ЯКОПО РОБУСТИ, прозванный ТИНТОРЕТТО (1518 - 1594) - БИЧЕВАНИЕ ХРИСТА

ЯКОПО РОБУСТИ, прозванный ТИНТОРЕТТО (1518 - 1594). БИЧЕВАНИЕ ХРИСТА. Холст, масло. 185 x 128,5 см. Написано около 1555 г. или позже. галерея Пражского града

JACOPO ROBUSTI zv. TINTORETTO (1518 - 1594), BIČOVÁNÍ KRISTA. Olej na plátně. 165 x 128,5. Kolem 1555 nebo později. — Obraz, zakoupený z buekinghamské sbírky r. 1648, měl původně čtvercový formát širší byl zejména vlevo, kde zůstaly z figur neorganické fragmenty. Světelným problémům jsou podřízeny otázky barevné ve smyslu zralého stylu Tintorettova, který tu odvážně řešil problém umělého osvětlení. Výjev má naléhavost vzrušené vize a prozrazuje svého autora nejen typem Krista, ale také jistotou široké energické malby vytvářené velkorysými křivkami štětcových tahů. Obraz náleží к nejvýznamnějším dílům, která se ze staré obrazárny 17. stol. na Pražském hradě dodnes dochovala. 

 ЯКОПО РОБУСТИ, прозванный ТИНТОРЕТТО (1518 - 1594), БИЧЕВАНИЕ ХРИСТА. Холст, масло. 185 x 128,5 см. Около 1555 г. или позже. Картина, купленная из Бекингемской коллекции в 1648 г., имела первоначально квадратную форму и была шире, в частности, с левой стороны, где сохранились неорганические фрагменты фигур. Световым контрастам подчинены элементы цветовые в духе зрелого стиля Тинторетто, который смело решал проблему искусственного освещения. Сцена отличается настойчивостью видения и выдает своего автора не только изображением типа Христа, но и уверенностью широкого и энергичного письма, использующего смелые кривые мазков. Картина принадлежит к наиболее выдающимся произведениям, сохранившимся до нашего времени в Пражском Граде из старой картинной галереи 1 7 столетия. 

 JACOPO ROBUSTI genannt TINTORETTO (1518 - 1594), DIE GEISSELUNG CHRISTI, öl auf Leinwand. 165 х 128,5. Um 1555 oder später. Das aus der Sammlung Buckingham 1648 erworbene Gemälde hatte ursprünglich quadratisches Format — es war besonders links breiter, wo von den Figuren unorganische Fragmente übriggeblieben sind. Den Problemen des Lichts sind die Fragen der Farbe im Sinne von Tintorettos reifem Stil untergeordnet, der das Problem der künstlichen Beleuchtung hier kühn gelöst hat. Die Szene weist die Dringlichkeit einer erregten Vision auf und verrät ihren Autor nicht allein durch den Typus Christi, sondern auch durch die sichere, breite energische Handschrift, die aus großzügig geführten Kurven der Pinselzüge besteht. Das Bild gehört zu den bedeutendsten Werken, die sich aus der alten Gemäldegalerie des 17. Jahrhunderts bis auf den heutigen Tag in der Prager Burg erhalten haben. 

JACOPO ROBUSTI called TINTORETTO (1518 - 1594). THE FLAGELLATION OF CHRIST. Oil on canvas. 165 by 128.5. C. 1555 or later. The picture, purchased from the Buckingham Collection in 1648, was formerly of square format; it was wider especially on the left-hand side, where inorganic fragments of the figures have remained. Problems of colour were subordinated to questions of light solved in the style of the mature Tintoretto, who found a bold solution to the question of artificial light. The scene has the urgency of a touching vision and is typical of the master not only by the figure of Christ but also the certainty of the brush strokes drawn in grandiose curves. This is one of the most important works that have survived at Prague Castle from the old 17th century gallery. 

JACOPO ROBUSTI dit IL TINTORETTO (1518 - 1594). LA FLAGELLATION DU CHRIST. Toile. 165 X 128,5. Aux environs 1555 ou plus tard. Ce tableau, acheté de la collection Buckingham en 1648, avait auparavant un format carré il était notamment plus large du coté gauche où sont restés aprěs le découpage des fragments inorganiques des figures. Dans l'esprit du style de la maturité du Tintorct, les problèmes du chromatisme sont subordonnés aux problèmes de la luminosité. Le Tintoret y aborda une solution courageuse du problème de l'éclairage artificiel. La scène qui revêt un caractère visionnaire, trahit son auteur non seulement par le type du Christ, mais aussi par la fermeté de la peinture d'une facture large et énergique, créée par des touches du pinceau en forme de courbes d'envergure. Le tableau appartient aux œuvres de la plus grande valeur conservées jusqu'à nos jours.

