Показаны сообщения с ярлыком Галерея Боргезе. Показать все сообщения
Показаны сообщения с ярлыком Галерея Боргезе. Показать все сообщения

воскресенье, 9 июля 2017 г.

Рафаэль – «Дама с единорогом»

Рафаэль. Дама с Единорогом. Исполнено в 1505-1506 гг. Холст, масло, перенесено на доску. 67,7 х 53,2 см. Галерея Боргезе, Рим, в коллекции с 1682 г.
Из альманаха «Великие музеи мира» №6 «Галерея Боргезе. Рим»:
Портрет молодой женщины стал главным героем захватывающей историко-критической интриги. Уже находясь в плохом состоянии в 1682 году, когда он упоминается в описи Альдобрандини, в конце VII века он варварски переписывается. С добавлением мантии и атрибутов мученичества юная аристократка превращается в святую Екатерину. В «Фидсикомиссе» 1833 года полотно упомянуто в качестве «портрета, изображающего святую Екатерину с колесом, школы Перуджино». Тем не менее, Роберто Лонги в 1927 году выдвигает предположение, что под этой маскировкой может скрываться оригинал Рафаэля. Подобные теории возникают на основе рисунка Рафаэля, сохранившегося в Лувре и связываемого Лионелло Вентури с этой картиной. Тезис Лонги был, таким образом, подтвержден рентгеновскими исследованиями, которые в 1932 году открыли путь к восстановлению оригинала. Плохая сохранность не позволила восстановить живопись в глубину, особенно это касается лица, где сохраняется слой краски, придающий ему «кукольность». Сидя в лоджии, выходящей на просторный холмистый пейзаж, молодая дама держит на коленях единорога – символ целомудрия, и обращает взгляд на нас, с выражением таинственной двусмысленности. В ряду великих портретов, созданных во время нахождения во Флоренции, это полотно свидетельствует о глубоких размышлениях художника над образцами Леонардо, в частности, над «Джокондой». Хотя рисунок из Лувра, единодушно рассматриваемый как подготовительный к этой картине, буквально воспроизводит композиционную схему «Джоконды», интерес Рафаэля отличен от идеализма Леонардо и его мистического восприятия природы.
Фантастическое существо восточного происхождения, с конским телом, козлиной бородой и львиным хвостом, символизирует непорочность. Красочная поверхность изображения животного местами облупилась, и в проплешинах можно разглядеть лапы первоначально написанной собачки, чье присутствие было обнаружено рентгеновским методом во время второй реставрации в 1959 году.
Франческа Кастриа Маркетти .

воскресенье, 21 мая 2017 г.

Рафаэль - «Мужской портрет»

Рафаэль. Мужской портрет. Исполнен около 1502 года. Доска, масло. 46 х 31 см. Галерея Боргезе. Рим. В коллекции с 1700 года
Из альманаха «Великие музеи мира» №6 «Галерея Боргезе. Рим»:
Происхождение картины неизвестно. Предполагают, что она происходит из наследства Альдобрандини. Первые сведения относятся к описи 1700 года, где портрет обозначен как творение Рафаэля. Приписываемый в XIX веке Гольбейну, а затем Перуджино, только после реставрации 1911 года, снявшей ошибочные дописки, сделанные в неустановленное время (меховой воротник и более крупный берет), картине с полной уверенностью вернули авторство Рафаэля и датировали ее 1502 годом. Отнесенность к раннему периоду творчества художника объясняет нордический компонент картины, возникший из сильного влияния фламандской портретной живописи на юного Рафаэля. Что касается изображаемого персонажа, то это мужчина зрелых лет. Критики выдвигали различные гипотезы, но не смогли прийти к единому мнению: если поначалу колебались между Перуджино и Пинтуриккьо, то в XX веке были предложены имена Франческо делла Ровере и Серафино Аквилано.
Франческа Кастриа Маркетти
Фронтальное расположение подчеркивает достоинство фигуры, чей косой взгляд направлен в точку, находящуюся за пределами картины, а не на зрителя. Оба этих элемента обычны для первоначальных портретов.

СМ. ТАКЖЕ: 


Рафаэль Санти (1483-1520)



воскресенье, 16 апреля 2017 г.

Рафаэль - «Снятие с креста»

Рафаэль. Снятие с креста. Исполнено в 1507 г.  Холст, масло, 184 х 176 см. Галерея Боргезе, Рим. В коллекции с 1608 г., дар папы Павла V
Из альманаха «Великие музеи мира» №6 «Галерея Боргезе. Рим»:
Это полотно для капеллы Бальони в церкви Сан-Франческо в Перудже было заказано Аталантой Бальони в память о ее сыне Грифоне, убитом в июле 1500 года.
В ночь на 19 марта 1608 года картина была похищена, спущена монахами со стен и подобрана папскими посланцами для передачи в дар папой Павлом V своему племяннику, кардиналу Сципиону Боргезе. Событие вызвало возмущение не только среди наследников Аталанты Бальони, но и во всем городе Перудже, успокоенное папским двором путем трудных переговоров.
В свою очередь, кардинал, чтобы заполнить пустоту, оставленную оригиналом, заказывает копию полотна, в настоящее время утраченную, художнику Ланфранко, и еще одну делает Кавалер дАрпино. Недавно отреставрированное и помещенное в специально выделенном пространстве в зале IX, «Снятие с креста» вновь обрело свежесть и яркие цветовые оттенки Рафаэля. С бледным телом Христа контрастируют переливчатые одежды других персонажей, выполненные в красных, синих и зеленых тонах. Если общая композиционная схема повторяет и развивает композицию «Оплакивания Христа» Перуджино (Флоренция, Палаццо Питти), динамика фигур явственно отсылает к Микеланджело. Мертвый Христос восходит к «Пьете» (Ватикан, собор св. Петра), а фигура женщины, сидящей на полу и поддерживающей лишившуюся чувств Богородицу, имеет характерный для Микеланджело разворот.
Франческа Кастриа Маркетти

Детали:
Между кулисами холмов открывается обширный пейзаж с редкими тонкоствольными кустами - дань учителю Перуджино. 
 На этом фоне недавняя реставрация позволила идентифицировать замок Антоньолла, принадлежавший семье Бальони, стоящий у дороги, ведущей из Перуджи в Умбертиде.

В образе молодого юноши, стоящего спиной и поддерживающего ноги Христа, критики видят изображение юного Грифоне Бальони, приводя в подтверждение реалистичность его лица с развевающимися на ветру волосами по сравнению с абстрактностью, характерной для других фигур, каждая из которых на свой лад выражает благочестие.

