Алексей Степанович Степанов (продолжение)

"Журавли летят". 1891 г. ГТГ - Государственная Третьяковская галерея
Ранней весной. 1904 г.
Волки. 1900-е гг.
Лоси. 1889 г. ГТГ.
Рыбак. 1896 г. ГТГ.
"По матёрому". Акварель. ГТГ
Кормят щенят. Акварель. ГТГ.
Прачки в Виши. ГТГ.
Рання весна. ГТГ
Дети на хворосте. Ульяновский художественный музей

Другие работы художника >

Алексей Степанович Степанов

Франсуа Буше (1703-1770)

Франсуа Буше (Francois Boucher) — французский живописец, родился в Париже 29 сентября 1703, умер 80 мая 1770 года. Отец его Николай Б. бедный учитель живописи и рисовальщик узоров для вышивки, был, по видимому, первым его учителем. Затем Б. стал учеником Лемуана и поступил к граверу Карсу, у которого занимался составлением виньеток, гербов и эмблем для франмассонских дипломов, заглавных листов и т. п. В 1722 ему было поручено иллюстрировать новое издание «Французской истории» О. Даниеля, а в 1723 он получил академическую премию за картину «Евил-меродах, сын и наследник Навуходоносора, освобождающий из оков царя Иоахима». В 1725 г. Буше выставил несколько мелких картин на»выставке молодежи» и был приглашен де Жюльенном сотрудничать в издании произведений Антона Ватто. В 1727 он отправился на свой счет в Рим, где усерднее всего изучал Альбано и Пьетро да Кортоне, с которым нередко его впоследствии сравнивали, и срисовал целое собрание голов с Траяновой колонны (изданное Гютеном). Современные критики находили, что картины, написанные Б. по возвращении из Италии, отличались красотой и мужественной силой; это относится может быть к картинам, которые дошли до нас лишь в гравюрах, изданных Лаврентием Карсом, так как оригиналы их исчезли. 24 ноября 1731 года Б. был принят в академию, а в 1732 написал «Венеру, заказывающую Вулкану вооружение для Энея». В 1734 г. Б. был удостоен звания академика за картину, изображающую «Рено и Армиду», и в том же году украсил комнату королевы в Версальском дворце аллегорическими фигурами Сострадания, Изобилия, Верности и Благоразумия, иллюстрировал большое издание Мольера, и исполнил одно за другим несколько собраний эстампов, как напр. «Cris de Paris»; «Livres de sujets et Pastorales»; «Elements», «Saisons» и др. В 1735 году он был назначен адъюнкт профессором, в 1737 году профессором академии. В промежуток от 1737 по 1740 он написал; «Воспитание амура Меркурием», «Аврора и Кефал» и «Венера, входящая в купальню» — картины, заказанный для отеля Субиз (ныне дворец национальных архивов). С этих пор начинается его в высшей степени плодовитая деятельность: он доставляет мануфактуре в Бовэ, торговцам эстампов и китайщины, только что вошедшей в моду, любителям и двору целую массу картонов. рисунков и картин, из которых некоторые, — как напр. «Рождение Венеры» (1740 г., ныне в Стокгольмском музее), «Эпическая Поэзия» (1741) и «История», исполненные для Королевской библиотеки, «Диана, выходящая из купальни» и «Пастушеская сценка» (в Лувре) — считаются лучшими из его произведений. В 1743 г. Б. был назначен декоратором оперы и руководил постановкою нескольких балетов; он писал также декорации для театров ярмарки С.-Лоран и Бельвю и для любительских спектаклей, устраиваемых маркизой Помпадур, его ученицею и покровительницей. Громадное количество получаемых заказов вскоре, однако, превратило произведения этого «Анакреона живописи» в спешно сделанные наброски, на которые критика не могла смотреть благосклонно, хотя от времени до времени ему удавалось сосредоточиться на таких произведениях, как «Собрание гениев искусства» (1751), «Латона на острове Делосе», «Солнце, начинающее свой путь и изгоняющее ночь». В это время Буше, находясь в полном блеске славы и королевской милости, получил пенсию и квартиру в Лувре. В 1757 г. он выставил портрет марк. Помпадур, для которой в то же время написал: «Музу Эрато», «Музу Клио», «Отдых в Египте» и др. В 1765 году, несмотря на смерть маркизы Помпадур, лишившую его столь могущественного покровительства, Буше удалось, однако, получить место первого живописца короля, сделавшееся вакантным за смертью Карла Ван-Ло. Но картины, относящиеся к последним годам жизни состарившегося, прожившегося и сбитого с пути началом классической реакции, Б. не могли уже производить прежнего впечатления; несмотря однако на это и не обращая внимания на едкую критику Дидро, он принимает участие во всех выставках и не оставляет оперы. Последним его произведением был «Цыганский обоз», выставленный в 1769 г. и написанный не задолго до его смерти, последовавшей в 1770 г. Слава его вскоре после его смерти совершенно упада под влиянием реакции классицизма; его стали обвинять в развращении юношества и лучшие из его картин не находили покупателей. Ныне эти несправедливые обвинения потеряли свое значение, современная критика отводит Б. видное место среди художников французской школы XVIII ст. Ср. Mariette, «Abecedario»: Diderot, «Salon de 1759, 1761, 1763, 1765, 1767» (т. X и XI изд. Асеза-Турне); Е. и Ю Goncourt, «L'art au XVIII siecle» (Париж, 1881); P. Mantz, «Francois Boucher, Lemoyne et Natoire» (Париж, 1880); A. Michel, «Francois Boucher» (сборник «Artistes celebres» (Париж, 1886). В петербургском Эрмитаже имеется его «Отдохновение на пути в Египет». Подписана: J. Boucher 1757.