Работы Герарда Тер Борха (1617-1681), его учеников и последователей

Герард Тер Борх (1617-1681). Женщина, чистящая яблоко. Картина написана около 1661 г.Дерево, масло. 36,3 X 30,7 см. Музей истории искусств. Вена

Из журнала "Великие музеи мира" №19 "Музей истории искусств. Вена":

Сын известного художника, Герард Тер Борх с самого детства готовил себя к карьере своего отца. Пятнадцатилетним юношей он отправился в Амстердам, чтобы учиться живописи, и через три года переехал в Гарлем, где был принят в гильдию художников города. Герард Тер Борх был также любознательным путешественником. За год пребывания в Европе он поработал для различных заказчиков и посетил крупнейшие центры искусства. Опыт, накопленный за это время в Лондоне, Риме и Испании, обогатил его художественную культуру, которая становится все более независимой и оригинальной. В 40-е годы XVII века голландский мастер посвятил себя жанровой живописи и углубленному исследованию и описанию аспектов повседневной жизни. Такой тип сцен, украшая бюргерские дома того времени, содержит также мораль, скрытую за кажущимся простым воспроизведением действительности. Вполне вероятно, что женщина в этой картине является сестрой художника, которую он часто изображал в своих произведениях. На столе перед ней и девочкой расположен изящный натюрморт: тарелка с яблоками и свисающий кусочек кожуры. Вся сцена пронизана тонкой меланхолией, читающейся в любопытном взгляде ребенка и минутном безучастии молодой женщины. 

Сильвия Боргезе

GERARD TER BORCH (1617 - 1681). DEVENTER PORTRAIT OF A LADY. Oil on canvas - Герард  Тер Борх (1617 - 1681). Портрет жительницы Девентера. Холст, масло

Герард Терборх (1617-1681) Отеческое внушение около 1654-1655 гг. Холст, масло 71,4x62,1 см. Берлинская картинная галерея

Из журнала "Великие музеи мира" № 10 "Берлинская картинная галерея":

Уже в XVIII веке смысл картины не был полностью ясен. Из-за путаницы, внесенной описанием Гете, ей было присвоено название, которое она носит до сих пор. Невзирая на благородные манеры и изысканные одежды трех персонажей, картина имеет своим предметом продажную любовь. Кровать под балдахином и туалетный столик, помещенный сбоку, связаны именно с этим видом деятельности. Терборх вводит в композицию символические детали, говорящие о распущенности этого слоя общества: зеркало и коробки пудры, свечи и гребень тоже синонимы легкомысленной и греховной жизни. Под таким углом зрения женщина, цедящая вино, должна восприниматься как хозяйка заведения, а мужчина с монетой в руке - как клиент. В отличие от грубого изображения жанровых сцен, характерного для голландской живописи середины века, Терборх отражает появление новых вкусов и более благородных ценностей. Его жанровые сцены отличаются весьма сбалансированной композицией, почти всегда относятся к более высоким слоям общества, даже если сдержанное поведение персонажей и их безукоризненные манеры используются как средство беспощадного морального осуждения. 

Вильям Делло Руссо

CIRCLE OF GERARD TER BORCH (1617 - 1681). A YOUNG LADY WRITING AT HER DESK. Oil on panel. 44x35.5 cm - Круг Герарда  Тер Борха (1617 - 1681). Молодая леди, пишущая на столе. Дерево, масло. 44x35.5 см

CIRCLE OF GERARD TER BORCH (1617 - 1681). SAINT JOHN THE EVANGELIST WRITING AT A TABLE, TOGETHER WITH AN EAGLE. Oil on panel. 36.5 by 29 cm - Круг Герарда  Тер Борха (1617 - 1681). Святой Иоанн Богослов пишет на столе рядом с орлом. Дерево, масло. 36,5 на 29 см

FOLLOWER OF GERARD TER BORCH (1617 - 1681). A LADY SEATED AT A TABLE PLAYING A LUTE, Oil on panel. 23x20.5 cm - Последователь Герарда  Тер Борха (1617 - 1681). Сидящая за столом женщина играет на лютне. Дерево, масло. 23x20.5 см

STUDIO OF GERARD TER BORCH (1617 - 1681). DEVENTER, AN INTERIOR WITH TWO GENTLEMEN, OIL ON CANVAS - Студия Герарда Тер Борха (1617 - 1681). Интерьер с двумя господами в Девентере. Холст, масло

ТИЦИАН ВЕЧЕЛЛИО (около 1488/90-1576) - ТУАЛЕТ МОЛОДОЙ ЖЕНЩИНЫ

ТИЦИАНО ВЕЧЕЛЛИО (около 1488/90-1576), ТУАЛЕТ МОЛОДОЙ ЖЕНЩИНЫ. Галерея Пражского Града

TIZIANO VECELLIO (asi 1488/90 -1576), TOALETA MLADÉ ŽENY. Olej na plátně. 83 x 79. Asi 1514 15. Obraz, doložený na Pražském hradě od r. 1685, je samostatnou odlišně řešenou verzí proslulé kompozice v pařížském Louvru. Tizianovo autorství potvrdil v nedávné monografii (1969) také R. Pallucchini. Původní vzhled díla dodatečně zmenšeného seříznutím dokládá stará kopie vydražená r. 1957 v Londýně. Snaha ukázat ženský zjev v jeho plnosti a v melodické souvislosti pohybů je uskutečněna klasickými prostředky, jemnou modelací a citlivým rukopisem ve vytříbené tizianovské barevné škále. Obraz je nejvýznamnějším dílem z celého souboru obrazů zachovaného na Pražském hradě.

