Показаны сообщения с ярлыком Остроумова-Лебедева. Показать все сообщения
Показаны сообщения с ярлыком Остроумова-Лебедева. Показать все сообщения

четверг, 26 января 2012 г.

Анна Петровна Остроумова-Лебедева (1871-1955) - "Бобби"

Анна Остроумова-Лебедева (1871-1955). Бобби. Линогравюра  на рисовой бумаге. 37,8 х 27,3 см. Исполнено в 1925 году - Anna Ostroumova-Lebedeva (1871-1955). Bobbi . Linocut in black, greenish-grey and pink on Japan paper with mica. 37.8 x 27.3 cm. 1925

Анна Петровна Остроумова-Лебедева (1871-1955). Бобби на веранде. Карандаш, серый смывка и акварель на бумаге. 16,2 х 21,3 см. 1920-е - Anna Ostroumova-Lebedeva (1871-1955). Bobbi on the veranda . Pencil, grey wash and watercolor on paper. 16.2 x 21.3 cm
Бывает, что  домашние любимцы становятся причиной аллергических заболеваний у людей, особенно - у детей. Специалисты именно домашних питомцев считают аллеггенами первой категории. Первым признаком аллергической реакции является раздражение кожных покровов или слизистой оболочки, что очень неприятно. Поэтому прежде чем, как привести животное в дом не лишне проверить насколько это безопасно для живущих там людей,особенно детей. Как и почему это нужно делать, а также как справится с этой проблемой рассказывает специальная отрасль медицины - аллергология.  

суббота, 14 января 2012 г.

Петербург на картинах А.П. Остроумовой-Лебедевой

Анна Петровна Остроумова-Лебедева (1871-1955). Летний сад. Гравюра напечатана с четырех блоков на бумаге. 35,9 х 23,5 см - Anna Ostroumova-Lebedeva (1871-1955). Summer garden . Woodcut printed with four blocks on wove paper. 35.9 x 23.5 cm

Анна Петровна Остроумова-Лебедева (1871-1955). Осень в Петрограде. Холст, масло. 25,4 х 40,7 см.Исполнено в 1916 году - Anna Ostroumova-Lebedeva (1871-1955). Autumn in St Petersburg. Oil on canvas. 25.4 x 40.7 cm. 1916 
Со времени создания картины прошло около ста лет и Петербург с тех пор успел не только трижды поменять название, но и значительно вырос. Многочисленные исторические места, музеи и незабываемая архитектура привлекают в него миллионы туристов, перед которыми встаёт вопрос где остановиться? в Петербурге. Реальное решение - посуточный съём квартир без посредников.

среда, 28 июля 2010 г.

А.П. Остроумова-Лебедева (1871-1955). «Сеговия. Вид на Альказар»

Художник А.П. Остроумова-Лебедева (1871-1955).  
«Сеговия. Вид на Альказар». 1915 г. 
Бумага на полотне, гуашь, карандаш. 51,8х75,3 см.  
Государственная Третьяковская галерея. Русская школа

A. Ostroumova-Lebedeva (1871-1955)
Segovia. View of the Alcazar. 1915
Gouache, ptncil on paper pasted on canvas. 51,8х75,3 cm.
The Tretyakov Gallery

См. также:

Остроумова-Лебедева, Анна Петровна, русский живописец и гравер

Анна Петровна Остроумова-Лебедева - живописец и гравер

Остроумова-Лебедева, Анна Петровна, русский живописец и гравер (продолжение)

пятница, 1 февраля 2008 г.

