Питер-Пауль Рубенс (1577—1640)

Художник Питер-Пауль Рубенс (1577—1640). Фламандская школа. «Женский портрет». Государственный музей имени А.С. Пушкина
Художник Питер-Пауль Рубенс (1577—1640). Фламандская школа. «Голова старика». Государственный музей имени А.С. Пушкина
Художник Питер-Пауль Рубенс (1577—1640). Фламандская школа. «Вакханалия». 1615 г. Холст, масло. 0,91х1,07. Государственный музей имени А.С. Пушкина

Питер Пауль Рубенс (1577-1640)

ПИТЕР ПАУЛЬ РУБЕНС (1577—1640) Елена Фоурман в свадебном платье. 1630 Дерево, масло. 164x136 Старая пинакотека. Мюнхен

Годы женитьбы великого Рубенса на юной Елене Фоурман стали временем нового расцвета творчества находившегося уже в зените славы художника. Елена много раз была источником восторженного вдохновения фламандского мастера, покоренного ее необычайной красотой. Превосходные портреты второй жены Рубенса, пленительной, цветущей женщины, приковывают внимание особой одухотворенностью образа и артистизмом живописного исполнения, доведенного до исключительного совершенства.

Избрав на этот раз форму парадного портрета, магией кисти Рубенса превращенного в шедевр подобного жанра, художник сумел передать наряду с торжественной величавостью, наделяющей земное существо чертами богини, также и душевное обаяние модели, нежность и поэтичность ее внутреннего мира. Кажется, Елена излучает счастье и покой, от ее облика веет радостью и полнотой жизни. Картина дышит интимным чувством художника — глубоким и сильным, его восхищением изяществом и юной красотой изображенной.

Старой пинакотеке принадлежит одно из лучших и значительных собраний Рубенса — подлинных шедевров, составляющих гордость музея. Среди них выделяются знаменитые «Автопортрет с Изабеллой Брандт» (1609) и «Елена Фоурман в свадебном платье» (1630).

Искусство Рубенса определило характер целой эпохи, эстетические нормы европейской живописи барокко с ее эффектной декоративностью, драматическим пафосом, наслаждением жизнью. Яркий темперамент художника затронул всю фламандскую школу живописи, идеалы и дух которой сложились под мощным воздействием его универсальной личности. XVII век не знал другой такой титанической фигуры, проявившей себя столь блестяще в различных сферах деятельности, будь то художественное творчество или дипломатическая и придворная карьера. Какие бы жизненные и душевные коллизии ни сопутствовали судьбе Рубенса, его кисть обращала все в ликующее, праздничное зрелище, прославляющее духовную и физическую красоту человека, жизненную энергию окружающего мира.

Питер Пауль Рубенс (1577-1640). Страшный суд. 1617. Холст, 608,5 x 463,5 см.
Питер Пауль Рубенс (1577-1640). Художник с женой Изабеллой Брант на фоне куста жимолости. Около 1609. Холст, 178 x 136,5 см.
Питер Пауль Рубенс (1577-1640). Похищение дочерей Левкиппа. Около 1618. Старая Пинакотека

Античный миф. Братья близнецы Диоскуры (греч. - "сыновья Зевса") - Полидевк (римское - Полукс) и Кастор похитили Фебу и Гилаиру, дочерей Левкиппа, правителя Месении, невест Идаса и Линкея, сыновей царя Арафея. В битве с последними от руки Идаса погиб Кастор, а Полидевк убил Линкея, затем Зевс молнией испепелил Идаса. Не желая пережить брата Полидевк просил Зевса послать ему смерть.
Комбинация картины построена на сплетении фигур, подчинённых в своём расположении общему круговому ритму. Клубок их кажется ещё более динамичным, так как тесно вписан художником в почти квадратное обрамление, которое как бы сдерживает бурное движение группы. Рубенс с упоением пишет обнаженные фигуры, видя в здоровом теле вечный источник силы, радости и наслаждения. Его любимые героини - белокурые румяные фламандки с пышными сильными телами, со здоровым инстинктом чувственности и материнства. Декоративный принцип композиции подчёркивается ярко-красной и золотой тканью, сопоставления тёмных и светлых пятен цвета. Великое мастерство художника проявляется в удивительной свободе и мастерстве рисунка, в непринуждённой импровизации форм, в чувственной осязательной трактовке человеческих фигур. будучи реалистом, Рубенс однако никогда не снижает свой замысел до данровой трактовки, удерживая свои художественные решения на уровне высокого обобщения.

Питер-Пауль Рубенс (1577—1640)

Художник Питер-Пауль Рубенс (1577—1640). Фламандская школа. «Охота на львов». Картинная галерея. Дрезден.

Художник Питер-Пауль Рубенс (1577—1640). Фламандская школа. «Охота на кабана». 1618-20. Дерево, масло. Картинная галерея. Дрезден.