ТИЦИАНО ВЕЧЕЛЛИО (около 1488/90-1576), ТУАЛЕТ МОЛОДОЙ ЖЕНЩИНЫ. Холст, масло. 83 x 79. Около 1514 1515 г. Картина, зарегистрированная в собраниях Пражского Града в 1685 г., представляет собой самостоятельную, по-иному решенную версию знаменитого произведения, висящего в Лувре. Авторство Тициана подтвердил в недавно изданной монографии (1969) также Р. Палуккини. О первоначальном виде картины, дополнительно уменьшенной путем разреза, свидетельствует старая копия, проданная с аукциона в Лондоне в 1957 г. Стремление изобразить женскую фигуру во всей полноте и в мелодичной связности движений было реализjровано при помощи классических средств, тонкой моделировки и чувствительной манеры письма, свойственной тициановской изысканности цветовой шкалы. Картина является наиболее выдающимся произведением искусства из всех картин, сохранившихся в Пражском Граде.

TIZIANO VECELLIO (um 1488/90-1576), JUNGE FRAU BEI DER TOILETTE, öl auf Leinwand. 83x79. Um 1514 1515. Das in der Prager Burg seit 1685 nachweisbare Gemälde ist eine selbständige, unterschiedlich komponierte Fassung des berühmten Bildes im Louvre in Paris. Tizians Urheberschaft bestätigte in neuer Zeit auch R. Pallucchini in einer unlängst erschienenen Monographie (1969). Das ursprüngliche Aussehen des nachträglich durch Beschneiden kleiner gewordenen Formates des Gemäldes belegt eine alte Kopie, die 1957 in London versteigert wurde. Das Bestreben, die Erscheinung der Frau in ihrer Fülle und der melodischen Harmonie der Bewegungen wiederzugeben, wird mit klassischen Mitteln, mit zarter Modellierung und empfindlicher Handschrift in auserlesener Tizianesker Farbskala verwirklicht. Das Gemälde ist das bedeutendste Werk aus dem gesamten Komplex der in der Prager Burg erhalten gebliebenen Bilder.

TIZIANO VECELLIO TITIAN (1488/90(?)-1576). PORTRAIT OF A YOUNG WOMAN AT HER TOILET. Oil on canvas. 83 by 79. Probably 1514-15. The picture, recorded at Prague Castle from 1685 on, is an independent version, with distinct compositional elements, of the famous painting in the Paris Louvre. The attribution to Titian was confirmed by R. Pallucchini in a recent monograph (1969). The original appearance of the work, which was at a later date truncated and reduced in size, is shown on an old copy, which was put up for auction in London in 1957. The woman is shown in all fullness and with melodious gestures for which the painter used classical means, fine modelling and sensitive brushwork and the refined selection of colour typical of his work. This painting is the most valuable work of the entire set of pictures that have survived at Prague Castle.

TIZIANO VECELLIO (entre 1488/90-1576). TOILETTE D'UNE JEUNE FEMME. Toile. 83 > 79. Aux environs 1514 1515. Le tableau, mentionné au Château de Prague dès 1685, est une version indépendente, â la conception originale, de la célèbre composition du Louvre. R. Pallucchini attesta également la paiernité de Titien dans une monographie -récente (1969). L'aspect original de notre œuvre dont les dimensions ont été amoindries par une découpure, est attesté par l'ancienne copie vendue aux enchères à Londres. La tendance de Titien à montrer le corps féminin dans sa pleine beauté et dans l'harmonie mélodieuse de ses mouvements fut réalisée par des moyens classiques, à savoir par un modelé subtil et une facture sensible .dans une gamme chromatique raffinée, typique de l'art de Titien. Le tableau est l'œuvre la plus éminente de tout l'ensemble de tableaux conservés au Château de Prague.

АДРИАН ДЕ ВРИС (предположительно 1546 - 1626), Горельеф "ПОКЛОНЕНИЕ ТРЕХ BOXBOB"

АДРИАН ДЕ ВРИС (предположительно 1546 - 1626), ПОКЛОНЕНИЕ ТРЕХ BOXBOB. Горельеф. Галерея Пражского Града

ADRIAEN DE VRIES (asi 1546 - 1626), KLANĚNÍ Tftí KRÁLŮ. Vysoký reliéf. Polychromovaný a zčásti zlacený mramorový štuk. 162x118. Asi kolem 1602. Dílo objednal pravděpodobně císař Rudolf II. pro oltář v kapli svého zámku v Brandýse nad Labem. Význam reliéfu, který vyniká vybranou jemností a precizností provedení, posiluje okolnost, že je to jediný výtvor ze štuku a zároveň jediný polychromovaný kus, který se z Vriesových děl zachoval. Za svůj účinek vděčí reliéf neobvyklé grácii, dějové soustředěnosti a vzácné vyváženosti figurální sestavy i citového výrazu. Vries přitom těžil z kompozice Dürerovy a snažil se docílit barevného dojmu podobného gotickým oltářním deskám. 

АДРИАН ДЕ ВРИС (предположительно 1546 - 1626), ПОКЛОНЕНИЕ ТРЕХ BOXBOB. Горельеф. Полихромированный и частично позолоченный гипс на мраморе. 162x118 см. Около 1602 г. — Произведение было заказано, по-видимому, императором Рудольфом II для алтаря часовни своего замка в г. Брандыс-на-Лабе. Значение горельефа, который отличается исключительной тонкостью и точностью выполнения, усугубляется тем обстоятельством, что это единственное произведение из гипса и единственное полихромированное творение, сохранившееся до наших дней из произведений Вриса. Рельеф производит необычайное впечатление благодаря необычайной грациозности, сосредоточенности действия и редкой уравновешенности фигуральной компоновки и чувства. Врис при этом использовал некоторые элементы компоновки Дюрера, стремясь добиться цветового впечатления, вызываемого готическими заалтарными пластиками. 