Девушка с розой (пастель, итальянский карандаш). ГЭ - Государственный Эрмитаж
Франсуа Буше.Мадам де Помпадур. Около 1750 года. Национальная галерея Шотландии в Эдинбурге

ФРАНСУА БУШЕ (1703—1770) Мадам де Помпадур. 1756 Холст, масло. 201x157 Старая пинакотека. Мюнхен

Франсуа Буше. Отдыхающая девушка. 1752 год. Старая Пинакотека в Мюнхене.

Франсуа Буше. Туалет Венеры. 1751год. Метрополитен-музей. Нью-Йорк.

Спящая молодая женщина (итальянский карандаш, пастель). ГЭ
Мельница
Франсуа Буше. Венера, утешающая амура. 1751 год. Национальная галерея в Вашингтоне

Франсуа Буше. Завтрак. 1750 год. Лувр. Париж.

Франсуа Буше. Купание Дианы. 1742 год. Лувр. Париж.

Пастушеская сцена. Холст, масло. 60х74 (овал). ГЭ
Пейзаж в окрестностях Бове. 1741-1743 гг. Холст, масло. 40х58. ГЭ
Мельница. Государственный музей изобразительных искусств им. А.С. Пушкина
Сидящая молодая женщина (итальянский карандаш, пастель). ГЭ
Женская головка. Пергамент, пастель.
Пейзаж с прудом. 1746 г. Холст, масло. 51х65. ГЭ
Спящий пастушок. Итальянский карандаш. ГЭ
Голова юноши.
Пигмалион и Галатея. Холст, масло. 230х329. ГЭ
Пейзаж с водяной мельницей. Гуашь. ГЭ

Дмитрий Александрович Косьмин (1925-2003)

Народный художник России. Родился в 1925 г. Окончил Московское худож. училище «Памяти 1905 г.», живописец. Постоянный участник всех основных московских и всероссийских выставок, а также отдельных зарубежных выставок. Картины находятся в музеях: Государственная Третьяковская галерея, Музей изобразительных искусств (Алма- Ата), музее Новосибирска, Новокузнецка, и др., в «галерее Пирра»-Италия, частных коллекциях Японии, Италии, Франции, Англии, Америки

Творческая биография Д. А. Косьмина сравнительно коротка. В 1952 году, защитив диплом в Московском художественном училище памяти 1905 года и став через два года членам Московского союза художников, Косьмин, не многим более десяти лет назад, начал свой самостоятельный путь в искусстве.