Художник Питер-Пауль Рубенс (1577—1640). Фламандская школа. «Возвращение Дианы с охоты». Картинная галерея. Дрезден.

Художник Питер-Пауль Рубенс (1577—1640). Фламандская школа. «Портрет женщины с белокурыми волосами». 1635-38. Картинная галерея. Дрезден.
Художник Питер-Пауль Рубенс (1577—1640). Фламандская школа. «Меркурий, Аргус и Ио». 1635-38. Картинная галерея. Дрезден.

Пояснение к набору открыток "Акварель и рисунок начала ХХ века в собрании Государственной Третьяковской галереи"

Коллекция графики начала XX века в Государственной Третьяковской галерее насчитывает свыше шести тысяч произведений. В ней представлены рисунки, акварели, гуаши, а также работы, исполненные в других графических техниках.

В истории отечественной графики рубеж XIX—XX столетий — период значительных художественных достижений. Различные жанры и виды графического искусства получили в эти годы эстетическую самостоятельность и завершенность. Отдельные произведения отличались, как правило, высоким художественным уровнем, многообразием материалов и техник. В творческом наследии крупнейших художников эпохи — В. А. Серова, М. А. Врубеля, К. А. Сомова, В. Э. Борисова-Мусатова и других -графика была вполне самостоятельной областью, имеющей свои специфические задачи, хотя и тесно связанной с искусством мастера в целом. Влияние пластической системы графики ощутимо во многих произведениях живописи этой эпохи.

Ярко и убедительно выразительные возможности рисунка, его эстетическое своеобразие проявились в творчестве В. А. Серова. Листам Серова свойственны выразительность силуэта, эстетизация предельно лаконичной, как бы незавершенной линии контура. Блеском, утонченным артистизмом отличается портретная графика художника: монументальные рисунки углем, камерные акварельные портреты («Портрет С. М. Лукомской»). Несомненно воздействие графической концепции Серова на его живописные произведения позднего периода.

Полны экспрессии, обостренной эмоциональности произведения М. А. Врубеля-рисовальщика. В некоторых его листах ощутимо влияние системы рисунка известного педагога П. П. Чистякова. Объем предметов в них мыслится как результат пересечения плоскостей. Отсюда некоторая граненость форм, иногда орнаментальная красота штриха в рисунках раннего периода творчества художника. Рисунки последних лет отличаются большей простотой, безыскусственностью отношения к натуре. Но неизменными остаются присущие Врубелю-рисовальщику черты: напряженная экспрессия, стремление к анализу и обобщению, выявление в пластике рисунка глубинной сути предметов и явлений.

Многообразно пластические свойства графики проявились в творчестве участников крупнейшего художественного объединения начала XX века «Мир искусства». Станковые произведения А. Н. Бенуа, М. В. Добужинского, Е. Е. Лансере, Л. С. Бакста, отчасти К. А. Сомова в большинстве случаев представляют собой своеобразный сплав живописи и графики. Это работы, исполненные на бумаге или картоне в различных графических техниках. Масляным краскам с их яркостью и блеском художники предпочитали нежные тона акварели, мягкость переходов пастели, благородную матовость темперы.

Более важно отметить (помимо предпочтительного использования тех или иных материалов и техники), что сама художественная пластика произведений участников «Мира искусства» зиждется на графической основе. Им присущи экспрессия силуэтов, выразительность контура, четкий ритм и подчеркнутая орнаментальность линейного узора.

Серьезное внимание уделяли мирискусники одному из важнейших видов графики — книжной иллюстрации и оформлению книги. Бенуа первым сформулировал необходимость единого, целостного решения всех компонентов книги: иллюстраций, обложки, шрифтов. Работы мирискусников в области книжной графики чрезвычайно повысили уровень и культуру книжного дела в России.

Близки стилистике «Мира искусства» рисунки и цветная графика (акварели, гуаши) Б. М. Кустодиева, 3. Е. Серебряковой, Ф. А. Малявина, А. П. Рябушкина. Общей чертой образного строя произведений этих художников была поэтизация традиционного крестьянского уклада русской жизни, увлечение национально-своеобразными особенностями лиц, одежды, пейзажа («Ярмарка» Кустодиева).

Особая область в графическом наследии начала XX века — рисунки и акварели с эскизами театральных костюмов и декораций, оформление оперных, балетных, драматических спектаклей тех лет. Театру отдали дань крупнейшие художники начала века: К. А. Коровин, А. Я. Головин, Л. С. Бакст, Н. Н. Сапунов и другие. Ими был создан новый, ранее небывалый тип театрального представления, в котором художник выступал не как декоратор, послушный воле режиссера, но как полновластный соавтор всей художественной концепции спектакля.