ADRIAEN DE VRIES (ca. 1546 1626), DIE ANBETUNG DER WEISEN. Hochrelief. Poly-chromierter und teilweise vergoldeter Stuckmarmor. 162x118. Wahrscheinlich um 1602. — Das Werk wurde wahrscheinlich von Kaiser Rudolf II. für den Altar in der Kapelle seines Schloßes in Brandýs (Brandeis) an der Elbe in Auftrag gegeben. Die Bedeutung des Reliefs, das durch erlesene Feinheit und präzise Ausführung hervorragt, gewinnt durch den Umstand an Wichtigkeit, daß es das einzige Werk aus Stuck und zugleich die einzige gefaßte Arbeit ist, die von den Werken des Adriaen de Vries erhalten geblieben ist. Das Relief verdankt seine Wirkung der außergewöhnlichen Grazie, der konzentrierten Handlung und der edlen Ausgewogenheit der Figuralkomposition und des sensitiven Ausdrucks. Vries berief sich in seiner Komposition auf Dürer und war bestrebt, eine den gotischen' Altartafeln ähnliche Farbwirkung zu erzielen. 

 ADRIAEN DE VRIES (probably 1546 1626). THE ADORATION OF THE MAGI. Relief in height. Polychrome marble stucco partly gilded. 162 by 118. Probably c. 1602. The work was in all likelihood commissioned by Emperor Rudolph II for altar in the chapel in his castle at Brandýs on the Elbe. The importance of the relief with its outstanding finesse and precision of execution is raised by the fact that it is the only work in stucco and a unique polychrome masterpiece among Vries's works that have survived. The effect of the work is achieved by its exceptional grace, the unique concentration of the story and the classical balance of the group of figures and the expression of emotions. Vries based his work on a composition by Dürer and aimed at the colour effect of Gothic altar pieces. 

 ADRIEN DE VRIES (aux environs de 1546- 1626). L'ADORATION DES ROIS MAGES. Haut relief. Stuc de marbre polychrome et, en partie, doré. 162 x 118. Aux environs de 1602. — C'est l'empereur Rodolphe II qui a probablement commandé cette œuvre destinée à orner l'autel de la chapelle de son château de Brandýs nad Labem en Bohème. L'importance du relief de Brandýs qui se distingue par une facture raffinée et délicate ainsi que par l'exécution précise, est d'autant plus grande que c'est le seul travail en stuc polychrome qui nous soit parvenu des œuvres de Vries. Le relief doit son effet à sa grâce exquise, à une concentration scénique exceptionnelle et surtout à l'équilibre classique entre la figuration et l'expression sentimentale. En même temps, Vries mit à profit la composition de Dürer en essayant d'atteindre à l'impression chromatique des tableaux d'autels gothiques.

ПАОЛО КАЛИАРИ, прозванный BEPOHE3E ( 1528-1588)

ПАОЛО КАЛИАРИ, прознанный BEPOHE3E (1528 1588), ОМОВЕНИЕ НОГ. Галерея Пражского Града

PAOLO CALIARI zv. VERONESE ( 1528- 1588), MYTÍ NOHOU. Detail. Olej na platné. 139 x 283. Osmdesátá léta 16. stol. Obraz náleží к cyklu desíti Veronesových děl s novozákonními a starozákonními námčty, který byl zakoupen 1648 z Buckinghamovy sbírky. Jen dva z obrazů zůstaly v Praze. Evangelickou scénu, zdůrazňující křesťanskou rovnost a lásku к bližnímu, znázornil Veronese jako živý výjev odehrávající se v zšeřelé místnosti benátského patricijského domu. Svému líčení dal slavnostní ráz umčřeností gest a zejména nádherou koloritu, tak typickou pro tohoto velkého benátského mistra.  

ПАОЛО КАЛИАРИ, прознанный BEPOHE3E (1528-1588), ОМОВЕНИЕ НОГ. Деталь. Холст, масло. 139 x 283 см. 80-ые годы 16 столетия. Картина принадлежит к циклу десяти произведений Веронезе на новозаветные и ветхозаветные мотивы, который был куплен в 1648 г. из Бекингемской коллекции. Из этого цикла только две картины остались в Праге. Евангельскую сцену, подчеркивающую христианскую идею равенства и любви к ближнему, Веронезе в виде живого обряда, происходящего в сумрачном помещении патрицианского дома. Своему изображению художник придал торжественный характер соразмерности жестов и блестящий колорит, столь типичный для этого великого венецианского мастера. 

 PAOLO CALIARI genannt VERONESE (1528-1588), DIE FUSSWASCHUNG. Detail. Öl auf Leinwand. 139 > 283. Achtzigerjahre des 16. Jahrhunderts. Das Bild gehört zu einem Zyklus von zehn Gemälden Veroneses mit Darstellungen aus dem alten und neuen Testament, der 1648 aus der Sammlung Buckingham erworben wurde. Nur zwei der Bilder blieben in Prag. Veronese stellte diese Szene aus dem Evangelium, in der die christliche Gleichheit und Nächstenliebe demonstrativ betont wird, als lebendige Handlung dar, die sich in einen dämmerigen Raum eines venezianischen Patrizierhauses abspielt. Durch die ausgewogenen Gebärden und besonders durch das für diesen großen Venezianer typische prachtvolle Kolorit erhielt die Schilderung eine feierliche Stimmung. 

