левая) и св. Екатерина (правая) Дерево, масло. Центральная часть 33x27; боковые 33x13,6
Дрезденская картинная галерея
Ян ван Эйк работал при дворе бургундского герцога Филиппа Доброго. Гениальный мастер писал алтарные картины, складни для домашних молелен и портреты.
В отличие от итальянских художников, направлявших внимание прежде всего на постижение человека, нидерландский мастер стремится охватить мир во всем его многообразии. Нет такой детали, которая показалась бы ему незначительной. Его кисть, как волшебный жезл, преображает, делает тысячекратно прекраснее все, что он вводит в картину.
Трогательно-нежный образ Мадонны с младенцем в богатой темно-вишневой мантии доминирует в центральной части триптиха. Обильно украшен храм, где восседает Мадонна. Цветные красочные узоры пола, ковра, балдахина, пестрый мрамор колонн, резные капители, скульптуры, витражи звучат многоголосным хором во славу матери. На правой стороне изображена св. Екатерина, она углубилась в чтение книги. Сияет драгоценный венец на пышных волосах, меч и колесо святой — атрибуты мученичества. За окном открывается вид на замок и далекие холмы. Голубая одежда св. Екатерины соперничает чистотой и звучностью цвета с лазурью небес.
На левой стороне архангел Михаил, в сверкающих латах с радужными крыльями, как бы представляет Богоматери заказчика картины.
С поразительной виртуозностью передает мастер фактуру любого материала — меха, бархата, металла, блеск драгоценных камней. Мир не потерял еще для художника прелести новизны. С детской радостью он исследует все, что представляется взору.

ЯКОБ ВАН РЕЙСДАЛ (1628—1682) - «Еврейское кладбище»

ЯКОБ ВАН РЕЙСДАЛ (1628—1682)
Голландская школа
«Еврейское кладбище»
Холст, масло. 84x95
Дрезденская картинная галерея
Пейзаж занимает почетное место в искусстве Голландии XVII века. Выдающимся представителем этого жанра был Якоб ван Рейсдал. Величайшим завоеванием голландского живописца явилось реалистическое изображение мотивов родной природы. Рейсдал опередил свое время, обогатив пейзаж человеческими переживаниями и раздумьями. В его работах редко встречается столь милое сердцу голландца прославление мирной красоты природы. Напротив, жизнь с ее бурными конфликтами и неустроенностью вторгается в его полотна, сталкивается в вечной борьбе природных стихий.
Наиболее сложным и трагическим произведением Рейсдала является «Еврейское кладбище» — картина, исполненная философских размышлений о жизни и смерти, о месте человека в мире. Полотно написано в темных сине-зеленых тонах. При вспышке молнии зритель успевает заметить уголок заброшенного кладбища, развалины древнего храма, мраморные надгробия — свидетельства давно ушедшей человеческой жизни. Мрачные тучи закрывают горизонт. Неподвижность развалин оттеняет бурную жизнь природы. Стремительный поток — образ времени — шумит среди камней. Тень борется со светом и побеждает его. Краток век человека, тщетны его усилия в земной суете, но бесконечна жизнь природы. Это умозаключение художника не только результат субъективных переживаний, оно подсказано временем.
Творчество Рейсдала не нашло широкого признания современников. Он был забыт уже к концу жизни и умер в нищете. Только в XIX веке была по достоинству оценена его роль в развитии жанра пейзажа: Гете назвал Рейсдала «мыслителем и поэтом».

ВИЛЛЕМ КЛАС ГЕДА (1594 — около 1680) - «Завтрак с ежевичным пирогом»

ВИЛЛЕМ КЛАС ГЕДА (1594 — около 1680). Голландская школа. «Завтрак с ежевичным пирогом» (3автрак с черничным пирогом). 1631. Дерево, масло. 54x82 см .Дрезденская картинная галерея