Своеобразный, яркий талант художника, удивительная целенаправленность поиска, незаурядный дар колориста очень скоро выдвинули его в число интересных советских живописцев, обладающих оригинальной творческой индивидуальностью.

Косьмин родился в сибирском городе Омске в 1925 году в семье агронома. Семилетним мальчиком вместе с родителями будущий художник переезжает в Казахстан, откуда, не окончив школы, уходит добровольцем на фронт Великой Отечественной войны. После демобилизации в 1945 году для Косьмина наступают годы упорной учебы. Неудержимая тяга к искусству, горячее, давнее желание стать художником привели его в 1946 году в Ташкентское художественное училище. Завершает же свое специальное образование Косьмин в Москве. Успешно выступив на Всесоюзной художественной выставке (экспонировалась его работа «Вечер в рыбачьем поселке», 1954 г.),

Косьмин удачно выдержал свой первый серьезный экзамен, Уже в ранних произведениях четко определяется приверженность художника к жанровому пейзажу, проявляется интерес к природе родной страны.

Испытывая непреодолимую потребность в познании окружающего мира, в постижении сложной закономерности его развития, художник с кистью в руках неустанно ведет свои многолетние наблюдения, совершая длительные поездки в различные концы страны. С подкупающей любовью воспевает он в своих полотнах то проникновенную прелесть перелесков Подмосковья, то напоенные жарким солнцем пейзажи Средней Азии, то гордую, мужественную красоту земли сибирской, то щедрое раздолье кубанских степей. Взволнованно и темпераментно раскрывая в образах природы красоту современного пейзажа, художник учит нас глубокому пониманию ее внутренней сущности.

Впечатление необъятного простора охватывает зрителя при взгляде на полотно Косьмина «Сибирь. Сплав леса» (1966). Широкий разлив Енисея, по синим водам которого медленно движется масса плывущей древесины, замыкается грядой гор, идущей по горизонту. Полоса берега с изумрудной зеленью травы на переднем плане как бы завершает в целом уравновешенную композицию произведения.

Ощущение внутренней динамики в картину вносят беспокойное серое небо с клубящимися облаками, еле заметное волнение реки.

Еще большую суровость и величавую эпичность природы Сибири подчеркивает художник в картине «На Енисее» (1966). Типичная для тех мест жанровая сцена. Идет сплав леса. Люди, стоя с баграми в руках, сортируют его. Многоплановая, удивительно компактная композиция как бы увенчана темной горной громадой с четким волнистым силуэтом, в своей (могучей красоте господствующей в пейзаже. Легкая рябь воды несколько оживляет в общем спокойный тон повествования. Продуманная закономерность в чередовании светлых и желтых пятен, холодных и теплых тонов создает своеобразную гармонию колористической гаммы. Эта картина, как и большинство произведений художника, несет в себе одну из основных идей творчества Косьмина — раскрытие тесной связи природы с трудовой, повседневной деятельностью человека, использующего ее богатства для своего блага.

С большим мастерством, эмоционально выражает свои мысли и чувства живописец, на всю жизнь покоренный необычайной, суровой красотой крепко полюбившегося ему северного края («Тобольск», 1963 г.; «В Мурманске», 1966 г.; «Салехард», 1966 г. и др.).

Непритязательная красота Тобольска — города знаменитых косторезов, города с еще сохранившейся деревянной архитектурой, деревянными мостовыми и тротуарами, с органично «вписанными» в него естественными природными особенностями местности воплощает поэзию повседневной жизни. Картина построена на сочетании серебристо-серых, теплых красно-коричневых, звонких зеленых тонов, как нельзя лучше передающих типичный летний пейзаж северного города. Тишиной и покоем веет от этой мирной, неторопливо текущей жизни. То же стремление к передаче материальности, живой предметности реального мира находим мы и в произведении «В Мурманске». Кулисное построение с крупными формами смело срезанных по бокам картины деревянных домов удачно подчеркивает динамику композиции. Движение, начавшееся с круто спускающейся к берегу дороги, продолжается в течении стремящейся вдаль реки.

Сдержанная серо-синяя, с тонкими градациями цветовая гамма оживляется ярко-красным пятном спелой рябины, резко выделяющейся на темно-коричневом фоне дома, броской зеленью травы.