На переднем плане натуралистические детали, переданные с фламандской внимательностью. Цветочки «львиного зева» являются символом непрерывности жизни.

вторник, 19 марта 2013 г.

Джованни Ланфранко (1582-1647)

Джованни Ланфранко (1582-1647). Святую Агату посещают в тюрьме святой Петр и ангел. Исполнено около 1613 - 1614 гг. Холст, масло; 100х132,6 см. Национальная галерея. Парма
Из журнала "Великие музеи мира" №28, "Национальная галерея. Парма":
Главное действующее лицо картины - святая Агата, молодая сицилианка из знатной и богатой семьи, жившая в первой половине Ш-го века, которая дала обет вечного девства и стала мученицей во время гонений Деция. Среди многих эпизодов ее жизни, проиллюстрированных в живописи, Ланфранко выбирает один - самый суровый: когда после пыток, которым ее подверг Квинтиниан, - отсечения грудей, ее отвели обратно в тюрьму, ночью, в сопровождении ангела, освещающего дорогу факелом, ей является св. Петр, который дрожащими руками накладывает на кровоточащие раны чудодейственную мазь, излечивая и восстанавливая прекрасные формы. В этой композиции Ланфранко предлагает не только необычный для себя сюжет, но и новый стиль, характеризующийся лаконичным и трогательным повествовательным языком, где классическая утонченность, идущая от Карраччи, соединяется с точным подбором световых эффектов, воспринятым от Караваджо. Это подтверждается необыкновенным владением внутренним пространством, тусклый свет распространяется по диагонали, высвечивая грудь святой, воспитанной в полном приятии мученической смерти. Самое поразительное в этой работе пармского художника то, как ему удалось уловить и передать с необыкновенной естественностью тот дух «живописи любви», той особой «гуманизации» священного повествования, которые Корреджо оставил в наследство художникам эпохи барокко.
Джованни Ланфранко (1582-1647). Похороны римского императора

Джованни Ланфранко (1582-1647). Руджеро и Анжелика. Исполнено в 1616 г. Холст, масло 92x130 см. Национальная галерея Марке. Урбино
Из журнала "Великие музеи мира" №17, "Национальная галерея Марке. Урбино":
Сцена изображает эпизод драмы «Неистовый Орландо» (Неистовый Роланд) Ариосто (в конце десятой и начале одиннадцатой песни), когда воин помогает Анжелике спуститься с гиппогрифа, на котором они улетели, после того, как Руджеро освободил девушку, убив Орку (светский сюжет, редко изображаемый в XVII веке). Когда предъявленная публике Шлейером картина появилась на рынке римских древностей в 1964 году, тем же ученым была идентифицирована ранняя работа Ланфранко, выполненная под влиянием обучения у Аннибале Карраччи в Риме, куда художник прибыл после смерти Агостино Карраччи. Композиция развивается по диагонали, с двумя главными героями на переднем плане слева, откуда начинается пейзаж, простирающийся в глубину сцены и занимающий всю правую часть полотна, являясь вариацией произведений Эльсхаймера и Аннибале Карраччи. С его искусством связана концепция пейзажа, а также морфология и колорит, даже если внимательное изучение работы отсылает нас, в то же время, к ноткам легкости и нежности живописи Корреджо, звучащим в мягко и ласково вылепленных телах персонажей, отличающих Ланфранко от жесткой и строгой классики последних работ Аннибале.
Красивым и очень современным выглядит фрагмент лесистого пейзажа, с одиноким голым стволом дерева, за которым, позади холмов и бурой листвы, виднеется кусочек моря.
Джованни Ланфранко (1582-1647). Норандин и Люцина, обнаруженные людоедом. Исполнено около 1624 г. Холст, масло 267 х 397 см. Галерея Боргезе. Рим
Из журнала "Великие музеи мира" №6, "Галерея Боргезе. Рим":
Большое полотно, числящееся в собрании начиная с «Описи» 1693 года, происходит с виллы семьи Боргезе во Фраскати. Джованни Пьетро Беллори в «Жизнеописаниях живописцев» сообщает, что «для кардинала Сципиона Боргезе Ланфранко написал большую картину маслом, для виллы во Фраскати, Полифема, или людоеда у входа в пещеру, схватившего девушку, одетую в шкуру, которая поворачивается к нему со страхом, тогда как остальные разбегаются». Сюжет, идентифицированный в конце XVIII века Вази, в действительности является историей Норандина и Люцины, взятой из одной песни «Неистового Роланда» Лудовико Ариосто. Норандин, король Дамаска, пустившись в путь с женой своей Люциной, терпит бедствие у острова людоеда. Ланфранко изображает решающий момент, когда, в попытке сбежать из пещеры людоеда, спрятавшись среди овец, Люцина была обнаружена. Картина подтверждает отношения уважения и дружбы, связывающие Сципиона с Ланфранко, который летом того же года готовил «Совет богов» для большой лоджии в западной части Виллы Боргезе. Масштабное произведение на светский сюжет, украсившее лоджию, вызвало широкий резонанс в римском обществе, из-за чего Ланфранко оказывается в фаворе у римских семей.
О деталях картины:
Классический пейзаж передан с цветовой плотностью, далекой от тонкой вуали Доменикино. Теплый и мягкий свет накладывается на цвет, создавая золотые отблески, восходящие к Корреджо.
Норандин, убегая, оборачивается назад и видит, что его спутница обнаружена людоедом. Он делает легкий разворот туловища, ясно указывающий на традицию Микеланджело.
Завернувшись в шкуру, Люцина выползает из пещеры, пытаясь затеряться среди овец. Однако ее все же обнаружил людоед, могучая фигура которого доминирует в композиции.
Кастрина Маркетти

вторник, 26 февраля 2013 г.

