Музей Метрополитен в Нью-Йорке принадлежит к крупнейшим художественным собраниям мира. По многообразию коллекций, по качественному составу это самое значительное на американском континенте хранилище памятников изобразительного искусства можно поставить в один ряд с такими всемирно известными музеями, как Лувр и Государственный Эрмитаж.
В собрание Музея Метрополитен входят произведения западноевропейских и американских художников, памятники художественной культуры народов Азии, Африки, Ближнего и Дальнего Востока. В его коллекциях представлены не только живопись, скульптура и графика, но и декоративно-прикладное искусство.
История Музея Метрополитен сравнительно коротка: инициатива его создания принадлежит группе американских художников и общественных деятелей, среди которых были члены исторического общества, профессора Академии рисунка и представители делового мира. В апреле 1870 года законодательное собрание штата Нью-Йорк санкционировало открытие музея. В самом начале своего существования он не имел ни коллекций, ни здания. где их можно было бы хранить и демонстрировать. На средства специально учрежденной корпорации, которая включала двести пятьдесят членов и возглавлялась Советом опекунов, были куплены сто полотен в Брюсселе и семьдесят четыре в Париже. В Бельгии были приобретены картины голландских и фламандских художников, во Франции — итальянских, французских, испанских, английских.
В 1872 году в небольшом здании на Пятой авеню между Пятьдесят третьей и Пятьдесят четвертой улицами открылась первая экспозиция картинной галереи. Скоро было завершено строительство трехэтажного здания в Сентрал-парке, имевшего двенадцать экспозиционных залов, которое вплоть до 1926 года окружалось дополнительными пристройками и теперь стало центром большого архитектурного комплекса.
Музей Метрополитен в его настоящем виде сложился из целого ряда частных коллекций, либо закупленных, либо пожертвованных богатыми собирателями, желавшими внести свой вклад в развитие национальной культуры. Одним из первых приобретений стала коллекция бывшего американского консула на Кипре генерала Сеснолы, директора Музея Метрополитен с 1880 года. В это время в составе коллекции было около девяти тысяч произведений декоративно-прикладного искусства и памятников античности. В 1887 году в музей по завещанию поступила коллекция Кэтрин Лориллард Вулф. Если Сеснола как собиратель отдавал предпочтение древностям, то Кэтрин Вулф собирала полотна своих современников — французских художников XIX века Берне, Коро, Диаза де ла Пеньи, Дюпре, Руссо, Мейссонье, Жерома. На средства, завещанные Кэтрин Вулф, были приобретены «Бой быков» Гойи, «Дон-Кихот и мертвый мул» Домье, «Китобойное судно» Тернера. Формированию живописной коллекции как собранию шедевров способствовало поступление в музей таких всемирно известных полотен, как «Молодая женщина с кувшином» Вермера Делфтского, «Мужской портрет» Халса, «Джеймс Стюарт, герцог Ричмонд» Ван Дейка, «Портрет мисс Сперроу» Гейнсборо, «Женщина с попугаем» Мане. Быстрому росту коллекций способствовало поступление крупных пожертвований от богатых американцев: семь миллионов долларов завещал музею Джейкоб С. Роджерс. На эти средства были куплены «Портрет Себастьяна Мартинеса и Переса» Гойи, работы Джованни Беллини и Лукаса Кранаха. Из коллекции Джона Моргана, десять лет возглавлявшего Совет опекунов музея и собравшего одну из ценнейших коллекций западноевропейского искусства, по его завещанию были переданы в музей «Мадонна на троне с предстоящими святыми» Рафаэля и «Мадонна с младенцем» Дюрера. Из коллекции другого крупного банкира Бенжамена Алтмана пришли такие шедевры живописи, как «Автопортрет» Рембрандта 1660 года, «Спящая девушка» Вермера Делфтского, парные портреты четы Портинари кисти Мемлинга, «Мадонна с младенцем и святой Анной» Дюрера, «Портрет Филиппа IV» Веласкеса, полотна итальянских художников Верроккьо, Боттичелли, Антонелло да Мессины, Мантеньи. Тициана, Морони. Значительным этапом в пополнении собрания музея стало поступление собрания живописи, завещанного «королем сахара» Генри Хэвемейером. Жена Хэвемейера была подругой американской художницы Мери Кессет, по совету которой Хэвемейеры приобретали полотна французских художников XIX века от Делакруа до Сезанна. В коллекции Хэвемейера насчитывается девятнадцать картин Курбе, восемь — Моне, двенадцать — Дега, четыре — Сезанна; работы Веронезе, Бронзино, Кранаха, Рубенса, а также "Вид Толедо» и «Поклонение пастухов» Эль Греко, «Махи на балконе» Гойи, «Портрет Жозефа Антуана Молтедо» Энгра, «Вагон третьего класса» Домье, «В лодке» Мане.