Сомов Константин Андреевич (продолжение)


Константин Андреевич Сомов был одним из виднейших представителей «Мира искусства» — русского художественного течения конца XIX — начала XX века. Объединяя преимущественно людей даровитых, желанием которых было внести искусство в быт, работал во всех областях, где нужен вкус и глаз художника, мирискусники много сделали для русской культуры. Их работы в книге, прикладном и декоративном искусстве, в художественной промышленности заслужили признание. Но идейные установки мирискусников, часто противоречившие их творческой практике, отнюдь не были прогрессивны. Отказываясь от социальной темы в искусстве и открыто противопоставляя себя передвижничеству, они разрушали преемственность демократических традиций в русском искусстве.
К. А. Сомов родился в Петербурге в 1869 году в семье, принадлежащей к интеллигенции. Его отец, А. И. Сомов, хранитель Эрмитажа, знаток искусства и коллекционер, сам немного рисовал и писал, мать была талантливой музыкантшей и певицей. В детстве и юности Константин Сомов одинаково увлекался изобразительным искусством, музыкой и театром. В гимназические годы он брал частные уроки рисования и живописи, посещал рисовальные классы Общества поощрения художеств. Тогда же он сблизился с будущими членами «Мира искусства»: с Александром Бенуа, Л. Бакстом, Е. Лансере, А. Остроумовой-Лебедевой.
В 1888 году К. Сомов поступил в Академию художеств, где наибольшее значение для него имели занятия в мастерской Ильи Ефимовича Репина. Репин считал К. Сомова способным учеником.
В 1896 году друзья Сомова уезжают в Париж, и художник, не вполне закончив курс, уходит из Академии и две зимы живет во Франции. Там он почти все время отдает работе и возвращается в Россию вполне сложившимся художником.
Как и другие представители «Мира искусств», К. А. Сомов чрезвычайно разносторонний мастер. Он пишет портреты, пейзажи, жанровые картины, работает в книжной графике и оформлении книги, в театре, делает статуэтки, рисует узоры для вышивок и ювелирных украшений и все это с большим вкусом и артистизмом.
В ранних работах Сомова преобладают композиционная ясность, уравновешенность цвета. В 90-е годы он создает ряд портретов близких ему людей: портреты матери, отца, сестры и других. В портретах есть пристальное внимание к внутреннему миру человека и сочувственное отношение к нему.
Со временем Сомов все больше стремится к творческому преобразованию увиденного, к более явному выражению своей индивидуальности. Это сказалось и в портретах, написанных им после 1910 года. По-прежнему Сомов — чуткий, внимательный наблюдатель, но теперь он нередко подчиняет образы людей своему настроению, обычно меланхолическому. Иногда мастер стилизует портреты «под старину».
Но случается, что и сама модель соответствует его замыслу. Блестящим образцом подобного портрета и, может быть, вершиной творчества Сомова является «Дама в голубом платье» (Портрет художницы Е. М. Мартыновой, 1897—1900). Это портрет глубоко психологический и поэтичный, многоплановый и сложный. Он был задуман как романтический портрет-картина в стиле первой половины XIX века. Внешняя декоративность фона, одежды, позы контрастирует с глубоким внутренним драматизмом образа. Несмотря :на атрибуты прошлого, портрет современен. Пейзаж усиливает настроение печали и внутренней надломленности молодой женщины. Выполненный в традициях старой живописи, портрет Мартыновой отличается совершенством композиции, рисунка, красотой цвета.
В одном из своих более поздних портретов— в «Портрете композитора С. В. Рахманинова» (1925) Сомов прежде всего подчеркивает высокую интеллектуальность великого музыканта. Пейзажный фон эмоционально обогащает портрет. Беспокойная пестрота листвы усиливает внутреннюю динамичность картины. Голова композитора с резкими чертами лица вылеплена крепко, легко, энергично. Прекрасно изображена и одежда, написанная более широкими мазками. В портрете Рахманинова как бы собраны достижения Сомова в области портретного искусства разных периодов его творчества. Здесь он возвращается к простоте ранних портретов, но сочетает ее с предельно отточенным рисунком, с чистотой и декоративной приподнятостью цвета и с более крепкой композиционной построенностью.