Работы Антонио Аллегри, прозванного Корреджо (ок.1489-1534) - продолжение

Антонио Аллегри, прозванный Корреджо. Юпитер и Ио Написано около 1531 г. Холст, масло; 163,5 х 74 см. Музей истории искусств. Вена
Из журнала "Великие музеи мира" №19 "Музей истории искусств. Вена":
Полотно входит в группу произведений, выполненных Корреджо для герцога Мантуанского Федериго Гонзага, который заказал их в качестве подарка императору Карлу V. Речь идет о знаменитой серии, посвященной любовным историям Юпитера, из которых были закончены только «Антиопа», «Похищение Ганимеда» (также в Вене), «Юпитер и Ио», «Даная и Леда». Автор изображает здесь прекрасную нимфу Ио в чувственных объятиях целующего ее Юпитера, который превратился в тучу, чтобы скрыть от Юноны свою неверность. Между 1526 и 1530 годами Корреджо было поручено украсить купол собора Пармы, где он написал поразительное «Успение», изобразив потрясающий водоворот фигур, окутанных пушистыми облаками, уносящими всю композицию за пределы времени и пространства. При помощи виртуозной техники мастер пытается увлечь зрителя внутрь живописного пространства. Внимательно изучая школу Леонардо и предвосхищая будущие решения Бернини, Корреджо создает композицию, в которой смелый разворот плечей нимфы сочетается с мягкой атмосферой текстуры красок и сфумато.
Овидий в «Метаморфозах» берет за отправную точку первобытный Хаос космоса, чтобы рассказать мифы и легенды о звездах, родниках, камнях, растениях и животных, преображающихся в высшую реальность - человека. Здесь же, наоборот, бог превращается ради любви в низшую по отношению к человеку сущность - тучу.
Облака, которые скрывают теплые объятия Юпитера, кажутся почти осязаемыми, что делает ощутимой чувственность встречи. Бог появляется в форме серого облака, описанного с большой тщательностью. Он относится с почтением к робости молодой нимфы, погруженной в золотой свет.
Перспективному иллюзионизму мантеньевских моделей Корреджо предпочитает свободу текучей композиции, где свет рисует белые драпировки, а цветовая палитра светлеет, чтобы придать рельефность нежному телу нимфы и вдохнуть в него жизнь.
Сильвия Боргезе
ANTONIO ALLEGRI, CALLED CORREGGIO. MADONNA AND CHILD WITH THE INFANT SAINT JOHN THE BAPTIST. Oil on panel. 45 x 35.5 cm - Антонио Аллегри, прозванный Корреджо. Мадонна с младенцем и младенцем Иоанном Крестителем. Дерево, масло. 45 х 35,5 см

Антонио Аллегри, прозванный Корреджо. Портрет дамы. Написан около 1519 г. Холст, масло 103 х 87,5 см . Санкт-Петербург. Государственный Эрмитаж
Из журнала "Великие музеи мира" №3 "Эрмитаж. Санкт-Петербург":
Из немногих дошедших до нас портретов кисти Корреджо этот, безусловно, один из самых очаровательных, благодаря сдержанному достоинству и загадочности героини. Она сидит под лавровым деревом в одеждах, символизирующих траур. Полумонашеский франсисканский капюшон виднеется из-под чаши на ее коленях. Плющ, обвивающий ствол дерева, символизирует вечность. Вдоль ободка чаши - надпись, говорящая о напитке, позволяющем забыть боль. На основании этих признаков можно утверждать, что портрет написан со знаменитой в те годы поэтессы Вероники, с 1518 года вдовы Джильберто Гамбара, которому принадлежал городок Корреджо. Этот портрет можно считать посвящением представительнице литературных кругов того времени, когда женщины могли играть отнюдь не второстепенную роль. Слева, на стволе дерева виднеется подпись «Антон. Лаэт». Это настоящее имя Корреджо, недавно вернувшегося из Рима, где он был глубоко потрясен работами Рафаэля и Себастьяна дель Пьомбо.
По краю чаши выгравированы три надписи, из которых можно прочесть только одну, по-гречески, цитирующую - Одиссею» и повествующую о Елене, добавляющей в вино некое снадобье, обладающее успокоительными и болеутоляющими свойствами.
Александра Фреголент
Антонио Аллегри, прозванный Корреджо. Цыганская Мадонна. Написано около 1515-1516 гг. Дерево, масло 46,5 х 37,5 см Неаполь. Национальный музей Каподимонте
Из журнала "Великие музеи мира" №14 "Неаполь. Национальный музей Каподиммонте":
Среди первых картин, приобретенных в коллекцию Фарнезе, эта Мадонна с Младенцем (сюжетом, на самом деле, является бегство в Египет без святого Иосифа) уже состоит в инвентарной описи гардероба Рануччо Фарнезе в 1587 году под названием «Мадонна в одежде цыганки». Несмотря на плохое состояние картины, «Цыганская Мадонна» остается одним из шедевров молодого Корреджо и датируется приблизительно 1515-1516 годами. Здесь заметны аналогии с картинами тех лет, отмеченными холодным колоритом, тонкими мазками и четкими очертаниями форм, еще далеких от знаменитого «сфумато» его зрелого периода. Более скрупулезная критика выявила связь с «Мадонной с Младенцем» из Музея истории искусств в Вене и двумя лондонскими работами: «Пъета» из галереи Института искусства Курто и «Прощание Христа» из Национальной галереи.
«Цыганская Мадонна» является современницей другой картины Корреджо, хранящейся в Каподимонте, работы «Святой Антоний Аббат». Эти произведения доказывают внимательный интерес молодого пармского художника к современной ему феррарской живописи Досо Досси, Мазолино и Гарофало. Абсолютно личной является глубокая нежность, чем этой маленькой картине удается наполнить душу зрителя, несмотря на повреждения, причиненные временем.
Особенное значение приобретает естественное положение руки матери, которая, засыпая, все же продолжает оберегать ребенка. Рука замыкает полукруг - от склонившейся головы до самой руки, окутывающий Младенца ореолом нежной защиты.
Маттия Гаэта
Корреджо (Антонио Аллегри). Даная. Написано в 1531 г. Холст, масло, 161 х 193 см. Рим. Галерея Боргезе
Из журнала "Великие музеи мира" №6 "Рим. Галерея Боргезе"
Картина входит в цикл «Любовные похождения Юпитера», среди которых - «Даная», «Ио», «Ганимед» и «Леда». Серия из четырех картин была заказана Корреджо Фридрихом II Гонзаго в дар Карлу V по случаю его коронации в Болонье в 1530 году. Не будучи законченной к моменту церемонии, серия была разделена: «Ганимед» и«Ио» находятся в Музее истории искусств в Вене, а «Леда» - в Государственном музее Берлина. «Даная», приобретенная Рудольфом II, перешла к Кристине Шведской, которая привезла полотно в Рим. После различных перипетий картина была приобретена в Париже в 1827 году князем Камилло Боргезе. Созданный в тот же период, что и роспись куполов церкви Сан-Джованни-Эванджелиста и Пармского собора, цикл «Любовных похождений» использует те же технические приемы вовлечения зрителя в живописное пространство: фигуры появляются на переднем плане, а затем быстро скрываются по направлению внутрь.
В первом издании «Жизнеописаний» Вазари помещает Корреджо среди инициаторов «Третьего возраста», отмечая его как «первого, кто в Ломбардии начал делать вещи в новой манере». Живопись Корреджо, эмоционально заряженная, живая и чувственная, выступает в качестве третьего пути между венецианским красочным хроматизмом и римским маньеризмом. Мягкая, расплывчатая атмосфера, изменчивые цвета, соблазнительные формы - это мотивы, берущие свое начало в теории чувств Леонардо. Движения тела вызывают движения ума, поэтому красота показана не в статике, а в движении, не в равновесии и симметрии, а в нежности улыбки и очаровании светового блика на волосах.
В женщине, написанной Корреджо, сливаются духовность и природа. Лицо Данаи выражает ту нежную естественность, ту сладкую чувственность, ту грацию, за которые Вазари хвалит художника в первом издании «Жизнеописаний».
Даная и купидон приподнимают простыню, собирая в нее золотой дождь, в который превратился Юпитер, чтобы соединиться с царевной, запертой в башне за бронзовой дверью. От союза Данаи, дочери аргосского царя Акри-сия, и Юпитера родится Персей.
На переднем плане два амура, земной и небесный, проверяют на пробном камне наконечник стрелы. Вместе с купидоном-подростком, два амурчика восходят к «Леде», где, бросив колчан у подножия дерева, они забавляются, трубя в рожки. 
 Франческа Кастрина Маркетти
Корреджо (Антонио Аллегри) - Noli me tangere (He прикасайся ко мне). Написано около 1522-1525 гг. Дерево, масло, перенесенное на холст 130x103 см Музей Прадо. Мадрид
Из журнала "Великие музеи мира" №1 "Прадо. Мадрид":
Картина, упоминаемая Вазари в доме Эрколани в Болонье, всегда вызывала восхищение как один из ранних шедевров художника. Она была написана в те годы, когда Корреджо был занят строительством церкви Св. Иоанна Евангелиста в Парме. На холсте (название по-латыни буквально значит «Не прикасайся ко мне») изображено первое чудесное явление воскресшего Христа Марии Магдалине, которая, приняв его вначале за садовника, в момент узнавания опускается на землю в сильном волнении. Возможно, поездка в Рим открыла молодому Корреджо новые горизонты, прежде всего, благодаря урокам Леонардо и Рафаеля, о чем свидетельствует на картине погружение обоих персонажей в трепещущую атмосферу лесного пейзажа, а также примененная художником диагональная композиция.
Напряженная игра взглядов подчеркнута холодной хроматической гаммой желтых, синих и зеленых тонов, согретых светом зари, изменяющей цвет неба на голубой.
Неосязаемая легкость волос, перевитых вуалью, в свете первых отблесков зари. Мягкость складок рукава. Естественность и достоверность свойственны кисти Корреджо. Все это делает его картины близкими и понятными в оптическом восприятии.
Даниэла Тарабра
Корреджо (Антонио Аллегри) - La Virgen, el Niño y San Juan (Мадонна с младенцем и Святой Иоанн). Музей Прадо. Мадрид
Другие картины итальянского художника, выложенные в этом блоге можно увидеть ЗДЕСЬ