Одна из характерных особенностей художественной культуры начала XX столетия (в том числе и графики) -обращение мастеров современности к самым разнообразным традициям, питающим их творчество. Именно в те годы началось глубокое освоение древнерусского искусства, пробудился интерес к сфере изобразительного фольклора.

Воздействие эстетики художественного примитива ощутимо в графике Н. П. Крымова. Простота, бесхитростность мотива сочетаются у Крымова со сложной, порой изощренной разработкой фактуры листа (серия «Гроза»).

Творчество таких художников, как С. В. Герасимов, Н. П. Ульянов, наиболее полного развития достигло в советский период. Но уже в их ранней, дооктябрьской графике вполне отчетливо видны индивидуальные черты. В «Портрете писателя А. Н. Толстого» работы Н. П. Ульянова ясно ощущается влияние традиций портретной графики В. А. Серова с ее приматом линейного контура -влияние, определившее во многом все дальнейшее творчество Ульянова. В акварелях молодого С. В. Герасимова («Можайские ряды») угадывается будущий живописец крестьянской темы, замечательный мастер подмосковного пейзажа.

Одним из самых значительных явлений в живописи предреволюционных лет было творчество К. С. Петрова-Вод-кина. Существенную и важную грань наследия художника представляют его рисунки. Для них характерны строгое мастерство, крепость формы, выверенность и точность линии. Выразительные возможности рисунка лежат в основе многих произведений художника, особенно тех, в которых воплотились свойственные ему тенденции к искусству монументальному, искусству большого стиля.

Коллекция рисунка и акварели начала XX столетия в Государственной Третьяковской галерее отличается многообразием, полнотой, высоким художественным уровнем, она дает представление о всех видах, жанрах, специфических особенностях графики этого периода. Произведения, хранящиеся в галерее, наглядно свидетельствуют о том, что графике принадлежит достойное место в ряду высоких духовных ценностей русской культуры рубежа столетий.

М. Немировская

СМ. ТАКЖЕ:

М.В. Добужинский (из набора "Акварель и рисунок начала ХХ века в собрании Государственной Третьяковской галереи")

Л.С.Бакст (из набора "Акварель и рисунок начала ХХ века в собрании Государственной Третьяковской галереи")

К.С. Петров-Водкин (из набора "Акварель и рисунок начала ХХ века в собрании Государственной Третьяковской галереи")

С. В. ГЕРАСИМОВ (из набора "Акварель и рисунок начала ХХ века в собрании Государственной Третьяковской галереи")

Серебрякова З.Е. (из набора "Акварель и рисунок начала ХХ века в собрании Государственной Третьяковской галереи")

А.Я. Головин (из набора "Акварель и рисунок начала ХХ века в собрании Государственной Третьяковской галереи")

М.А. Врубель (из набора "Акварель и рисунок начала ХХ века в собрании Государственной Третьяковской галереи")

Серов В.А. (из набора "Акварель и рисунок начала ХХ века в собрании Государственной Третьяковской галереи")

Н.П. Крымов (из набора "Акварель и рисунок начала ХХ века в собрании Государственной Третьяковской галереи")

Н.П. Ульянов (из набора "Акварель и рисунок начала ХХ века в собрании Государственной Третьяковской галереи")

В. Э. БОРИСОВ-МУСАТОВ (из набора "Акварель и рисунок начала ХХ века в собрании Государственной Третьяковской галереи")

 

 

М.В. Добужинский (из набора "Акварель и рисунок начала ХХ века в собрании Государственной Третьяковской галереи")

М. В. ДОБУЖИНСКИЙ (1875—1957). Человек в очках. Портрет Константина Александровича Сюннерберга. 1905—1906. Бумага на картоне, акварель, уголь, белила. 63,3 X 99,6. Государственная Третьяковская галерея

Подлинным художником города среди участников объединения «Мир искусства» был Мстислав Валерианович Добужинский. Но город Добужинского не похож на величаво-прекрасную Северную Пальмиру А. Н. Бенуа или А. П. Остроумовой-Лебедевой. Его Петербург — это скопище уродливых или подчеркнуто-прозаичных зданий, мир, глубоко враждебный человеку. Здесь, на его улицах, он особенно остро чувствует свое одиночество и отчужденность.