Глубокое понимание натуры художник проявляет и в своих пейзажах, которым, когда бы они ни были созданы, присуща какая-то особая нежность и музыкальность. Просты и безыскусственны, исполнены меланхолического настроения и умиротворенности его более ранние пейзажи, выполненные с натуры в 1890— 1900 годы. Это портреты уголков природы, сделанные чутким мастером и тонким лириком. И позже пейзажи остаются поэтичными, хотя и делаются более декоративными и графически утонченными. В них остаются грусть, особая бережность в отношении к природе. Со временем Сомов все дальше отходит от работы с натуры и дает все больше свободы воображению. Художник «сочиняет» пейзажи, создает пейзажные композиции. Для Сомова природа становится средством выражения его личных настроений. В этих работах художник широко использует эмоциональное воздействие цвета, декоративно обобщает его и делает более звучным. С особым вниманием он относится к линии, оттачивает ее с тщательностью и предельной точностью. Иногда в пейзажи вводятся фигуры людей, которые часто не играют самостоятельной роли, а лишь дополняют, поддерживают настроение природы.
Велика роль пейзажа в жанровых произведениях Сомова. Его жанры настолько индивидуальны, что само понятие «творчество Сомова» обычно связывают именно с жанровыми работами мастера. Образы его картин нередко навеяны живописью; музыкой и литературой XVIII века, а также рассказами о русской старине, знакомыми ему с детства. Искусство рококо привлекает Сомова легкостью и (изысканностью чувств и декоративностью живописи. В жанрах художник не стремится ни к исторической, ни к бытовой достоверности. Это импровизации на темы литературных, художественных и музыкальных впечатлений, которые передают мысли и чувства человека начала XX века. Как правило, его жанры — интимны.
К числу подобных жанровых композиций принадлежит картина «Арлекин и дама» (1912), относящаяся к серии «Фейерверки». Произведение романтично и празднично. Действие протекает словно на сценической площадке, замкнутой кулисами и задником. Художник не стирает грани между маскарадом и действительностью. В этой декоративной, в основе, работе есть характерная для многих жанров Сомова недосказанность. Построенная на контрастах и повторах композиция обладает большим ритмическим разнообразием, гармонической уравновешенностью и слитностью всех частей. Строгая вертикаль левого боскета и прямые линии обрамления водоема контрастируют со сложной и изысканной линией силуэта фигур, дополняя друг друга. Великолепная красочная гамма картины построена на сочетании звучных, насыщенных, пряных цветов.
Композиции его жанровых работ нередко напоминают декоративные панно.
Если для более ранних жанровых произведений Сомова характерна широта мазка, то позже он часто увлекается миниатюрные письмом, графической четкостью в изображении деталей, иногда стилизует под старые живописные приемы.
Очень много и серьезно занимался Сомов книжной графикой. Он оформлял книги, делал иллюстрации, воспринимая книгу как цельное произведение искусства. Здесь, как и в жанре, особенно ярко выразились большая культура, утонченность творчества Сомова.
Константин Андреевич Сомов проявлял огромную требовательность к своей работе. Александр Бенуа вспоминал о том, как Сомов иногда часами сидел над одной линией, добиваясь ее особой выразительности.
До последних лет жизни Сомов сохранил верность руки и глаза, но произведений, равных его работам 1900-х—1920-х годов, уже не создал.
Умер К. А. Сомов во Франции в 1939 году.
И. Дорогоневская
Автопортрет. 1902 г. Карандаш. Государственная Третьяковская галерея
Вечерняя дорога. Акварель. 1896 г. Государственная Третьяковская галерея
Портрет С.В. Рахманинова. 1925 г. Холст, масло. 63,7х51,6 Государственный Русский музей
Портрет А.А. Блока, 1907 г. Цветной карандаш, гуашь. Государственная Третьяковская галерея
Портрет А.П. Остроумовой-Лебедевой. 1901 г. Государственный Русский музей
Портрет А.П. Остроумовой-Лебедевой. 1909 г. Частное собрание. Ленинград
Детский портрет. 1896 г. Государственный Русский музей
В парке. 1896 г. Акварель. Государственная Третьяковская галерея
Бенуа и Бакст. Набросок с натуры. 1896 г. Бумага, акварель. 37,3х22,2 см. Государственная Третьяковская галерея
Грусть. 1919 г. Частное собрание. Ленинград
Пейзаж ( Лето. Вечерние тени. Радуга) 1900 г. Масло, холст. 58х71. Государственный Русский музей