четверг, 1 июля 2010 г.

ДЖОВАННИ ДЖИРОЛАМО САВОЛЬДО (1480/85—1548) - «Товий и ангел»

Художник ДЖОВАННИ ДЖИРОЛАМО САВОЛЬДО (1480/85—1548) - «Товий и ангел» Холст, масло. 96 X126. Галерея Боргезе. Рим. Итальянская школа

Джованни Савольдо родился в Брешии. Он работал в основном в городах Северной Италии и, по-видимому, умер в Венеции. Есть предположение, что, работая в Милане, он имел возможность познакомиться с произведениями Леонардо да Винчи.

Савольдо относится к наиболее выдающимся и самобытным художникам террафермы — материковой части суши, подвластной Венеции. Большое влияние на его творчество оказало искусство Северной Италии, полное интереса к простому человеку. Однако если художников террафермы привлекают занимательные детали, то Савольдо интересует более всего образ человека. Будучи последователем Джорджоне, Савольдо воспринял от него черты романтизма, придающие жанровым сценам особую одухотворенность.

В стремлении к показу людей из народа творчество Савольдо предвосхищает искусство XVII века, и его влияние на формирование творчества Караваджо несомненно.

Картина «Товий и ангел» написана на библейский сюжет. Изображен момент, когда Товий по указанию ангела ловит рыбу, желчью которой должен излечить слепого отца. Полны поэзии образы Товия и ангела. Этому немало способствует прекрасный пейзаж, залитый лунным светом. Такое лунное освещение, часто встречающееся в полотнах Савольдо, было большой редкостью в живописи того времени. Его холодная серебристая палитра не имеет ничего общего с венецианским колоритом.

© «Изобразительное искусство». Москва. 1988
9-2075. 119 000. 946. 5 к.

ОТПРАВЛЯТЬ ПО ПОЧТЕ ТОЛЬКО В КОНВЕРТЕ

среда, 30 июня 2010 г.

ФРАНЧЕСКО АЛЬБАНИ (1578—1660) - «Триумф Дианы»

Художник ФРАНЧЕСКО АЛЬБАНИ (1578—1660) - «Триумф Дианы». 1622 Холст, масло. Диаметр 154 см. Галерея Боргезе. Рим. Итальянская школа.
Франческо Альбани, прославленный мастер полотен на мифологические сюжеты, отразил в своем искусстве взгляды и вкусы аристократической верхушки итальянского общества XVII века.

Ученик Болонской Академии, в частности Аннибале Каррачи, Альбани несколько отходит от традиций академического искусства. Его мифологические картины с пикантной развлекательностью сюжета отличаются большей интимностью и камерностью.

Пейзаж, играющий в живописи художника значительную роль, трактуется в несколько ином русле, чем это было принято у болонских академистов. Облик природы, которому свойствен героизм в пейзажах Каррачи, приобретает здесь большую лиричность.

«Триумф Дианы» относится к знаменитой серии «История любви», состоящей из четырех картин на сюжеты античной мифологии. В «Триумфе Дианы» рассказывается о наказании амуров. На переднем плане изображены спящие амуры, у которых нимфы похищают их коварное оружие — стрелы. Справа горит костер, в котором нимфы сжигают стрелы и луки. Наверху, в облаках, виднеется торжествующая Диана.