Не менее красиво и выразительно полотно «Салехард». По значительности образного содержания, композиционной законченности — это подлинный пейзаж-картина. Поэтичен своеобразный облик города, выросшего в тундре на Крайнем Севере. Все в нем привлекает: и живописно разбросанные на высоком берегу и прибрежной полосе деревянные домики, с как бы обегающими вниз по склону зелеными лентами огородов, и тонкая вереница лодочек, медленно покачивающихся на мелкой зыби волн, и темные воды Оби.

Интенсивность, мажорность цвета отличает картину «Кубанский край». Жизнеутверждающей силой, радостным ликованием наполнен пейзаж летнего дня. Живописец смело использует контрасты в цветовых сочетаниях. Идейно-образное содержание картины у Косьмина всегда подчиняет себе средства живописно-пластической выразительности. Энергичная, темпераментная живописная манера Косьмина хорошо передает оптимистическое восприятие мира, которое так привлекает зрителя в его полотнах. Косьмин путешествует не только по родному краю, он побывал в городах Франции, Италии, Чехословакии. Поразительная, своеобразная красота архитектурных памятников, облика городов, природы этих стран, увиденная глазами советского художника, запечатлена в полотнах: «Миланский собор», «Венеция. Италия», «Прага. Кремль», «Карловы Вары. Чехословакия» и другие.

Творчество Дмитрия Александровича Косьмина отличается глубоким реализмом, жизнеутверждающим характером, горячей любовью к природе родной страны.

С. Петрова

Тобольск. 1963 г.
В берёзовой роще. 1963 г.
Сибирь. Сплав леса. 1966 г.
На покосе. Сибирь. 1966 г.
Кубанский край. 1961 г.
Новгород. 1963 г.
Карловы Вары. Чехословакия. 1961 г.
Мурманский край. День рыбака. 1965 г.
В Мурманске. 1966 г.
Салехард. 1966 г.
Венеция. Италия. 1965 г.
Миланский собор. Италия. 1965 г.
Прага. Кремль. Чехословакия. 1966 г.
Енисей. 1966 г.

Картины из собрания ньюйоркского музея Метрополитен - продолжение

ФРАНЦИСКО ХОСЕ ДЕ ГОЙЯ-И-ЛУСЕЕНТЕС (1746-1828). "Бой быков". Холст, масло. 94,4х126,3. Музей Метрополитен.

ПАБЛО ПИКАССО (1881 —1973). Испанская школа. «Женщина в белом». Холст, масло. 99,1x80 Нью-Йорк. Музей Метрополитен

Великий художник двадцатого столетия Пабло Пикассо прошел большой творческий путь. Его первым наставником в искусстве был отец, учитель рисования и мастер декоративных росписей. Пикассо начал рисовать рано, в четырнадцать лет, безупречно владея приемами академического рисунка, он блестяще выдержал экзамен в барселонскую Школу изящных искусств, но скоро покинул ее, пресытившись рисованием с гипсов. Так же быстро он расстался и с мадридской Академией художеств. В 1900 году Пикассо приезжает в Париж. Здесь окреп его талант, сложился его собственный стиль. После знакомства с импрессионистами и попыткой писать картины во французском духе, Пикассо обращается к испанской художественной традиции, к искусству испанских классиков — Эль Греко, Веласкеса, Гойи. В живописных произведениях Пикассо часто варьируется тема гордой нищеты и возвышенного убожества, гротеск сочетается с сарказмом. Реализм его жесток и вместе с тем полон любви к людям. В основе художественного решения его картин лежит принцип созданного воображением образа. Однако художник исходит из реальной сущности людей и предметов, метафорически воплощая их сущность. Полотно «Женщина в белом» написано в середине 1910-х годов, когда после длительного увлечения кубизмом художник вновь обращается к фигуративной живописи. Путешествуя по Италии, Пикассо открывает для себя античность, ее гармонию и совершенство. В этой картине Пикассо изобразил свою жену, русскую балерину Ольгу Хохлову, в поэтическом облике древней гречанки, стремясь выразить в этом портрете дух античной гармонии, ясности и спокойствия

