Показаны сообщения с ярлыком Сезанн. Показать все сообщения
Показаны сообщения с ярлыком Сезанн. Показать все сообщения

четверг, 14 августа 2008 г.

Картины из собрания ньюйоркского музея Метрополитен - продолжение

ФРАНЦИСКО ХОСЕ ДЕ ГОЙЯ-И-ЛУСЕЕНТЕС (1746-1828). "Бой быков". Холст, масло. 94,4х126,3. Музей Метрополитен.

ПАБЛО ПИКАССО (1881 —1973). Испанская школа. «Женщина в белом». Холст, масло. 99,1x80 Нью-Йорк. Музей Метрополитен

Великий художник двадцатого столетия Пабло Пикассо прошел большой творческий путь. Его первым наставником в искусстве был отец, учитель рисования и мастер декоративных росписей. Пикассо начал рисовать рано, в четырнадцать лет, безупречно владея приемами академического рисунка, он блестяще выдержал экзамен в барселонскую Школу изящных искусств, но скоро покинул ее, пресытившись рисованием с гипсов. Так же быстро он расстался и с мадридской Академией художеств. В 1900 году Пикассо приезжает в Париж. Здесь окреп его талант, сложился его собственный стиль. После знакомства с импрессионистами и попыткой писать картины во французском духе, Пикассо обращается к испанской художественной традиции, к искусству испанских классиков — Эль Греко, Веласкеса, Гойи. В живописных произведениях Пикассо часто варьируется тема гордой нищеты и возвышенного убожества, гротеск сочетается с сарказмом. Реализм его жесток и вместе с тем полон любви к людям. В основе художественного решения его картин лежит принцип созданного воображением образа. Однако художник исходит из реальной сущности людей и предметов, метафорически воплощая их сущность. Полотно «Женщина в белом» написано в середине 1910-х годов, когда после длительного увлечения кубизмом художник вновь обращается к фигуративной живописи. Путешествуя по Италии, Пикассо открывает для себя античность, ее гармонию и совершенство. В этой картине Пикассо изобразил свою жену, русскую балерину Ольгу Хохлову, в поэтическом облике древней гречанки, стремясь выразить в этом портрете дух античной гармонии, ясности и спокойствия