Виллем Геда — признанный мастер натюрморта. «Завтрак с ежевичным пирогом» относится к числу его лучших работ. Замысел картины кажется простым: мы видим часть стола с предметами сервировки. На первый взгляд здесь нет ничего сочиненного. Художник стремится сохранить впечатление предельной естественности в композиции. У зрителя рождается ощущение незримого присутствия хозяина этого дома, этих вещей. Оно подсказано беспорядком на столе: скатерть смята, пирог надломлен, бокал и ваза опрокинуты.
Тщательно и любовно художник пишет предметы, стремясь передать красоту материала, формы и отделки. Все эти вещи сделаны рукой искусного мастера и украшают дом и быт его владельца.
Мягкие складки скатерти контрастируют с четкой формой бокалов, ваз, тарелок. Холодный блеск серебра соперничает с сиянием стекла. В то же время все предметы связаны друг с другом масштабом и формой. Гармония композиции определяется ритмом многократного повторения овалов. Изысканные серебристо-золотистые тона рождают цветовое единство, придают пространству воздушность и глубину.
Таким образом тема «тихой жизни», как называли голландцы натюрморты, перерастая рамки жанра, становится лирическим рассказом о красоте повседневной жизни человека.

В XVII веке в Голландии очень многие художники создавали натюрморты, причем в их среде существовала специализация: один изображал цветы, другой - посуду, третий - музыкальные инструменты. Виллем Класс Хеда писал однотипные натюрморты в течение нескольких десятилетий, по крайне мере они датируются как 1631 (представленный «3автрак с черничным пирогом»), так и 1651. 3а столь длительное время работы в одном жанре художники достигали впечатляющего совершенства в технике передачи фруктов, овощей, фактуры ткани, предметов из металла и стекла, воды в бокалах. Натюрморты с едой назывались «оntijtjеs» (с голландского - «завтрак»).
Спрос на подобные натюрморты был очень большой. В начале 1 БЗО-х Хеда стал писать их, используя довольно консервативные каноны своих современников - Флориса Клес ван Дейка и Николаеса Гиллиса. Он также располагает стол строго параллельно плоскости картины, то есть задней стене комнаты. Тем не менее определенное оживление в композицию своих натюрмортов художник внес. Так, белая скатерть у него закрывает не весь стол, а только часть. Тем самым он избегает монотонности фона.
Примечательно многолетнее пристрастие Хеда к одним и тем же предметам. Кубок, бокал, рюмка, дамасский клинок, карманные часы с открытой крышкой и поразительно точно выписанным механизмом (живописец использовал в работе тончайшие кисти) - все это воспроизведено с несомненной любовью.

среда, 1 апреля 2009 г.

ПИНТУРИККЬО (БЕРНАРДИНО ДИ БЕТТО БЬЯДЖО) (около 1454—1513) - «Портрет мальчика»

ПИНТУРИККЬО (БЕРНАРДИНО ДИ БЕТТО БЬЯДЖО) (около 1454—1513)
Итальянская школа
«Портрет мальчика»
Дерево, темпера. 50x55
Дрезденская картинная галерея
Бернардино ди Бетто Бьяджо (прозванный Пинтуриккьо) — художник умбрийской школы эпохи Возрождения. Особенно известен он как мастер монументально-декоративной росписи.
Росписи Пинтуриккьо многофигурны, праздничны, занимательны. Действующими лицами в них нередко являлись современники. Яркие краски, обилие жанровых подробностей, богатство и прихотливость орнаментальных мотивов снискали славу Пинтуриккьо среди знатных заказчиков и определили своеобразие его живописи в истории искусства раннего Возрождения.
Станковых работ у Линтуриккьо немного. «Портрет мальчика» был написан, вероятно, в 80-х годах XV века и принадлежит к числу лучших образцов портретной живописи этого периода.
Полуфигура мальчика четким силуэтом рисуется на фоне пейзажа. Художник все внимание сосредоточивает на лице портретируемого. Задумчиво и серьезно по-детски пухлое личико, внимателен взгляд ясных пытливых глаз.
Чистые строгие линии рисунка сообщают образу ребенка особую одухотворенность. Картина нарядна, красочна, но не пестра. Все цвета в ней взаимосвязаны и уравновешивают друг друга. Тихий лирический пейзаж с ажурными деревцами вторит настроению образа. Человек и природа юны и прекрасны, между ними царит гармоническое согласие.
Каждый художник эпохи Возрождения чувствовал себя первооткрывателем мира, в котором он жил, но который еще предстояло узнать и освоить. Отсюда свежесть впечатлений, полнота чувств, радость познания, утверждение ценности и неповторимости человеческой личности.