пятница, 23 ноября 2007 г.

Остроумова-Лебедева, Анна Петровна, русский живописец и гравер (продолжение)

В 1971 году исполняется сто лет со дня рождения известной русской художницы Анны Петровны Остроумовой-Лебедевой (1871—1955).
Начав профессиональное образование в художествен­но-промышленном училище Штиглица, продолжив его в Академии художеств, в классах И. Е. Репина и В. В. Матэ, Остроумова-Лебедева избрала для себя в искусстве путь гравера. Это был смелый и очень ответственный шаг, если вспомнить, насколько трудна работа ксилографа, и если представить себе состояние деревянной гравюры того времени.
Ко второй половине XIX века ксилография уже утрати­ла значение самостоятельного вида искусства и существова­ла, в основном, как способ репродуцирования. Гравер становился зависимым от воспроизводимого оригинала, утрачивая свой собственный язык. Поэтому, когда появи­лись фотомеханические способы печати, гравюра оказа­лась под угрозой гибели. На рубеже XIXXX веков Остроумова-Лебедева возродила русскую ксилографию к жизни, заставив ее говорить на своем собственном языке, высокохудожественном и эмоционально выразительном. Особенно значительны заслуги художницы в области цветного эстампа. Здесь колористический дар Остроумо­вой соединился с ее тяготением к композиционной стро­гости и изысканности рисунка. В этом плане много дали художнице занятия в мастерской Уистлера в Париже. Сближение с группой молодых художников, будущих основателей объединения «Мир искусства», их личная дру­жба и общность творческих интересов имели решающее воздействие на вкусы Остроумовой.
Выступив как новатор в области деревянной гравюры, Остроумова создала свой собственный стиль в ксилографии, определив своим творчеством пути ее развития в России в начале XX века. Язык гравюр ее всегда эмоционален, ясен и строг. Она прекрасно владела выразительностью силуэта, ритмом линий, контрастами черного и белого, обобщенными цветовыми плоскостями. Годы, отданные гравюре, воспитали глаз и руку художницы, приучили к композиционной строгости, отточенности формы, к лаконизму и обобщенности художественного языка.
Вторым творческим увлечением художницы была акварельная живопись. Остроумову можно считать одним из ведущих мастеров акварели начала XX века.
Гравюра и акварель - две грани художественного дарования Остроумовой. Они взаимно вдохновляли и обогащали друг друга. Акварель давала возможность самого непосредственного общения с натурой, помогая уловить трепет жизни в тончайших цветовых соотношениях, не утрачивая полноты живописного восприятия мира. Гравю­ра учила осмысленному синтезу первых натурных впечат­лений. Несомненно, работа в гравюре наложила отпечаток на стиль и характер акварельной живописи Остроумовой. Все, что ценила художница в деревянной гравюре — сжа­тость и краткость выражения, немногословие, беспощад­ную определенность и четкость линий, — все это, безусловно, сказалось и в ее акварельной манере.
В отличие от многих своих современников, Остроумова хранила в чистоте акварельную технику, находя привлекательность акварели «в легкости и стремительности мазка, в быстром беге кисти, в прозрачности и яркости красок». Акварель была постоянной спутницей в путешествиях Остроумовой. Так возникли большие циклы, посвященные Финляндии, Италии, Голландии, Испании, Крыму и Кавказу.
Первые пробы в акварели были связаны с подготовкой цветной ксилографии. Остроумова делала карандашные рисунки, подцвечивая их акварелью. Раскладывая цвет на составные части, расчленяя его для каждой отдельной доски, художница искала единого цветового ключа, отбрасывая случайное и нехарактерное. Поэтому ранние листы, такие, как акварели, написанные в Финляндии (1908), очень графичны и их язык близок языку цветной гравюры. С 1910-х годов художница особенно много работает в акварели. В это время рождаются великолепные листы из путешествий по Италии (1911), Голландии (1913) и Испании (1914). Постепенно меняется акварельная манера Остроумовой. От графичности ранних работ она переходит к чистой живописи цветом. Ее палитра становится богаче, а мазок шире и сочнее.