Джошуа Рейнольдс (1723-1792).Английская школа. «Портрет полковника Д. Каусмейкера».Метрополитэн-музей. Нью-Йорк

Джошуа Рейнольдс—ведущий английский портретист второй половины XVIII века — был первым президентом Лондонской Академии художеств, основанной в 1768 году. Произведения Рейнольдса составляют целую галерею представителей английского общества того времени. В традиции официального парадного портрета, сложившиеся еще в XVII веке под влиянием творчества А Ван Дейка, Рейнольде вносит новые черты в понимание человека. Его интересует уже не столько социальное место человека в обществе, пафос утверждения его социальной значимости, сколько личные качества и достоинства. Следуя принципам по­строения парадного портрета, он изображает молодого полковника Каусмейкера в полный рост, подчеркивая тем официальный характер портрета. И в то же время все в картине обнаруживает живость и естественность: свободная, непринужденная поза юноши, жест его руки, склоняющаяся к его ногам лошадь, лижущая его сапоги, кряжистое дерево с пушистой кроной. Юноша показан как бы в минуту отдыха после быстрой езды. Он располагает к себе своей молодостью, энергией, чувством независимости и достоинства, открытым ясным взглядом, душевной мягкостью. В портрете несомненно ощущаются черты романтической трактовки образа, которые получат развитие в следующем столетии.

Эль Греко (Доменико Теотокопули) (1541—1614). Испанская школа. «Вид Толедо в грозу».Холст, масло. 1605—1610 гг.Нью-Йорк, Метрополитэн-музей

Пейзаж Эль Греко «Вид Толедо в грозу» — одно из интереснейших художественных явлений не только в его творчестве, но и в развитии пейзажной живописи. История искусств знает много примеров фантастических, «сочиненных» изображений природы, но нет ни одного, который мог бы сравниться с работой Эль Греко по сложной преломленности действительного мира в иррационально-космический образ. Любимый город художника представлен им не как явь, а как иллюзорное видение, как тревожное и волнующее воспоминание. Толедо затерян среди грозных стихий, он призрачен и беспомощен, безлюден и хрупок. Художник обобщает все формы, лишает материальности горы, растения, дома, яркими и неровными вспышками света сообщая природе драматический характер. Он воплощает этими средствами мысль о неустойчивости, временности всего существующего, о неистовых и всевластных стихиях, господствующих в мире. И вместе с тем, нас покоряет страстность его чувств, их слитность с бушующей грозовой природой. Впервые с такой силой субъективное сопереживание художника подчиняет себе зрительный образ мира, деформируя его ради эмоциональной выразительности картины. И действительно, нас захватывает не реальность увиденных молний, бегущих облаков и стремительных порывов ветра, а реальность восприятия художником грозы, ужас, страх и восторг, ею внушаемые, отражением которых и стал этот странный искаженный облик земли, существующий какие-то несколько мгновений.

.

ДЖОН КОНСТЕБЛ (1776—1837). Английская школа «Собор в Солсбери». Холст, масло. 88Х 111,8. Нью-Йорк. Музей Метрополитен

Один из крупнейших мастеров западноевропейской живописи выдающийся английский художник Констебл утверждал в своем творчестве поэзию реальной природы. Свободной живописной манерой, чистотой тонов, разнообразием оттенков он умел передавать сияние солнечного света и воздушность атмосферы, сочную зелень травы и прохладу, исходящую от тенистого дерева, влажность росы и набухшие каплями дождя облака, полдневный зной и мягкий предзакатный свет, покрывающий розовой дымкой стены готического собора. Творчество Констебла было сродни поэзии его современников Роберта Бернса и Джона Китса. Условным схемам академического искусства он противопоставил непосредственность чувства, яркого поэтического восприятия природы. Одним из первых в европейской живописи он стал работать с натуры: его этюды написаны густыми, пастозными мазками, звучными яркими красками. Творчество Констебла было принято в Англии критиками враждебно, они продолжали порицать художника и после его смерти. Однако во Франции картины Констебла воспринимались восторженно великими художниками-романтиками Жерико и Делакруа. Более позднее поколение французских мастеров реалистического пейзажа Руссо, Дюпре, Коро испытали влияние Констебла.
Мотив готического собора в Солсбери, расположенного на равнине, окруженной вековыми деревьями, много раз был запечатлен художником. Полотно из Музея Метрополитен метафорично передает контраст строгих и легких архитектурных форм, созданных человеком, и воздушность природы, сияние солнечного дня, пронизывающего кружевную резьбу камня, и прохладу тенистой аллеи