Превосходно найденное, гармоничное размещение групп, великолепное живописное мастерство и утонченная красота колорита делают это произведение одним из лучших в творчестве Франческо Альбани.

С, «Изобразительное искусство». Москва. 1988 9-2075. 119 000. 946. 5 к.

ОТПРАВЛЯТЬ ПО ПОЧТЕ ТОЛЬКО В КОНВЕРТЕ

вторник, 29 июня 2010 г.

ДОМЕНИКИНО (Доменико Цампьери, 1581 — 1641). «Охота Дианы»

Художник ДОМЕНИКИНО (Доменико Цампьери, 1581 — 1641). «Охота Дианы» . Холст, масло. 225Х320. Галерея Боргезе. Рим. Итальянская школа

Доменикино получил художественное образование в Болонской Академии. Его учителем был Аннибале Каррачи. Доменикино много работал в технике фрески в Риме и Неаполе, писал картины на мифологические и религиозные сюжеты.

К лучшим его полотнам относится «Охота Дианы». Причина ее успеха в необычайной для того времени свежести и правдивости исполнения. На картине изображен момент появления Актеона во время отдыха и игр нимф с богиней охоты Дианой. Образы нимф полны жизненной убедительности. Особенно прелестны две совсем юные нимфы с замашками шаловливых детей, купающиеся в реке. Рядом с Дианой, в немом удивлении всплеснув руками, замерла нимфа, заметившая в кустах Актеона.

На первый взгляд кажется странным, что это произведение могло выйти из среды болонских академистов. Ведь главным принципом их искусства было следование идеалу прекрасного. Однако в систему художественного обучения Академии входило и изучение природы. Именно опыт изучения природы и его использования дали возможность художнику создать одно из наиболее поэтических и правдивых живописных полотен среди всех его работ. В пейзаже картины художник достигает особой пространственной глубины. В этом произведении Доменикино заложил основы классицистического пейзажа, получившего дальнейшее развитие в творчестве выдающегося французского живописца XVII века Пуссена.

 «Изобразительное искусство». Москва. 1988 9-2075. 119 000. 946. 5 к.

ОТПРАВЛЯТЬ ПО ПОЧТЕ ТОЛЬКО В КОНВЕРТЕ

ТИЦИАН ВЕЧЕЛЛИО (1485 / 90—1576)

Художник ТИЦИАН ВЕЧЕЛЛИО (1477 или 1485/90—1576) - «Любовь небесная и Любовь земная». Около 1515. Холст, масло 118x279. Галерея Боргезе. Рим. Итальянская школа

Тициан — величайший живописец эпохи Высокого Возрождения в Венеции. Учился у Джованни Беллини. Тициан прожил долгую, полную труда и удач жизнь. С годами мастерство художника возрастало и достигло несравненного совершенства. Он был великим портретистом и создателем множества картин на мифологические и религиозные сюжеты. Он был величайшим колористом.

«Любовь небесная и Любовь земная» написана Тицианом в ранний период творчества. Расшифровке сюжета этой картины посвящено много литературы. Одни ученые связывают его с античной мифологией, другие — с личными переживаниями художника. В облике Любви земной некоторые видят красавицу Виоланту, возлюбленную Тициана.

Две прекрасные женщины, сидящие на саркофаге, представлены на фоне широкой панорамы пейзажа. Колористический талант Тициана раскрывается здесь прежде всего в изображении прекрасного нагого женского тела и оттеняющих его одежд. Пейзаж с густыми кронами деревьев и плывущими по небу облаками гармонирует с пышной красотой женщин. Правда, он несет в себе еще повествовательность. Художник не ограничивается изображением города, деревни, моря. Вот на поляну выскочил заяц, за ним гонятся охотники, на опушке леса пастух пасет стадо овец, рядом под тенью деревьев целуются влюбленные. Но вся композиция очень целостна. Все объединено теплым единым дыханием природы, потоком лучей заходящего вечернего солнца.

© «Изобразительное искусство». Москва. 1988 9-2075. 119 000. 946. 5 к.

ОТПРАВЛЯТЬ ПО ПОЧТЕ ТОЛЬКО В КОНВЕРТЕ

Художник ТИЦИАН ВЕЧЕЛЛИО (1477 или 1485/90—1576) «Венера, завязывающая глаза Амуру». Около 1565. Холст, масла 118Х 185. Галерея Боргезе. Рим. Итальянская школа

Последний период творчества великого венецианца падает на годы католической реакции. Однако до конца своих дней Тициан сохраняет незыблемую веру в героизм и величие человека, остается верен жизнеутверждающим идеям гуманизма. В этот период им были написаны самые замечательные, самые эмоциональные полотна, полные напряженного драматизма. К числу бесспорных шедевров мастера, созданных им на склоне лет, относится картина «Венера, завязывающая глаза Амуру». Здесь, так же как и в «Любви небесной и Любви земной», Тициан обращается к мифологии. Но картина проникнута совсем иным мироощущением.

По-прежнему художник воспевает красоту человека, но нет уже того безмятежного покоя, которым пронизана «Любовь небесная и Любовь земная». Пейзаж насыщен драматизмом, активная жизнь природы созвучна переживаниям героев. Фигуры женщин кажутся окутанными какой-то тревожной, грозовой атмосферой. Этому способствует как колорит картины, так и необычная манера письма, к которой художник пришел почти в восьмидесятилетнем возрасте. Он лепит теперь форму широкими энергичными мазками, отказавшись от прежней тональной моделировки. Форма возникает на его полотнах из сплава мазков различных оттенков, образующих вибрирующую красочную стихию.

© «Изобразительное искусство». Москва. 1988 9-2075. 119 000. 946. 5 к.

ОТПРАВЛЯТЬ ПО ПОЧТЕ ТОЛЬКО В КОНВЕРТЕ

См. также:

понедельник, 28 июня 2010 г.

САНДРО БОТТИЧЕЛЛИ (Алессандро ди Мариано Филипепи, 1444/45—1510) - «Мадонна с младенцем, Иоанном Крестителем и ангелами»

Художник САНДРО БОТТИЧЕЛЛИ (Алессандро ди Мариано Филипепи, 1444/45—1510) и ученики. «Мадонна с младенцем, Иоанном Крестителем и ангелами». Дерево, темпера. Диаметр 170. Галерея Боргезе. Рим. Итальянская школа

Сандро Боттичелли — один из самых значительных и своеобразных художников Возрождения. Его творчество, чарующее своей поэтической взволнованностью, несет печать особой индивидуальной неповторимости. По силе эмоционального воздействия полотна Боттичелли почти не имеют себе равных. Сочетая поэтический вымысел с реальностью, художник сосредоточил свое внимание на передаче сложных человеческих переживаний. Он открыл неведомый до него мир чувств. Главным средством выражения у него становится линия.