Как в гравюре, так и в акварели, главной темой Остроумовой был городской пейзаж. Ей удивительно точно удавалось угадывать характер города в едва уловимом ритме архитектурных форм, в определенном, только ему присущем колорите. Каждый ее цикл отличается своеобразным цветовым решением. В дневниковых записях художница оставляла «литературные портреты» тех мест, в которых бывала. В них — необыкновенная точность найденных слов, совпадающих с ее живописными образами.
Тихо глядит в зеркало каналов Венеция, погруженная в легкую туманную дымку. Черное кружево рисунка, набросанного бархатистым итальянским карандашом, в сочетании с тончайшими градациями серого создает изысканную серебристо-жемчужную гамму, благородную и сдержанную.
Совсем по-иному выглядит Амстердам — в черно-коричневой гамме, с черепичными крышами домов, с темно-зелеными купами деревьев вдоль каналов — город с размеренным укладом жизни, тихий и уютный.
По-настоящему живописный темперамент художницы раскрылся в акварелях испанского цикла, написанных с особой полнозвучностью, в мажорном цветовом ключе. Испания — выжженная зноем, с медно-красными реками, песчаными откосами, сине-зелеными рощами олив — образ вечной природы, суровой и могучей.
Но, пожалуй, самым близким художнице был образ ее родного города — Петербурга—Петрограда—Ленинграда. Эта тема проходит лейтмотивом через все творчество Остроумовой с первых ее шагов в искусстве до последних дней. Она увидела его по-своему, по-остроумовски, воссоздала своим, особым языком. Она сумела заглянуть в душу этого города, строгого и изысканного в своей красоте, сумела понять его характер в созданных природой и человеком ритмах и цветовых соотношениях, почувствовать его настроение в разное время года. В гравюрах и акварелях Остроумовой проходит перед нами образ города в разные периоды его жизни. Петербург белых ночей, загадочный, подернутый прозрачной пеленой, близкий пушкинской поэзии. Таким мы видим его в ранних гравюрах 1910-х годов. Здесь и Летний сад зимой с прихотливым узорочьем черных ветвей, и каналы, отражающие кружево решеток. В этих листах — торжественность и строгость северного города, его вечная, непреходящая красота. Революционный Петроград, праздничный и мажорный, Ленинград зимний, опушенный розоватым инеем, и весенний, тающий в лиловатой дымке распускающихся деревьев.
Будучи по своему природному дару пейзажистом, Остроумова пробовала свои силы в портрете. В 1930-х годах она создала галерею портретов художников, артистов, писателей, людей творческого труда. Но все-таки ярче всего остроумовский талант раскрылся именно в городском пейзаже, с его внутренней организацией. Даже в чистом пейзаже Остроумова всегда подчеркивает архитектонику и упорядоченность природы. Таковы акварельные листы, написанные в любимом ею Павловске. Они стали классическими, составив особую лирическую тему в творчестве художницы.
Остроумова-Лебедева прожила долгую жизнь в искусстве. Начав творческий путь в самом начале нашего века с художниками «Мира искусства», она встретила Октябрьскую революцию зрелым мастером, продолжая активно работать. В тяжелые дни ленинградской блокады Остроумова-Лебедева не покидала родного города, работая в это время над своими «Автобиографическими записками». Она закончила свой путь признанным мастером советского искусства, народным художником РСФСР. Более полувека отдала художница творчеству, оставив людям искусство, полное мужества и большой поэзии.
Е. Плотникова