PAOLO CALIARI called VERONESE (1528-1588). CHRIST WASHING THE FEET OF HIS DISCIPLES. Detail. Oil on canvas. 139 by 238. Eighties of 16th century. The picture belongs to a cycle of ten works with subjects from the Old and the New Testaments which were purchased from the Buckingham Collection 1648. Only two have remained in Prague. The scene from the New Testament, demonstrating Christian equality and love for the neighbour, was depicted by Veronese in a lively setting, a darkened room of a Venetian patrician's house. The scene acquires a solemn character through the restrained gestures and particularly the magnificent choice of colours typical of this great Venetian master. 

 PAOLO CALIARI dit VERONESE (1528-1568). LE LAVEMENT DES PIEDS. Détail. Toile. 139 х 283. Dans les années quatre-vingts du 16*' siècle. Le tableau appartient au cycle des dix œuvres de Véronèse aux sujets tirés de l'Ancien et du Nouveau Testaments, acheté pour Prague en 1648 de la collection Buckingham. Ce n'est que deux tableaux qui sont restés à Prague. La scène de l'Evangile qui devait démontrer l'égalité et l'amour du prochain des chrétiens, fut représentée par Véronèse comme une scène animée se déroulant dans la salle assombrie d'une maison patricienne de Venise. La scène revêt chez Véronèse un caractère solennel par une juste mesure des gestes et notamment par un coloris superbe, tellement typique de ce grand mâitre vénitien.

ПАОЛО КАЛИАРИ, прозванный BEPOHE3E ( 1528-1588), СВ. ЕКАТЕРИНА С АНГЕЛОМ.Галерея Пражского Града

PAOLO CALIARI zv. VERONESE (1528 - 1588). SV. KATERIlNA S ANDĚLEM. Olej na plátně. 72 X 54. Kolem 1580 nebo o málo později. Obraz je doložen na Pražském hradě už r. 1685. Vzrušená světice pohlíží zářícíma očima к andělskému poslu, který jí přináší na znamení příští mučednické smrti palmovou ratolest a meč. Průsvitná pleť krásné ženské tváře má půvab lehkého a chvějivého přednesu Veronesových pozdních děl, к nimž se obraz hlásí také ztišenou něhou a lyrickým prožitkem lidského pohnutí.

ПАОЛО КАЛИАРИ, прозванный BEPOHE3E ( 1528-1588), СВ. ЕКАТЕРИНА С АНГЕЛОМ. Холст, масло. 72 х 54 см. Около 1580 или несколько позднее. Картина зарегистрирована в собраниях Пражского Града уже в 1685 г. Горящий взор святой обращен на ангельского посланника неба, коnоhый приносит ей пальмовую ветвь и меч, как символ предуготовленной мученической смерти. Прозрачный инкарнат прекрасного женского лица отличается прелестью легкой и уверенной трактовки, свойственной произведениям Веронезе позднейшего времени, к которым эта картина относится по своей неге, интимной человечности и лиричности переживания.

PAOLO CALIARI genannt VERONESE (1528-1588), DIE HL. KATHARINA MIT ENGEL, öl auf Leinwand. 72 x 54. Um 1580 oder wenig später. Das Bild ist auf der Prager Burg bereits 1685 belegt. Die erregte Heilige wendet ihren strahlenden Blick dem Engelsboten zu, der ihr zum Zeichen ihres zukünftigen Märtyrertodes Palmzwcig und Schwert überreicht. Die transparente Haut des schönen Frauenantlitzes weist den Reiz des leichten vibrierenden Vortrags von Veroneses Spätwerken auf, zu denen sich das Bild auch durch die stille Zärtlichkeit und das lyrische Erlebnis menschlicher Ergriffenheit bekennt.

PAOLO CALIARI called VERONESE (1528-1588). ST. CATHERINE AND THE ANGEL. Oil on canvas. 72 by 54. C. 1580 or a little later. The picture was recorded at Prague Castle already in 1685. The emotionally tense saint is gazing with shining eyes at the angelic messenger who brings her a palm twig and a sword as symbols of her coming martyr's death. The transparent skin of the beautiful woman's face has the charm of the easy and stirring treatment of Veronese's last works, among which the painting belongs with its soft gentleness and lyrical experience of human emotions.

PAOLO CALIARI dit VERONESE (1528-1588). SAINTE CATHERINE AVEC UN ANGE. Toile. 72 x 54. Aux environs 1580 ou un peu plus tard. C'est dès 1685 que le tableau est cité au Château de Prague. La sainte perdue dans une extase regarde, les yeux rayonnants, le jeune messager du ciel qui lui apporte la palme et l'épée, signes de son futur martyre. Le teint transparent du beau visage de la sainte possède le charme d'interprétation légère et frémissante des oeuvres tardives du Maître dont la toile se réclame également par sa douce tendresse ainsi que par son évocation lyrique d'une émotion pleine de l'humanité.