АНТУАН ВАТТО (1684—1721) - «Общество в парке»

АНТУАН ВАТТО (1684—1721)
Французская школа
«Общество в парке»
Холст, масло. 60x75
Дрезденская картинная галерея
Ватто родился в Валансьене в семье кровельщика. В 1702 году он приехал в Париж, где испытал все превратности судьбы начинающего художника.
Ватто чутко откликается на умонастроения эпохи. Скромному болезненному художнику было суждено совершить переворот во французском искусстве XVIII века. На смену парадной официальной живописи абсолютизма с ее излюбленными аллегориями приходят лирические картины Ватто, раскрывающие мир интимных чувств человека. Новое содержание меняет весь художественный строй живописи. Вместо огромных полотен, патетических сцен, пышных аксессуаров появляются небольшие холсты, жанровые сюжеты, требующие постепенного вживания в их сложный поэтический мир. Новый жанр получил название «галантные празднества».
К числу шедевров Ватто относится картина «Общество в парке». Группы дам и кавалеров расположились под сенью деревьев на ступенях каменной террасы. Музицирование, непринужденная болтовня и легкий флирт занимают это праздное общество. Все фигуры объединены попарно. Мимолетный взгляд, грациозное движение или жест дают понять характер взаимоотношений каждой пары. Беззаботные персонажи картины живут какой-то призрачной, ненастоящей жизнью. С несравненным мастерством написаны фигуры, остро схвачены малейшие оттенки движений и чувств героев.
Картины Ватто, стороннего наблюдателя чужого праздника и легкомыслия, пронизаны легкой иронией и грустью. Пейзаж созвучен общему эмоциональному строю картины. Пушистая листва деревьев тронута желтизной увядания. Сияют и переливаются тончайшими нюансами цвета шелковые одежды персонажей «Общества в парке». Трепетный мелкий мазок заставляет вибрировать поверхность картины. Красочная гамма настолько сложна и изысканна, что каждый кусочек полотна кажется драгоценным.

ТИЦИАН ВЕЧЕЛЛИО (1485 / 90—1576) - «Динарий кесаря»

ТИЦИАН ВЕЧЕЛЛИО (1485 / 90—1576)
Итальянская школа
«Динарий кесаря»
Около 1516 Дерево, масло. 75x56
Дрезденская картинная галерея
Тициан — величайший живописец Венеции Высокого и позднего Возрождения. Наряду с Леонардо, Рафаэлем и Микеланджело он наиболее полно выразил гуманистические идеи своего времени. Творчество Тициана прошло сложную эволюцию. В ранних произведениях он воспевает радость бытия, красоту человека и природы с почти языческим чувственным преклонением перед окружающей действительностью. Позднее, в период крушения идеалов Ренессанса в Италии, Тициан в мощных и величавых образах отразил трагические противоречия жизни.
Творческий диапазон художника необычайно широк: он автор огромных алтарных полотен, портретов, картин на мифологические темы. Произведения Тициана воплощают глубокую веру в красоту, достоинство и благородство человека. Ярким примером тому является картина «Динарий кесаря» — шедевр раннего периода творчества.
Сюжетом картины является евангельская легенда. Однажды фарисей спросил Христа, следует ли платить дань римскому цезарю. Христос ответил: «Воздайте богу богово, а кесарю кесарево». Эти слова позволили художнику выразить глубокую уверенность в победе истины, добра и красоты.
Фигура Христа занимает основную часть картины, как бы вытесняя фарисея за ее пределы. Лицо Христа озарено внутренним светом; его безупречно правильные черты отмечены мудростью, благородством, величавым достоинством. По сравнению с ним лицо фарисея — олицетворение низости, алчности, коварства. Столь же выразителен диалог рук.
Мощный красочный аккорд красно-синих одежд Христа поражает глубиной и звучностью цвета, рядом с ним меркнет белая рубашка фарисея. Этот поединок двух образов разрешается полным и безоговорочным торжеством человеческого благородства и мудрости.