Колонны Казанского собора. 1903 г. Государственный Русский музей
Ленинград. Острова Кирова ранней весной. 1937 г. Акварель, бумага. 62х47 см. Государственный Русский музей
Пункахарну. Два островка и берёзки. 1908 г. Акварель. Государственный Русский музей
Весенний мотив. 1904. Гравюра на дереве.
Летний сад зимой. 1902 г. Гравюра на дереве
Сеговия. Вид на Альказар (Испания) 1915 г. Акварель, гуашь. Государственная Третьяковская галерея
Финляндия под голубым небом. 1900. Гравюра на дереве.
Горный институт. 1909 г. Государственный Русский музей
Вид на Кисловодск. Акварель. 1923 г. Государственный музей изобразительных искусств им. А.С. Пушкина
Ленинград. Вид с Троицкого (ныне Кировского) моста. 1926 г. Государственный Русский музей
Павловск. 1945 г. Акварель. Калининская областная картинная галерея
Павловск. Вольер. 1922 г. Акварель, бумага. 34х50. Государственный Русский музей

понедельник, 22 октября 2007 г.

Анна Петровна Остроумова-Лебедева - живописец и гравер

Демонстрация на стрелке Васильевского острова 1 Ма 1917 г. 1917 г. Акварель. Государственный Русский музей
Похороны жертв революции. 1917 года. 1917 г. акварель, граф. карандаш. 22,1х48,6 см. ГТГ
Портрет артист И.В. Ершова. 1923. Акварель. Государственный русский музей
Венеция. 1911 г. Черный кар. 45,6х32,3. Государственный Русский музей
Венеция. Большой канал. Стоянка гондол. 1911. Акварель. Государственный русский музей
Сеговия. Вид на Альказар. 1915. Акварель. Государственная Третьяковская галерея
Флоренция. Государственная Третьяковская галерея
Амстердам. 1913. Акварель. Государственная Третьяковская галерея
Порт Амстердама. Государственная картинная галерея Армении (Ереван)
Каркассон. Городские ворота. 1914. Акварель. Государственный русский музей

Другие работы художницы тут:

Остроумова-Лебедева, Анна Петровна, русский живописец и гравер

суббота, 20 октября 2007 г.

Остроумова-Лебедева, Анна Петровна, русский живописец и гравер

Анна Петровна Остроумова-Лебедева (1871-1955 гг.), живописец и гравер, родилась в Петербурге. После гимназии училась в училище Штиглица, в 1892 году поступила в Академию художеств. В 1900 году окончила Академию художеств по гравюре, пройдя курс гравюры у В. В. Матэ и живописи у И. Е.Репина. Перед окончанием Академии художеств в течение года (1898 - 1899) жила в Париже, где обучалась живописи у Д. Уистлера и изучала западноевропейскую и японскую гравюру на дереве.

С 1900 года до последних лет жизни А. П. Остроумова-Лебедева выставляла свои произведения на художественных выставках во многих городах России, участвовала также на многих заграничных выставках.
А. П. Остроумова-Лебедева внесла ценный вклад в историю русского искусства, заново раскрыв художественные возможности оригинальной черной деревянной гравюры, ставшей в конце XIX века репродукционной, положила начало цветной гравюре на дереве и цветной литографии и создала значительные произведения в области акварели, к которой перешла от масляной живописи.
Народный художник РСФСР (1946), действительный член Академии художеств СССР (1949). её работы хранятся в Государственной Третьяковской галерее, Государственном Русском музее, Государственном музее изобразительных искусств имени А.С. Пушкина, Государственном музее А.С. ПушкинаЮ музеях Астрахани, Кирова, Саратова и других.


Ростральная колонна. 1912 г. Государственный Русский музей
Решетка Летнего сада. 1909 г. Государственный Русский музей
Адмиралтейство под снегом. 1909 г. Гравюра на дереве. Государственный Русский музей
Адмиралтейство и Сенат. Акварель. 1907 г. Государственная Третьяковская галерея
Екатерининский канал. 19010 г. Гравюра на дереве. 1910 г.
Петропавловская крепость ночью. 1946 г. Государственный Русский музей
Марсово поле. 1922 г. Государственная Третьяковская галерея
Летний сад в инее. 1929 г. Цветная гравюра на дереве. Государственный Русский музей
Иней и Инженерный замок. 1929 г. Акварель. Государственный Русский музей
Крюков канал. 1910 г. Гравюра на дереве. Государственный Русский музей
Колоннны биржи и крепость. 1908 г. Государственный Русский музей