Голландский художник Герард Тер Борх (1617 - 1681)

Герард Тер Борх (1617 - 1681). Интерьер с фигурами. Исполнено около 1654 г.Холст, масло 71 х73 см. Государственный музей Амстердама - Gerard Ter Borch (1617 - 1681). Interior with Figures. Done about 1654. Oil on canvas, 71 cm h73 State Museum in Amsterdam

Из журнала "Великие музеи мира" № 8 "Государственный музей. Амстердам":

"На этой картине, одно время носившей название «Отцовские наставления», композиция безукоризненно отрегулирована расположением персонажей и предметов. Ракурс стоящей спиной женской фигуры открывает и определяет четкий профиль двух сидящих фигур. Эта обособленная группа, четко определяющая поле перспективы, представляет собой, в некотором роде, сцену, на фоне которой все остальное кажется второстепенным. Такое средоточие фигур в четко определенном центральном ядре предполагает наличие точки, в которой пересекается вертикальная ось, четко разделяющая полотно на две части. Такая композиция определяет эмоциональную насыщенность беседы, участие персонажей в доверительном диалоге, который, как кажется, приостановил на мгновение свое неторопливое течение. Направленный свет утяжеляет объемы и создает серебристые блики на шелковом платье девушки, которое спокойно поблескивает в тихом полумраке комнаты. Кавалер, сидящий на стуле, вероятно, клиент, девушка - проститутка, а женщина, прихлебывающая вино, сводница. Эту версию подтверждает большая красная кровать на заднем плане, зеркало и собака - символы сладострастия. Двусмысленность сцены заключается в хитрой уловке художника, изобразившего девушку со спины, не позволяя, таким образом, заметить ее реакцию.

Борх уделял много внимания точной передаче материалов, и, как отмечали его современники, особенно удавались ему переливы шелка на платьях. Его мастерство полностью проявляется даже в изображении лент на панталонах и кожаных подошв туфель мужчины, а также деревянных половиц."

Даниэла Тарабра

GERARD TER BORCH (1617 - 1681). DEVENTER A PORTRAIT OF A GENTLEMAN. Oil on canvas - ГЕРАРД Терборх (1617 - 1681). Девентер Портрет джентльмена. Холст, масло

GERARD TER BORCH (1617 - 1681). THE CARD PLAYERS. Oil on canvas laid on panel. 46.7 by 36.8 cm - ГЕРАРД Терборх (1617 - 1681).Картежники. Холст на доске, масло. 46,7 на 36,8 см

Герард Тер Борх (1617 - 1681). Мальчик, который ловит у собаки блох. Исполнено около 1665 года. Холст, масло. 34,4x27,1 см. Старая Пинакотека. Мюнхен - Gerard Ter Borch (1617 - 1681). The boy who catches the dog fleas. Done about 1665. Oil on canvas. 34,4 x27, 1 cm Alte Pinakothek. Munich

Из журнала "Великие музеи мира" № 16 "Старая пинакотека. Мюнхен":

"Мальчик (возможно, это портрет сына художника Мозеса) изображен в момент, когда он ловит у собаки блох. В Голландии в XVII века так называемая «жанровая живопись» всегда имела потаенный смысл, скрытый за видимостью интерьера буржуазного дома, народной сцены или обычного портрета, как на этом полотне. Мальчик полностью поглощен своим занятием. Находящиеся рядом с ним на грубом деревянном столе тетрадь и перо говорят о прилежании, порядке и аккуратности, которые его отец хотел бы ему преподать. Тер Борх проявляет себя замечательным портретистом, ему удается изобразить, как из бедного и простого фона возникают нежные фигуры мальчика и собаки, очень сосредоточенной и покорно послушной. Свет распространяется по всей комнате, обрисовывая мягкие постепенные переходы теней на курточке мальчика и на деталях, составляющих сцену (большая шляпа на первом плане, маленький стул или угол стены), а затем, как бы но привычке, концентрируется на проборе в волосах мальчика. Тер Борх был мастером описаний этих молчаливых домашних сцен, в которых обнаруживается уникальная тонкость исполнения и легкие, деликатные и почти незаметные психологические наблюдения.

Тетрадь и чернильница изображены для композиционного равновесия и призывают к благородному делу, в противовес никчемному занятию ухода за собакой, которым увлечен юноша. Эти предметы становятся также символами моральной строгости кальвинистской Голландии XVII века."

Сильвия Боргезе

AFTER GERARD TER BORCH (1617 - 1681). A SOLDIER OFFERING A YOUNG WOMAN COINS, OIL ON CANVAS - ПОСЛЕ ГЕРАРДа Терборха (1617 - 1681).СОЛДАТ ПРЕДЛАГАЕМ МОЛОДОЙ ЖЕНЩИНЕ МОНЕТЫ. Холст, масло 

After Gerard ter Borch.  Guardsmen reading a letter in an interior. Oil on panel.51.2 x 41.2 cm - После Герара Терборха. Гвардеец читает письмо в интерьере. Масло на доске.51.2 х 41,2 см

STUDIO OF GERARD TER BORCH (1617 - 1681).AN INTERIOR WITH A LADY TAKING SINGING LESSONS FROM A GENTLEMAN, A SLEEPING DOG IN THE FOREGROUND, Oil on canvas. 77.2 by 63.6 cm - Студия Герарда Терборха (1617 - 1681). Помещение с дамой берущей уроки пения у джентльмена и спящей собакой на переднем плане, Холст, масло. 77,2 на 63,6 см

 

ЯКОПО ДА ПОНТЕ, прозванный БАССАНО (ок. 1515 - 1592) - МИЛОСЕРДНЫЙ САМАРИТЯНИН.