Сандро Боттичелли был связан с гуманистическими кругами, группировавшимися вокруг двора Лоренцо Медичи. В конце жизни попав под влияние проповедей Савонаролы, требовавшего отказа от светской живописи, он пережил глубокую трагедию.

Картина является произведением зрелого мастерства Боттичелли. Величественная и нежная, склонившись к младенцу, сидит мадонна. Синий плащ, мягкими линиями струящийся с плеч, заканчивается неожиданно жесткими складками у ее ног. Мадонну окружают поющие ангелы. Их нежные и одухотворенные головы увенчаны венками изысканных цветов. В утонченных чертах лиц мы узнаем созданный Боттичелли тип. Этот тип красоты, скорее духовной, чем телесной, встречается во всех произведениях Боттичелли. Исследователи считают, что картина исполнена при участии учеников художника. В ритмической игре линий, утонченном колорите, печальной задумчивости чувствуется участие самого Боттичелли.

 «Изобразительное искусство». Москва. 1988 9-2075. 119 ООО. 946. 5 к.

ОТПРАВЛЯТЬ ПО ПОЧТЕ ТОЛЬКО В КОНВЕРТЕ

См. также: 

РАФАЭЛЬ САНТИ (1483—1520). «Портрет молодой женщины с единорогом»


Художник РАФАЭЛЬ САНТИ (1483—1520). «Портрет молодой женщины с единорогом» . 1505—1506. Дерево, масло 65х51 Галерея Боргезе. Рим. Итальянская школа

Рафаэль — один из величайших живописцев Высокого Возрождения. Он воплотил в своих произведениях наиболее зрелые художественные искания своего времени. Простота замысла, уравновешенность композиционных построений, гармоничный колорит сочетаются в произведениях Рафаэля в строгом единстве. В области композиции и в чувстве гармонии целого художник не знал себе равных.

Творчество Рафаэля было разносторонним. Он работал в области монументальной росписи и был архитектором, портретистом, превосходным рисовальщиком, писал картины на сюжеты из христианской и античной мифологии. Прижизненная слава художника была так велика, что современники называли его «божественным Санцио».

Рафаэль родился в Урбино, первые уроки рисования получил от своего отца Джованни Санти, затем учился у Перуджино. В 1504—1508 годах жил во Флоренции. С 1508 года до самой смерти Рафаэль работал в Риме.

Рентген и последовавшая за ним реставрация в 1935 году подтвердили предположение, что за неприметной ранее картиной с изображением св. Екатерины, скрывается шедевр, принадлежащий кисти Рафаэля. После удаления позднейших записей перед зрителем предстал портрет молодой женщины с единорогом (символ чистоты и целомудрия).

Портрет был создан в первые годы пребывания художника во Флоренции и исполнен под влиянием знаменитой «Джоконды» Леонардо да Винчи. Здесь то же композиционное построение: поколенное изображение женщины с легким поворотом корпуса и лицом, данным в фас. Такое решение придавало изображению большую жизненность.

© «Изобразительное искусство». Москва. 1988 9-2075. 119 000. 946. 5 к.

ОТПРАВЛЯТЬ ПО ПОЧТЕ ТОЛЬКО В КОНВЕРТЕ

См. также:

РАФАЭЛЬ САНТИ (1483—1520)

ОРТОЛАНО (Джован Баттиста Бенвенути, 1487—1524) - «Снятие с креста»

Художник ОРТОЛАНО (Джован Баттиста Бенвенути, 1487—1524) - «Снятие с креста». Дерево, масло 264Х202. Галерея Боргезе. Рим. Итальянская школа

Джован Баттиста Бенвенути родился в Ферраре в семье зеленщика, отсюда и его прозвище Ортолано (то есть огородник). Судьба долгое время была к нему не благосклонна: многие его произведения, и притом лучшие, приписывались другому феррарскому живописцу — Гарофало.

Ортолано формировался под воздействием Мариано Мариани, работавшего в Ферраре. Этот небольшой город играл заметную роль как в политической, так и культурной жизни Италии. И хотя при дворе герцогов д'Эсте процветала феодальная культура, сюда проникали и передовые гуманистические идеи Возрождения. С 1506 года в работах Ортолано явно ощущается знакомство с творчеством Рафаэля. Сильное влияние Рафаэля ощущается в картине «Снятие с креста», которая может служить примером применения принципов Высокого Возрождения в творчестве провинциального художника.

Охваченные общим чувством горя, все персонажи выражают скорбь чисто индивидуально — от тихой, сдержанной грусти мадонны до патетического жеста отчаяния Марии Магдалины. Пейзаж, полный покоя и тишины, контрастирует с отчаянием людей, оплакивающих Христа. Только три креста на Голгофе как бы намек на происшедшую трагедию. В деревне мирно и буднично течет жизнь. В изображении пейзажа Ортолано показал себя зрелым мастером, опередившим живопись своего времени и оказавшим влияние на художников болонской школы XVII века.

© «Изобразительное искусство». Москва. 1988 9-2075. 1 19 ООО. 946. 5 к.

воскресенье, 27 июня 2010 г.

ПЬЕРО ДИ КОЗИМО (около 1462 — около 1521) - «Поклонение младенцу»

Художник ПЬЕРО ДИ КОЗИМО (около 1462 — около 1521) «Поклонение младенцу».  Дерево, темпера. Диаметр 140 см. Итальянская школа. Флорентийская школа. Галерея Боргезе. Рим.

Пьеро ди Козимо принадлежит к числу выдающихся флорентийских живописцев конца XV — первой четверти XVI века. Родился он в семье флорентийского ювелира. Учителем его был Козимо Россели, от которого Пьеро взял имя Козимо.

Испытав в юношеские годы влияние своего учителя, он не остался чужд и новым веяниям Высокого Возрождения. Пьеро ди Козимо был хорошо знаком с творчеством Леонардо да Винчи, и проблема светотени, занимавшая великого флорентийца, интересовала также и его. Большое место в своих картинах художник отводил пейзажу. В его интерпретации пейзажа чувствуется сильное влияние нидерландской школы живописи.