Джошуа Рейнольдс (1723-1792).Английская школа. «Портрет полковника Д. Каусмейкера».Метрополитэн-музей. Нью-Йорк
Джошуа Рейнольдс—ведущий английский портретист второй половины XVIII века — был первым президентом Лондонской Академии художеств, основанной в 1768 году. Произведения Рейнольдса составляют целую галерею представителей английского общества того времени. В традиции официального парадного портрета, сложившиеся еще в XVII веке под влиянием творчества А Ван Дейка, Рейнольде вносит новые черты в понимание человека. Его интересует уже не столько социальное место человека в обществе, пафос утверждения его социальной значимости, сколько личные качества и достоинства. Следуя принципам по­строения парадного портрета, он изображает молодого полковника Каусмейкера в полный рост, подчеркивая тем официальный характер портрета. И в то же время все в картине обнаруживает живость и естественность: свободная, непринужденная поза юноши, жест его руки, склоняющаяся к его ногам лошадь, лижущая его сапоги, кряжистое дерево с пушистой кроной. Юноша показан как бы в минуту отдыха после быстрой езды. Он располагает к себе своей молодостью, энергией, чувством независимости и достоинства, открытым ясным взглядом, душевной мягкостью. В портрете несомненно ощущаются черты романтической трактовки образа, которые получат развитие в следующем столетии.
Эль Греко (Доменико Теотокопули) (1541—1614). Испанская школа. «Вид Толедо в грозу».Холст, масло. 1605—1610 гг.Нью-Йорк, Метрополитэн-музей
Пейзаж Эль Греко «Вид Толедо в грозу» — одно из интереснейших художественных явлений не только в его творчестве, но и в развитии пейзажной живописи. История искусств знает много примеров фантастических, «сочиненных» изображений природы, но нет ни одного, который мог бы сравниться с работой Эль Греко по сложной преломленности действительного мира в иррационально-космический образ. Любимый город художника представлен им не как явь, а как иллюзорное видение, как тревожное и волнующее воспоминание. Толедо затерян среди грозных стихий, он призрачен и беспомощен, безлюден и хрупок. Художник обобщает все формы, лишает материальности горы, растения, дома, яркими и неровными вспышками света сообщая природе драматический характер. Он воплощает этими средствами мысль о неустойчивости, временности всего существующего, о неистовых и всевластных стихиях, господствующих в мире. И вместе с тем, нас покоряет страстность его чувств, их слитность с бушующей грозовой природой. Впервые с такой силой субъективное сопереживание художника подчиняет себе зрительный образ мира, деформируя его ради эмоциональной выразительности картины. И действительно, нас захватывает не реальность увиденных молний, бегущих облаков и стремительных порывов ветра, а реальность восприятия художником грозы, ужас, страх и восторг, ею внушаемые, отражением которых и стал этот странный искаженный облик земли, существующий какие-то несколько мгновений.
.
ДЖОН КОНСТЕБЛ (1776—1837). Английская школа «Собор в Солсбери». Холст, масло. 88Х 111,8. Нью-Йорк. Музей Метрополитен
Один из крупнейших мастеров западноевропейской живописи выдающийся английский художник Констебл утверждал в своем творчестве поэзию реальной природы. Свободной живописной манерой, чистотой тонов, разнообразием оттенков он умел передавать сияние солнечного света и воздушность атмосферы, сочную зелень травы и прохладу, исходящую от тенистого дерева, влажность росы и набухшие каплями дождя облака, полдневный зной и мягкий предзакатный свет, покрывающий розовой дымкой стены готического собора. Творчество Констебла было сродни поэзии его современников Роберта Бернса и Джона Китса. Условным схемам академического искусства он противопоставил непосредственность чувства, яркого поэтического восприятия природы. Одним из первых в европейской живописи он стал работать с натуры: его этюды написаны густыми, пастозными мазками, звучными яркими красками. Творчество Констебла было принято в Англии критиками враждебно, они продолжали порицать художника и после его смерти. Однако во Франции картины Констебла воспринимались восторженно великими художниками-романтиками Жерико и Делакруа. Более позднее поколение французских мастеров реалистического пейзажа Руссо, Дюпре, Коро испытали влияние Констебла.
Мотив готического собора в Солсбери, расположенного на равнине, окруженной вековыми деревьями, много раз был запечатлен художником. Полотно из Музея Метрополитен метафорично передает контраст строгих и легких архитектурных форм, созданных человеком, и воздушность природы, сияние солнечного дня, пронизывающего кружевную резьбу камня, и прохладу тенистой аллеи
Эль Греко (Доменико Теотокопули) (1541-1614).Испанская школа. «Портрет кардинала Ниньо да Гевара». Холст, масло. 1596 г. Нью-Йорк. Метрополитэн-музей
Крупнейший испанский художник XVI века Доменико Теотокопули, по происхождению грек с острова Крита, учился в Италии в мастерской Тициана, испытал также большое влияние искусства Тинторетто, около 1576 года переехал в Испанию, где прожил до конца жизни. Обосновавшись в Толедо, старинном испанском городе, он сблизился с группой толедской интеллигенции и аристократии, чья утонченная духовная культура и мистические настроения оказались родственными в известной степени тем византийским традициям, в которых он вырос на родине.
Портреты Эль Греко составляют одну из самых сильных сторон его дарования. Однако напрасно было бы искать в них той глубины и разносторонности раскрытия характера, того самоутверждения человеческой индивидуальности, которые мы встречаем в портретах художников Возрождения. Трагическая обособленность личности, ее духовно-мистическая озаренность, противопоставленная мирским радостям бытия, составляет их подтекст.Портрет Ниньо да Гевара, кардинала и в будущем великого инквизитора, великолепен остротой характеристики психологического строя модели. Пурпурный цвет кардинальского облачения обладает огромной силой эмоционального внушения. Он подчеркивает значение и содержание образа кардинала, человека большой внутренней силы, но постоянно подавляющего свои страсти и слабости, нетерпимого к себе и другим. Выпрямившись в кресле, как натянутая струна, он как бы всегда находится в этом состоянии напряжения и духовной активности, таящей в себе жестокое неприятие и осуждение всего, что не отвечает его идеалу аскета.
ЖАН-БАТИСТ СИМЕОН ШАРДЕН (1699—1779). Французская школа. «Мыльные пузыри». Холст, масло. 61Х64 Нью-Йорк. Музей Метрополитен
Непревзойденный колорист, великий мастер натюрморта и бытового жанра, Шарден внес в искусство Франции XVIII века совершенно особый мир, связанный духовно с жизнью третьего сословия, из которого вышел и сам художник. Аристократическому искусству рококо с его изяществом, легкостью и жеманством он противопоставил искусство, полное любви к быту простых людей, основанное на изучении натуры. Сотни раз он наблюдал в своем доме сценки мирной жизни вокруг семейного очага, полные тихой радости, овеянные духом святости неторопливой домашней работы. Художник создал образы удивительной чистоты, он воспел поэзию материнской нежности, нравственный смысл воспитания в кругу семьи, красоту размеренных и неторопливых движений женщин, занятых домашним трудом: прачек, кухарок, воспитательниц. Особенно привлекательны детские образы Шардена. Художник удивительно тонко чувствовал непосредственность и очарование малышей, окруженных заботами матери, наставляющей и воспитывающей их. В образах домашних тружениц Шарден открыл особую мудрость, чувство долга, доброту и душевное благородство, соединяющие семью. Мотив картины Музея Метрополитен неоднократно привлекал художника. В играх и развлечениях окружавшие Шардена люди были так же просты и непритязательны, как и в быту. Излюбленным занятием детей прачек было пускание мыльных пузырей. Название картины, которым живописец сопроводил ее, посылая на выставку в Салон, гласило: «Суетные развлечения молодого человека, пускающего мыльные пузыри». Это была дань духу нравоучительности, присущему академическому искусству.
ЯН ВЕРМЕЕР ДЕЛЬФТСКИЙ (1632-1675). "Женщина у окна". Метрополитен Музеум, Нью-Йорк








Другие картины из музея Метрополитен:

Картины из собрания ньюйоркского музея Метрополитен