ЯКОПО ДА ПОНТЕ, прозванный БАССАНО (ок. 1515 - 1592), МИЛОСЕРДНЫЙ САМАРИТЯНИН.Галерея Пражского Града

JACOPO DA PONTE zv. BASSANO (kolem 1515 - 1592), MILOSRDNÝ SAMARITÁN. Olej na plátně. 107,5 x 84,5. Po 1550. Obraz, zmíněný na Pražském hradč již v 1685, náleží do nejzají-mavějšfho manýristického období mistrovy tvorby vyznačujícího se rafinovanou melodií tělesných křivek a studeným světelným pojetím. Na rozdíl od studeného londýnského obrazu je prací nedokončenou, skicovitě podanou, která sloužila v umělcově dílně jako vodítko pro přípravu jiných děl. Pod zprůsvitnělým nátěrem je v obráceném směru patrna postava pastýře, jež dovoluje datovat podobná Bassanova pastorální díla již do šestého desítiletí, tedy do doby o deset let časnější, než se dříve soudilo. 

 ЯКОПО ДА ПОНТЕ, прозванный БАССАНО (ок. 1515 - 1592), МИЛОСЕРДНЫЙ САМАРИТЯНИН. Холст, масло. 107,5 x 84,5. После 1550 г. Картина, зарегистрированная в собраниях Пражского Града уже в 1685 г., принадлежит к наиболее примечательному периоду творчества мастера в духе маньеризма, отличающегося утонченной мелодичностью кривых и холодным колоритом. В отличие от холодной лондонской картины пражский вариант не закончен и имеет характер эскиза, который служил основой для написания других произведений. Под просвечивающим слоем краски можно различить фигуру пастуха, что позволяет отнести датирование аналогичных пасторальных произведений Бассано к шестидесятым годам, т. е. на десять лет раньше, чем это предполагалось. 

JACOPO DA PONTE genannt BASSANO (um 1515 - 1592), DER BARMHERZIGE SAMARITER. öl auf Leinwand. 107,5 x 85,5. Nach 1550. Das Gemälde, das in der Prager Burg schon 1685 erwähnt wird, gehört in die interessanteste manieristische Schaffensperiode des Meisters, die eine raffinierte Melodie der Körperkurven und ein kühles Kolorit kennzeichnet. Zum Unterschied vom farbig kühlen Londoner Gemälde ist das Präger Bild eine unvollendete, skizzenhaft wiedergege-hene Arbeit, die in der Werkstatt des Künstlers als Vorbild für weitere Fassungen diente. Unter der transparenten Farbe ist in umgekehrter Richtung die Gestalt eines Hirten wahrnehmbar, welche die Datierung ähnlicher Hirtenbilder Bassanos bereits ins sechste Jahrzehnt erlaubt, also bereits um zehn Jahre früher, als bis vor kurzen angenommen wurde. 

JACOPO DA PONTE called BASSANO (c. 1515 - 1592). THE GOOD SAMARITAN. Oil on canvas. 107.5 by 84.5. After 1550. The picture, recorded at Prague Castle already in 1685, was made in the master's most interesting Mannerist period when he used an ingenious melody of bodily curves and presented in cold light. By contrast to the cold London picture this work is unfinished, representing more of a sketch which probably remained in the artist's workshop and served as pattern for the preparation of other pictures. Under the transparent varnish a figure of a shepherd can be distinguished, upside down; this makes it possible to date similar pastoral works by Bassano into the sixth decade, i. e. ten years sooner than used to be assumed. 

 JACOPO DA PONTE dit BASSANO (vers 1515 - 1592). LE BON SAMARITAIN. Toile. 107,5 x 84,5. Après 1550. Le tableau mentionné des 1685 au Château de Prague appartient à la plus intéresante période maniériste de la création du Maître, caractérisée par une mélodie raffinée des courbes de corps ainsi que par une froide conception lumineuse. A l'invers de la toilè froide de la Galerie Nationale de Londres, notre tableau est inachevé. C'est presque une ébauche, un « ambozzo », qui restait à l'atelier de l'artiste pour servir de guide lors de la préparation d'autres tableaux. Sous la couche devenue transparente on vit émerger la figure d'un berger qui permet de dater cette œuvre en la plaçant comme d'autres œuvres pastorales de Bassano — dans la sixième décennie du siècle, à l'époque plus récente de dix années que ne l'on avait pensé auparavant.

ФРАНЧЕСКО ДА ПОНТЕ, прозванный БАССАНО (1549- 1592)

ФРАНЧЕСКО ДА ПОНТЕ, прозванный БАССАНО (1549—1592), ПРИНЕСЕНИЕ ВО ХРАМ. Галерея Пражского града

FRANCESCO DA PONTE zv. BASSANO (1549 1592), OBĚTOVÁNÍ V CHRÁMĚ. Detail. Olej na plátně. 254 x 168. Kolem roku 1590. Signovaný obraz, zakoupený r. 1648 z Buckinghamovy sbírky, poutá bodrou hovorností dějového pojetí i plnokrevností lidových typů a přesvědčuje zejména veselou pestrostí intenzivních, dekorativně zhodnocených barevných tónů, červených, zelených i modrých a pod. V objemovém zjednodušení a ve snaze o monumentální účinek se již zračí nová orientace benátské malby na sklonku 16. století. 