«Человек в очках» — портрет художественного критика и поэта К. А. Сюннерберга (1871—1942), выступавшего в печати под псевдонимом Константин Эрберг. Антитеза «Город и человек» воплотилась в этом произведении с программной четкостью и определенностью. Городское предместье, где в унылом беспорядке чередуются огороды, заводские трубы, доходные дома, кажется бесконечным. Мрачные стены заслоняют горизонт, оставляя человеку тесное пространство перед окном. Печальный, узкоплечий, кабинетного склада человек в очках повернулся к городу спиной. Но хрупкое стекло не может быть защитой от враждебного, обступившего со всех сторон города, символа бездушной цивилизации. В основе изобразительной пластики «Человека в очках», как и в других работах Добужинского, лежат выразительность силуэтов, четкий ритм контуров линейного рисунка

Сомов К.А.(из набора "Акварель и рисунок начала ХХ века в собрании Государственной Третьяковской галереи")

К. А. СОМОВ (1869—1939). Радуга. 1908. Бумага на ткани, акварель, гуашь. 38 X 51. Государственная Третьяковская галерея

Константин Андреевич Сомов — видный представитель художественного объединения «Мир искусства». Он является автором известных живописных и графических портретов («Дама в голубом», «Портрет А. А. Блока»), пейзажей. Излюбленные герои Сомова -- персонажи итальянской комедии масок, дамы в кринолинах, с высокими прическами, кавалеры в камзолах и пудреных париках, обитающие в XVIII столетии, русском или французском. Произведения Сомова проникнуты ностальгией по ушедшим временам, в них отчетливо слышны ноты иронии, усталости и скепсиса. И лишь его пейзажи отличаются совсем иным характером. Здесь Сомов предстает художником, способным воспринимать окружающий мир чутко и непосредственно, радостно наслаждаться красотой природы.

В «Радуге» изображен типичный русский пейзаж (не столь уж частый у Сомова): синяя полоска ручья в поле, дальние перелески, двойная дуга света на влажных облаках. Свежо и чисто звучат краски акварели, лист пронизан трепетным чувством полноты и целостности жизни природы

Л.С.Бакст (из набора "Акварель и рисунок начала ХХ века в собрании Государственной Третьяковской галереи")

Л. С. БАКСТ (1866—1924). Саломея. Эскиз костюма для «Танца семи покрывал». 1908.Бумага, акварель, графитный карандаш, бронзовый и алюминиевый порошки. 46,9 X 30,3. Государственная Третьяковская галерея

Имя Льва Самойловича Бакста, одного из представителей старшего поколения «Мира искусства», неразрывно связано с историей русского театрально-декорационного искусства. Талант Бакста-сценографа с ослепительным блеском развернулся в балетной антрепризе С. П. Дягилева во времена Русских сезонов в Париже в первые десятилетия XX века. Мировую известность снискал Бакст оформлением балетов «Видение розы», «Шехеразада», «Послеполуденный отдых фавна».
Эскиз костюма для Саломеи, исполняющей «Танец семи покрывал» в одноименной пьесе О. Уайльда, относится к периоду сотрудничества Бакста с В. Э. Мейерхольдом в Петербурге. Этот лист — одно из совершенных созданий художника и очень для него характерное. Безудержная фантазия, изобретательность в изображении деталей сочетаются здесь с изысканным вкусом, декоративной красочностью целого. Поза, жесты Саломеи, очертания ее причудливо развевающихся одежд воплощают утонченную музыкальную ритмику балета (композитор А. К. Глазунов, балетмейстер М. М. Фокин). В «Саломее» Бакста, задуманной как эскиз танцевального костюма, дана убедительная и своеобразная интерпретация сценического образа героини пьесы О. Уайльда

К.С. Петров-Водкин (из набора "Акварель и рисунок начала ХХ века в собрании Государственной Третьяковской галереи")

К. С. ПЕТРОВ-ВОДКИН (1878—1939). Женская голова. 1912. Бумага, акварель, прессованный уголь. 33,8X24,2. Государственная Третьяковская галерея

Кузьма Сергеевич Петров-Водкин — одна из наиболее крупных фигур в русском искусстве предреволюционных лет. В его произведениях этого периода элементы символизма, стилистика модерна сочетаются с ориентацией на традиции мастеров Возрождения, глубинной связью с идеалами древнерусского искусства. Монументальностью и силой, утверждением народных, национальных идеалов прекрасного отмечены, в первую очередь, живописные произведения 1910-х годов — «Купанье красного коня», «Мать», «Девушки на Волге».

Подлинным шедевром графики Петрова-Водкина можно считать рисунок «Женская голова» — этюд к картине «Мать» (1915. Государственный Русский музей). С редкой силой воплощен в этом листе образ женщины-матери — один из центральных в творчестве художника. В композиционном строе рисунка преобладают гармоничные очертания овалов. Их стройному ритму подчинены линии косынки, подбородка женщины, абрис ее рта и крыльев носа. Музыкальная ритмика линий смягчает строгую скульптурность лепки лица, вносит в него дыхание жизни. Оранжевый цвет косынки усиливает ощущение тепла, одушевления, которыми проникнут женский образ в этом замечательном произведении. В нем найден убедительный сплав образных реминисценций, восходящих к древнерусской иконописи, и живых примет красоты реального типа русской женщины-крестьянки