К 1930-м годам Музей Метрополитен становится крупнейшим американским собранием западноевропейской живописи. Значительный вклад в формирование современного облика Музея Метрополитен внес Фрэнсис Тейлор, назначенный в 1940 году его директором. Под руководством Тейлора музей стал крупным научным учреждением. Тейлор был организатором службы реставрации, центра по эстетическому воспитанию детей, лектория по истории искусства.
В послевоенный период, когда европейские музеи в основном восстанавливали коллекции, разграбленные гитлеровцами, Музей Метрополитен продолжал приобретать шедевры мирового масштаба. Среди них «Музыканты» Караваджо, «Венера и Адонис» Тициана, «Портрет Дирка Берка» Ганса Голбейна Младшего, «Портрет инфанты Марии Тересии» Веласкеса, «Портрет Флориса Соопа» Рембрандта, «Портрет дона Мануэля де Суньи-га» Гойи. Тейлор способствовал пополнению коллекции и французских художников, сразу же после войны ему удалось приобрести для музея «Двух таитянок» Гогена, «Воскресную прогулку на Гранд-Жатт» Сера, «Портрет Гертруды Стайн» и «Женщину в белом» Пикассо. В 1950 году в дар от Мэри Стиллмен Харкнесс поступили замечательные полотна «Венеция. Площадь святого Марка» Гварди, «Дорога в лесу» Хобеммы, «Собор в Солсбери» Констебла.
Музей Метрополитен — один из немногих музеев, имеющих возможность приобретать такие шедевры, как «Аристотель у бюста Гомера» Рембрандта, стоивший два миллиона долларов, и «Портрет Хуана де Парехи» Веласкеса, обошедшийся музею в пять миллионов долларов. Среди последних поступлений - дар банкира Лемана — коллекция, для которой был открыт специальный павильон, где в интерьерах, воссоздающих обстановку домашней галереи, представлены замечательные полотна Сассетты, Боттичелли, Эль Греко, Рембрандта, Гойи.
В 1975 году в Советском Союзе состоялась выставка «Сто картин из Музея Метрополитен», в числе других показанных на ней шедевров мировой живописи советские зрители увидели замечательные полотна, репродуцированные в настоящем комплекте открыток
О. Гасанова
 |
| ПОЛЬ СЕЗАНН (1839—1906). Французская школа. «Натюрморт с кувшином и баклажанами».Холст, масло. 72,4х91,4. Нью-Йорк. Музей Метрополитен |
Сын богатого банкира из Экса Сезанн почти всю жизнь прожил на юге Франции в своем родном городе, неустанно работая и создавая полотна, которые в наше время признаны шедеврами французской живописи. Они украшают теперь коллекции знаменитых европейских и американских музеев. Признание пришло к Сезанну лишь в старости, официальная критика и Салон с ожесточением относились к живописной системе гениального продолжателя традиций интеллектуально-философского и эмоционального осмысления мира, присущей лучшим мастерам французского искусства и особенно Пуссену — любимому художнику Сезанна. Но молодые живописцы, среди которых первым был Ван Гог, приняли и развили в своем творчестве уроки Сезанна. Художник всего лишь дважды выставлялся вместе с импрессионистами, и, хотя на выставке в Эксе он поставил рядом со своим именем «ученик Писсарро», отдавая тем самым дань почтения идейному главе импрессионистов, в целом программа Сезанна была противоположна установкам его товарищей по борьбе за новую живопись. Восприятие пространства и формы у Сезанна становится сферическим и объемным, он ищет конструктивную логику формы, раскрывая неизменную сущность предметов, тогда как импрессионисты растворяют в воздушной среде контуры предметов, изменяя их облик в зависимости от освещения.