ПИТЕР ПАУЛЬ РУБЕНС (1577—1640) - «Вирсавия»

ПИТЕР ПАУЛЬ РУБЕНС (1577—1640)
Фламандская школа.
«Вирсавия».
Около 1635 Дерево, масло. 175x126
Дрезденская картинная галерея
Питер Пауль Рубенс стоял во главе фламандской школы живописи. Слава Рубенса, как лучшего живописца Фландрии, разносторонне образованного человека, блистательного собеседника, удачливого дипломата, привлекала к нему многочисленных почитателей и заказчиков, среди которых были монархи крупнейших стран Европы.
Картина «Вирсавия» относится к последнему десятилетию жизни мастера, когда, удалившись от дел, он ограничивает круг заказов и пишет картины собственноручно. В этот период Рубенс написал свои лучшие произведения.
Сюжетом картины послужила библейская легенда о любви царя Давида к прекрасной Вир-савии. Этот сюжет использовали многие художники: он дает возможность различных решений — драматических и лирических. Рубенса не привлекают сюжетные коллизии легенды. Для него библейская тема служит скорее предлогом, позволяющим воспеть цветущую красоту женщины. Полуобнаженная Вирсавия сидит у бассейна. Служанка бережно расчесывает золотые пряди волос своей госпожи. Смуглая кожа служанки и черная — негритенка, принесшего записку царя Давида, подчеркивают жемчужный цвет тела красавицы. В образе Вирсавии Рубенс запечатлел национальный фламандский тип красоты, непременным условием которого были белокурые волосы и пышные формы. С несравненным мастерством написано тело Вирсавии, оно кажется живым и теплым от цветных рефлексов, падающих от красного покрывала, нежность кожи оттеняется мехом теплой шубки.
Картина написана свободными мазками, сияющими, горячими красками. Складки одежды и занавеса, падающие струи воды, изгибы арок дворца вторят движениям и очертаниям фигуры. Все художественные средства звучат в унисон, слагаются в торжественный праздничный гимн, прославляющий любовь, красоту, полнокровную радость бытия человека.

Хосе де Рибера (ок.1591-1652) - Св. Инесса и ангел, укрывающий её покрывалом

ХУСЕПЕ (ХОСЕ) ДИ РИБЕРА (1591—1652)
Испанская школа
Св. Инесса и ангел, укрывающий ее покрывалом. 1641
Холст, масло. 202x152
Дрезденская картинная галерея
Рибера — один из ведущих художников Испании XVII века. В его творчестве воплощены прогрессивные черты испанской культуры XVII века — гуманизм, демократизм, реалистическое мировосприятие, явившиеся величайшим завоеванием в борьбе против феодализма и церковной реакции.
Художественная манера Риберы складывается под сильным влиянием знаменитого итальянского живописца Караваджо. Вслед за ним Рибера ищет героев среди простого народа, использует сильные контрасты света и тени, добивается мощной пластической моделировки фигур. Мерилом красоты здесь становится нравственное совершенство человека.
«Св. Инесса», одна из лучших картин художника, была написана в период расцвета его творчества. Сюжетом послужила легенда о юной девушке-христианке, красота которой привлекла внимание знатного римлянина. Разгневанный отказом, он приказал бросить ее обнаженной на потеху толпе. Но совершилось чудо — внезапно выросшие длинные волосы скрыли наготу девушки, а с неба к ней спустился ангел с покрывалом. Рибера опускает многочисленные подробности легенды. Инесса изображена стоящей на коленях в мрачной темнице. Девушка обречена на смерть, но ничто не в силах сломить ее волю и преданность убеждениям. Беззащитность, хрупкость Инессы только подчеркивают душевную стойкость и мужество. Прелестное лицо девушки исполнено такого очарования, что по праву входит в галерею самых прекрасных и возвышенных женских образов в истории мировой живописи. Считают, что художник изобразил одну из своих дочерей. Колорит картины выдержан в золотисто-коричневатых тонах. Огромную роль играет свет: он озаряет лицо, золотит каштановые волосы, создает ощущение глубины и пространства.