На переднем плане картины «Поклонение младенцу», в темном интерьере, изображены младенец Христос и Иоанн Креститель. Художник прибегает здесь к необычному освещению. Свет падает спереди и сзади в открытый проем двери. Вдали в голубой дымке тают строения селения. На его фоне идет крестьянин, ведущий корову, здесь же пасущийся ослик. Виднеются очертания замка на холме. С вершины холма сбегает вниз дорога. Художнику удается объединить пейзаж с происходящей в хижине сценой единым настроением. Полная тишины и покоя природа как бы аккомпанирует происходящему.

© «Изобразительное искусство». Москва. 1988 9-2075. 119 ООО. 946. 5 к.

ОТПРАВЛЯТЬ ПО ПОЧТЕ ТОЛЬКО В КОНВЕРТЕ

МИКЕЛАНДЖЕЛО МЕРИЗИ ДА КАРАВАДЖО (1573—1610)

Художник КАРАВАДЖО (Микеланджело Меризи, 1573—1610) - «Больной Вакх». Холст, масло 67х53 см. Итальянская школа. Галерея Боргезе. Рим

Выдающийся итальянский живописец Микеланджело Меризи родился в городке Караваджо, отсюда и происходит его прозвище.

Караваджо явился родоначальником нового реалистического и демократического направления в итальянской, а затем и европейской живописи XVII века. Его последователей стали называть караваджистами. В период засилья в искусстве маньеризма и академизма Караваджо обращается к показу простых людей. Даже в картины на религиозные темы он вводит простонародные типы, часто изображает людей за их будничными делами. Такое демократическое искусство ошеломило современников. Обращение к «низкой действительности» вызывало острую неприязнь клерикалов и художников-академистов. Правда, сила таланта художника и жизненная убедительность образов снискали ему почитателей даже в этих кругах.

Картина «Больной Вакх» была выполнена художником в шестнадцатилетнем возрасте. Предполагается, что она является автопортретом художника, написанным в госпитале во время заболевания лихорадкой. Об этом свидетельствует болезненный вид юноши. Фигура Вакха вплотную придвинута к раме картины. Художник прибегает к этому, чтобы приблизить персонаж к зрителю, создать ощущение их общения.

Караваджо передает упругость молодой кожи юноши, бархатистость персика и янтарную спелость винограда. С большой убедительностью изображая материальный мир, художник избегает натурализма благодаря умению предметное изображение облечь в обобщенные формы.

См. также:

суббота, 26 июня 2010 г.

К набору отрыток "Галерея Боргезе и Национальная галерея. Рим"

Ни один город мира не может гордиться таким количеством и разнообразием памятников искусства, как Рим. Рядом с античными руинами высятся пышные дворцы барокко, прекрасные здания эпохи Возрождения соседствуют с церквами средневековья. Рим богат и музеями искусств, среди которых немалой известностью пользуются галерея Боргезе и Национальная галерея. По своим размерам коллекции этих музеев не могут сравниться с крупнейшими музеями мира. Однако многие произведения в этих собраниях относятся к высочайшим образцам искусства и имеют мировую известность.

Официальными датами основания галерей считаются: галереи Боргезе — 1902 год, Национальной галереи — 1940 год. Сами же коллекции сложились значительно раньше.

История возникновения галереи Боргезе связана с богатым и влиятельным родом Боргезе. Когда в 1605 году один из членов этой семьи был избран папой, принявшим имя Павла V, для его племянника Шипионе Боргезе, ставшего кардиналом, открылись огромные возможности. Власть и неограниченные финансовые ресурсы способствовали быстрому комплектованию коллекции. Картины покупали, конфисковывали, вымогали, а подчас просто крали, как это было с рафаэлевским «Снятием с креста», похищенным из капеллы Бальони в Перудже. В 1607 году у художника Кавальере д'Арпино за неуплату налогов были конфискованы и переданы кардиналу Боргезе картины молодого Караваджо «Больной вакх» и «Юноша с корзиной фруктов». В 1608 году путем вымогательств и угроз Боргезе вынудил кардинала Сфондрато продать ему семьдесят картин.

В 1606 году на одном из живописных римских холмов под руководством архитектора Фламинио Понцио был разбит великолепный парк и началось строительство дворца. Постройка его была закончена в 1619 году архитектором Джованни Ва-занцио. В отделке дворца и украшении парка принимали участие лучшие скульпторы и декораторы того времени Лоренцо Берни-ни и Джованни Ланфранко.

На втором этаже дворца была размещена коллекция живописи. Надо признать, что Шипионе Боргезе оказался умелым собирателем. В основном он приобретал произведения живописи XVI—XVII веков, но при этом стремился как можно полнее представить творчество интересовавших его художников. Назначив наследником своего брата, он поставил единственным условием сохранение целостности коллекции.
В конце XVII века благодаря женитьбе Паоло Боргезе на наследнице кардинала Альдобрандини коллекция пополнилась несколькими работами молодого Рафаэля, Лоренцо Лотто и Караваджо.

После этого периода пополнения последовала пора утечек. Из коллекции были проданы три картины Рафаэля и одно полотно Караваджо. Больше всего коллекция пострадала в период господства Наполеона. Камилло Боргезе, муж сестры Наполеона Паолины Бонапарт, вынужден был отправить многие ценные произведения в Париж.

После смерти прямых наследников дворец с парком, собрание картин и скульптуры становятся в 1902 году собственностью государства. В настоящее время галерея Боргезе насчитывает около пятисот шестидесяти картин.

В основном в коллекции представлена итальянская живопись. Произведения Перуджино, Пьеро ди Козимо, Лоренцо ди Креди, Сандро Боттичелли и других художников дают возможность ознакомиться с искусством раннего Возрождения. Среди картин Высокого Возрождения огромный интерес вызывают «Портрет молодой женщины с единорогом» и «Снятие с креста» Рафаэля, «Снятие с креста» Ортолано, «Даная» Кор-реджо; большого внимания заслуживает собрание картин венецианской школы XV—XVI веков. Это прежде всего относится к произведениям Джованни Беллини, Джорджоне, Тициана и Веронезе.

Раздел итальянской живописи XVII века дает яркое представление о таких художественных течениях, как болонский академизм, караваджизм и барокко.