В «Натюрморте с кувшином и баклажанами» художник находит синтез композиционного и цветового соотношений объемов и плоскостей, цвета и линии, выражающих извечную суть окружающего нас материального мира
 |
| ДЖОВАННИ БАТТИСТА МОРОНИ (около 1530—1578). Итальянская школа. «Портрет Бартоломео Бонги». Холст, масло. 101,6Х 81,0 Нью-Йорк. Музей Метрополитен |
Творчество Джованни Баттисты Морони, одного из замечательных итальянских портретистов и автора большого количества алтарных композиций, приходится на период позднего Возрождения. Морони родился в городе Бергамо, на севере Италии, учился живописи в мастерской Моретто, испытал влияние выдающегося живописца венецианской террафермы — Лоренцо Лотто, портретные образы которого отличаются повышенной эмоциональностью и драматической напряженностью.
В основе художественного решения «Портрета Бартоломео Бонги» лежит ренессансное представление о личности, полной гармонии и совершенства, прекрасной духовно и физически. Морони не отказывается от трезвого анализа характера портретируемого, однако в облике известного юриста, видного богослова, ректора университета в Павии художник подчеркивает благородство и ум, силу воли и мужественное достоинство, тем самым продолжая традиции портрета-памятника, сложившиеся в эпоху раннего Возрождения. В отличие от мастеров XV века Морони вносит в композицию портрета сложный разворот фигуры. Характеристику модели дополняют атрибуты: книга, герб, надписи, пейзаж за окном с изображением здания городской коммуны и недостроенной башни Бергамо, которые усиливают портретную характеристику. Морони с совершенством, достойным великих итальянских мастеров, моделирует объемы лица, передает фактуру тканей, меха, кожаного переплета книги и деревянного подлокотника. Портрет из Музея Метрополитен дает яркое представление о творчестве Морони, блестящего портретиста, умевшего спокойно и ясно передать характерный облик своих моделей.
 |
| ЖАН ОГЮСТ ДОМИНИК ЭНГР (1780—1867). Французская школа. «Портрет Жозефа Антуана Молтедо». Холст, масло. 75,3x58,1. Нью-Йорк. Музей Метрополитен |
Великий французский мастер живописи и рисунка Энгр был учеником другого гения французского искусства Жака Луи Давида. Энгр унаследовал воплощенные в творчестве учителя традиции неоклассицизма. Однако в отличие от него он в своих поисках в большей степени, чем Давид, обращался к искусству Высокого Возрождения, и прежде всего к Рафаэлю, которого он боготворил, нежели к искусству античности. В многочисленных композициях Энгра на мифологические, аллегорические, исторические сюжеты мы видим тщательно выверенную композицию, виртуозную выразительность и красоту текучих линий, изысканную гармонию пластических форм, в которой художник видел сходство с гармонией музыкальной. Не случайно, будучи зрелым мастером, Энгр говорил, обращаясь к своим ученикам: «Если бы я мог всех вас сделать музыкантами, вы бы выиграли как живописцы. В природе все гармонично: чуть больше, чуть меньше — это уже нарушает гамму и дает фальшивую ноту. Надо добиться умения верно петь карандашом или кистью и так же хорошо, как голосом. Точность форм, то же самое, что и точность звуков».
Лучшие достижения Энгра принадлежат портретному жанру. Работы этого непревзойденного портретиста XIX века отличает особое чувство индивидуальности и умение воплотить остроту своего восприятия и законченный, цельный и гармоничный образ. И в полной мере это выражено в портрете Молтедо, бывшего начальника почты в Риме, представителя французского духовенства при папском дворе, человека несколько неуклюжего на вид, но в действительности тонкого ценителя античности и собирателя произведений древнего искусства.
 |
| ФРАНСИСКО ХОСЕ ДЕ ГОЙЯ И ЛУСИЕНТЕС (1746—1828).Испанская школа. «Махи на балконе».Холст, масло. 194,8Х 125,7 |
 |
| ЭЖЕН ДЕЛАКРУА (1798-1828). Французская школа. «Цветы». Холст, масло. 106,2Х 140 |
 |
| КЛОД ОСКАР МОНЕ (1840—1926). Французская школа. «Терраса в Сент-Адрессе». Холст, масло. 97,5Х 130. Нью-Йорк. Музей Метрополитен. |
Клод Моне был живописцем, наиболее полно и ярко выразившим в своем творчестве принципы импрессионизма. Его можно назвать классиком этого антиклассического направления во французском искусстве семидесятых годов XIX века. Художники-импрессионисты стали работать на открытом воздухе: они сосредоточили свое внимание на зрительной, красочной стороне мира, лишенного событий и драм, поставив своей целью насытить живопись солнечным светом. Мир радостный, ликующий и бе мятежный открывается нам в полотнах импрессионистов.