Эль Греко (Доменико Теотокопули) (1541-1614).Испанская школа. «Портрет кардинала Ниньо да Гевара». Холст, масло. 1596 г. Нью-Йорк. Метрополитэн-музей

Крупнейший испанский художник XVI века Доменико Теотокопули, по происхождению грек с острова Крита, учился в Италии в мастерской Тициана, испытал также большое влияние искусства Тинторетто, около 1576 года переехал в Испанию, где прожил до конца жизни. Обосновавшись в Толедо, старинном испанском городе, он сблизился с группой толедской интеллигенции и аристократии, чья утонченная духовная культура и мистические настроения оказались родственными в известной степени тем византийским традициям, в которых он вырос на родине.
Портреты Эль Греко составляют одну из самых сильных сторон его дарования. Однако напрасно было бы искать в них той глубины и разносторонности раскрытия характера, того самоутверждения человеческой индивидуальности, которые мы встречаем в портретах художников Возрождения. Трагическая обособленность личности, ее духовно-мистическая озаренность, противопоставленная мирским радостям бытия, составляет их подтекст.Портрет Ниньо да Гевара, кардинала и в будущем великого инквизитора, великолепен остротой характеристики психологического строя модели. Пурпурный цвет кардинальского облачения обладает огромной силой эмоционального внушения. Он подчеркивает значение и содержание образа кардинала, человека большой внутренней силы, но постоянно подавляющего свои страсти и слабости, нетерпимого к себе и другим. Выпрямившись в кресле, как натянутая струна, он как бы всегда находится в этом состоянии напряжения и духовной активности, таящей в себе жестокое неприятие и осуждение всего, что не отвечает его идеалу аскета.

ЖАН-БАТИСТ СИМЕОН ШАРДЕН (1699—1779). Французская школа. «Мыльные пузыри». Холст, масло. 61Х64 Нью-Йорк. Музей Метрополитен

Непревзойденный колорист, великий мастер натюрморта и бытового жанра, Шарден внес в искусство Франции XVIII века совершенно особый мир, связанный духовно с жизнью третьего сословия, из которого вышел и сам художник. Аристократическому искусству рококо с его изяществом, легкостью и жеманством он противопоставил искусство, полное любви к быту простых людей, основанное на изучении натуры. Сотни раз он наблюдал в своем доме сценки мирной жизни вокруг семейного очага, полные тихой радости, овеянные духом святости неторопливой домашней работы. Художник создал образы удивительной чистоты, он воспел поэзию материнской нежности, нравственный смысл воспитания в кругу семьи, красоту размеренных и неторопливых движений женщин, занятых домашним трудом: прачек, кухарок, воспитательниц. Особенно привлекательны детские образы Шардена. Художник удивительно тонко чувствовал непосредственность и очарование малышей, окруженных заботами матери, наставляющей и воспитывающей их. В образах домашних тружениц Шарден открыл особую мудрость, чувство долга, доброту и душевное благородство, соединяющие семью. Мотив картины Музея Метрополитен неоднократно привлекал художника. В играх и развлечениях окружавшие Шардена люди были так же просты и непритязательны, как и в быту. Излюбленным занятием детей прачек было пускание мыльных пузырей. Название картины, которым живописец сопроводил ее, посылая на выставку в Салон, гласило: «Суетные развлечения молодого человека, пускающего мыльные пузыри». Это была дань духу нравоучительности, присущему академическому искусству.

ЯН ВЕРМЕЕР ДЕЛЬФТСКИЙ (1632-1675). "Женщина у окна". Метрополитен Музеум, Нью-Йорк

Другие картины из музея Метрополитен:

Картины из собрания ньюйоркского музея Метрополитен