Собрание Национальной галереи имеет также более чем двухсотлетнюю историю. Племянник папы Клемента VII кардинал Нери Корсини купил у знатной римской семьи Риарио дворец, который было поручено переделать архитектору Ферди-нандо Фуга. Несметные богатства позволили кардиналу не только выстроить дворец с неслыханной роскошью, но и закончить его убранство в течение трех лет. За этот короткий срок с 1737 по 1740 год была собрана первоклассная коллекция, насчитывающая около шестисот картин. В 1883 году князья Корсини продали дворец государству и подарили ему коллекцию. Вскоре в 1892 году она пополнилась собранием герцога Джованни Торлониа, также подаренным государству. В этом же году коллекция обогатилась еще 187 картинами, поступившими из галереи дель Монте ди Пьета. 

Поступление живописи за счетдаров продолжалось, и в связи с нехваткой места многие произведения искусства были распределены по различным музеям. Встал вопрос о необходимости собрать всю коллекцию воедино, для чего целесообразно было приобрести соответствующее здание. Вскоре выбор был сделан, и в 1930 году государство купило великолепный дворец Барберини. Дворец был выстроен еще в середине XVII века для племянника папы Урбана VIII, происходившего из семьи Барберини. В постройке дворца участвовали такие прославленные зодчие, как Карло Мадерна, Лоренцо Бернини; росписи знаменитого плафона были выполнены Пьетро да Кортона. В этом величественном здании с 1940 года разместилась часть коллекции Национальной галереи, другая ее часть осталась в палаццо Корсини. Таким образом, живопись с XIII по XVII век экспонируется в палаццо Барберини, с XVII по XIX век — в палаццо Корсини.

В настоящее время Национальная галерея насчитывает 1700 картин. Она по праву может гордиться своим итальянским собранием. Галерея небогата памятниками живописи XIII—XIX веков, зато начальная пора итальянского Возрождения представлена прекрасными произведениями Филиппо Липпи, Пьеро ди Козимо, Беато Анджелико и так далее. Самым значительным и интересным разделом галереи является итальянская живопись XVI века — блестящей поры искусства Высокого Возрождения. Особый интерес представляют здесь работы Рафаэля, Андреа дель Сарто, Бартоломео Венето. Национальная галерея обладает небольшим, но интересным собранием венецианской школы живописи, включающим произведения художников XVIII века — Каналетто и Гварди.

В Национальной галерее имеются также произведения выдающихся мастеров других европейских стран — Симона Мармиона, Ханса Гольбейна, Квентина Массейса, Эль Греко.

Репродукции, собранные в этом издании, показывают, какими художественными ценностями располагают галерея Боргезе и Национальная галерея.

3. Борисова

Художник МАСТЕР КОРОНОВАНИЯ ИЗ УРБИНО  -  «Рождение Иоанна Крестителя». Итальянская школа
См. также:

четверг, 10 июня 2010 г.

Микеланджело да Караваджо (1573—1610). «Юноша с корзиной фруктов»

Художник Микеланджело да Караваджо (1573—1610). «Юноша с корзиной фруктов». Около 1590 г. Итальянская школа. Холст, масло. 70X67 Рим. Галерея Боргезе

См. также:

МИКЕЛАНДЖЕЛО МЕРИЗИ ДА КАРАВАДЖО (1573—1610) - «Мадонна Палафреньери»

Микеланджело да Караваджо (1573—1610) - «Лютнист»

суббота, 30 мая 2009 г.

МИКЕЛАНДЖЕЛО МЕРИЗИ ДА КАРАВАДЖО (1573—1610) - «Мадонна Палафреньери»


Художник МИКЕЛАНДЖЕЛО МЕРИЗИ ДА КАРАВАДЖО (1573—1610), Итальянская школа, «Мадонна Палафреньери». 1605 .Холст, масло 292Х.211 Рим. Галерея Боргезе

«Изобразительное искусство». Москва. 1973 9-378. Ц. 3 к. Т. 35 000. 5-я т. 3. 1392.

Караваджо был дерзновенно смелым новатором, выступившим против господствующих в его время принципов эпигонского подражания искусству Высокого Возрождения и объявившим суровый реализм своим художественным методом. Он первым ввел в искусство плебейский демократический типаж, лишил евангельскую легенду покрова идеальности, показав ее героев как простых людей с их характерным грубоватым обликом. В его творчестве ощущается постоянное стремление внести дыхание конкретной жизни.
Караваджо прожил недолгую, но бурную жизнь, полную романтических приключений, громких скандалов и шумного успеха. Он был сыном каменщика-строителя и сохранил на всю жизнь демократические позиции, отстаивая свою независимость и чувство достоинства. Его влияние на художников XVII века трудно переоценить. Во всех странах Европы можно встретить его поклонников «караваджистов».
«Мадонна Палафреньери» была написана для алтаря капеллы Палафреньери в соборе св. Петра, но заказчики отказались от нее, и ее приобрел кардинал Боргезе, покровитель Караваджо. На картине изображены св. Анна, Мария и младенец Христос. Идея картины имеет символический характер — змея олицетворяет грех. Однако Караваджо вносит жанровый момент, мать опережает ребенка и первая наступает на змею. В этой картине для художника оказывается более важным проявление материнского самопожертвования, нежели религиозная идея. Благодаря жесту Марии сцена приобретает характер жанровой ситуации, что усугубляется простонародным обликом мадонны, ее скромной одеждой и прической.
Подобной трактовки образа мадонны еще не знало религиозное искусство Европы.

Картина «Мадонна с младенцем и св. Анной» была выполнена для церкви св. Анны деи Палафреньери, отсюда и происходит ее название. В ней проявились все особенности, присущие искусству Караваджо, — подлинная демократичность и монументальная выразительность образов.
Сюжет картины должен был выразить религиозную символику. Требовалось изобразить младенца Христа, попирающего змею — символ порока и зла. Караваджо трактует религиозную тему как реальное, жизненное событие. Молодая мать, бережно обхватив руками ребенка, помогает ему расправиться со змеей. Рядом стоящая старая женщина с интересом наблюдает за этой сценой. Художник дает здесь не идеализированные образы, а простых людей из народа. Он их показывает такими, каких можно было встретить на улицах и площадях Италии, в костюмах того времени. Эта трактовка сюжета как уличной сцены, как реального события не устраивала церковь. Коллегией кардиналов картина была отвергнута.
«Мадонна деи Палафреньери» написана в манере тенеброзо (контрастная светотень), где преобладает темная тональность. Поток света выхватывает из мрака лица, руки, подчеркивает очертания фигур, придавая особую пластическую выразительность формам. Тенеброзо служило Караваджо не только для объемного выделения форм, но и для эмоционального усиления образов.

С) «Изобразительное искусство». Москва. 1988 9-2075. 119 ООО. 946. 5 к.