Красотой и свежестью ясных чистых тонов веет от картины Моне, в которой художник запечатлел вид маленького курортного местечка Сент-Адресс, близ Гавра. Залитая солнцем терраса, пронизанные светом яркие краски роз, безмятежно-спокойные фигуры персонажей, стремительно уходящие вдоль горизонта дымы кораблей, безбрежный простор моря и неба, развевающиеся флаги — все передает ощущение наслаждения праздником жизни. Картина была написана летом 1867 года, а осенью 1874 группа молодых художников, во главе с Клодом Моне, пренебрегая официальным Салоном, устроила собственную выставку, на которой была представлена одна из написанных им в Гавре картин «Впечатление. Восход солнца». Позднее Моне так объяснил название полотна, где он изобразил утреннее солнце в мареве тумана: «Меня спросили название этой картины для каталога... Я ответил: «Поставьте — «Впечатление». Это было подхвачено критиками, и вся группа художников — Моне, Ренуар, Писсарро, Сислей, Дега, Сезанн, Берта Моризо и Базиль — получила название импрессионистов
 |
| МЕЙНДЕРТ ХОБЕММА (1638—1709). Голландская школа. «Дорога в лесу». Холст, масло. 94,бХ 129,5.Нью-Йорк. Музей Метрополитен |
Творчество замечательного голландского живописца Хобеммы приходится на очень короткий период с 1658 по 1669 год, однако за одно десятилетие художник создает совершенно новый, отличный от предшествующих тип пейзажа, ряд черт которого предвосхищает дальнейшее развитие европейской пейзажной живописи. Ученик выдающегося голландского мастера, пейзажиста Якоба ван Рейсдала, Хобемма повторял сначала мотивы картин своего учителя. Однако героизм и драматическая насыщенность образов природы у Рейсдала в творчестве Хобеммы уступают место интимности, лирической мягкости, жизнерадостной светоносности и ненавязчивой декоративности. Хобемма любил опушки леса, мельницы, полуразвалившиеся хижины в чаще леса, кроны огромных деревьев. Он писал их ярко, сочно, насыщая и пронизывая золотистым солнечным светом. Существует мнение, что свои последние картины художник создавал по этюдам, сделанным на пленэре.
«Дорога в лесу» - характерный пример искусства Хобеммы. Художник использует декоративный мотив раскинувшейся на фоне голубовато-серого неба кроны огромного дерева. Дорога, прямо от зрителя уходящая в глубину, делит композицию на две равные части: слева мы видим сломанный упавший ствол дерева, темную зелень разросшихся деревьев, тяжелые клубящиеся облака, справа — опушку леса, залитую солнечным светом, золотую листву, словно узор обрамляющую пространство у старого дома из розового кирпича. Фигурки путников на дороге и женщины около дома оживляют пейзаж, которому Хобемма придает одновременно и ощущение теплоты бытия, и состояние тревоги повседневной жизни, связанной с природой.
Другие картины из музея Метрополитен:
Своеобразный, яркий талант художника, удивительная целенаправленность поиска, незаурядный дар колориста очень скоро выдвинули его в число интересных советских живописцев, обладающих оригинальной творческой индивидуальностью.
Тобольск. 1963 г.
В берёзовой роще. 1963 г.
Сибирь. Сплав леса. 1966 г.
На покосе. Сибирь. 1966 г.
Кубанский край. 1961 г.
Новгород. 1963 г.
Карловы Вары. Чехословакия. 1961 г.
Мурманский край. День рыбака. 1965 г.
В Мурманске. 1966 г.
Салехард. 1966 г.
Венеция. Италия. 1965 г.
Миланский собор. Италия. 1965 г.
Прага. Кремль. Чехословакия. 1966 г.
Енисей. 1966 г.