 ФРАНЧЕСКО ДА ПОНТЕ, прозванный БАССАНО (1549—1592), ПРИНЕСЕНИЕ ВО ХРАМ. Деталь. Холст, масло. 254 х 168. Около 1590 г. — Картина с подписью автора, купленная в 1648 г. из Бекингемского собрания, привлекает внимание бодрой многоречивостью концепции изображаемой сцены и полнокровностью народных типов и усугубляет, в частности, впечатление при помощи разнообразия интенсивных, декоративно слаженных красных, зеленых и синих тонов. В упрощении объема и в стремлении к достижению монументального эффекта уже просвечивает новая ориентация венецианской живописи к концу 16 столетия. 

 FRANCESCO DA PONTE genannt BASSANO (1549 - 1592), DIE AUFOPFERUNG IM TEMPEL. Detail, öl auf Leinwand. 254 x 168. Um 1590. Das signierte, 1648 aus der Sammlung Buckingham erworbene Gemälde fesselt durch die biedere Mitteilsamkeit der Schilderung, sowie durch die vollblütige Volkstypen und überzeugt zugleich auch durch die freudige Mannigfaltigkeit der intensiven, dekorativ gewerteten Töne von Rot, Grün, Blau und weiteren Farben des Kolorits. In der Vereinfachung der Volumen und im Bestreben um monumentale Wirkung macht sich bereits die neue Orientierung der venezianischen Malerei am Ende des 16. Jahrhunderts bemerkbar. 

 FRANCESCO DA PONTE called BASSANO (1549 1592). THE SACRIFICE IN THE TEMPLE. Detail. Oil on canvas. 254 by 168. С. 1590. Signed picture purchased from the Buckingham Collection in 1648. It is attractive for the jovial narrativeness of episodes and the exuberant popular types and convincing in its gay bright colour scheme with stress on the decorative tones of red, green and even blue. The simplification of volume and striving for monumental effect reflects the changing orientation of Venetian painting at the end of the 16th century. 

 FRANCESCO DA PONTE dit BASSANO (1549 - 1592). PRÉSENTATION DE LA VIERGE AU TEMPLE. Détail. Toile. 254 x 168. Aux environs 1590. Le tableau signé, acheté de la collection Buckingham en 1648, attire notre attention par l'éloquence joviale de ses divers épisodes ainsi que par ses types populaires robustes en convaincant notamment par le bariolage de son coloris gai où dominent des couleurs crues et vives, le rouge, le vert, le bleu etc., appliquées aux fins de décoration. Si l'artiste s'efforce à simplifier des volumes pour atteindre un effet monumental, c'est le signe d'une nouvelle orientation de la peinture vénitienne au déclin du 16e siècle.

ФРАНЧЕСКО ДА ПОНТЕ, прозванный БАССАНО (1549- 1592), СТРОИТЕЛЬСТВО ХРАМА СОЛОМОНОВА или ВАВИЛОНСКОЙ БАШНИ. Галерея Пражского града

FRANCESCO DA PONTE zv. BASSANO (1549 - 1592), STAVBA ŠALAMOUNOVA CHRÁMU nebo BABYLONSKÉ VĚŽE. Detail. Olej na plátně. 136 x 138. Konec 70. let nebo kolem roku 1580. Obraz pochází ze sbírky arcivévody Leopolda Viléma. Původně byl širší, vpravo byl v 19. stol. asi o jednu čtvrtinu seříznut. Živé vyprávění s charakteristickými postavami a dobře odpozorovanými jednotlivostmi pracovního procesu mění biblický námět v žánrový výjev ze soudobého života. Autorství Francesca Bassana, který byl nejstarším a nejnadanějším synem Jacopa Bassana, prozrazuje nervní malířský rukopis a vynalézavá kompozice. Londýnský obraz Leandra Bassana, Babylonská věž, je zřejmě kopií podle pražského díla. 

 ФРАНЧЕСКО ДА ПОНТЕ, прозванный БАССАНО (1549- 1592), СТРОИТЕЛЬСТВО ХРАМА СОЛОМОНОВА или ВАВИЛОНСКОЙ БАШНИ. Деталь. Холст, масло, 136 x 138. Конец 70-х гг. или около 1580 г. — Картина находилась в коллекции эрцгерцога Леопольда Вильгельма. Первоначально картина была шире, но в 19 столетии была справа срезана примерно на одну четверть. Живое повествование с характерными фигурами и удачно подмеченными рабочими приемами превращают библейский мотив в жанровую сцену из современной жизни. Авторство Франческо Бассано, самого старшего и самого талантливого сына Якопо Бассано, подтверждается живым и нервным мазком и изобретательностью компоновки. Лондонская картина Леандра Бассано, Вавилонская башня, является, очевидно, копией пражского произведения. 

 FRANCESCO DA PONTE genannt BASSANO (1549 - 1592), DER BAU DES SALOMONISCHEN TEMPELS oder DER TURMBAU ZU BABEL. Detail, öl auf Leinwand. 136 x 138. Ende der Siebzigerjahre oder um 1580. - Das Gemälde stammt aus der Sammlung des Erzherzogs Leopold Wilhelm. Ursprünglich etwas breiter, wurde es im 19. Jahrhundert etwa um ein Viertel beschnitten. Die lebendige Schilderung mit den charakteristischen Gestalten und den dem Arbeitsprozeß gut abgelauschten Einzelheiten verwandelt den biblischen Stoff in eine Genreszene aus dem zeitgenössischen Leben. Die Autorschaft Francesco Bassano, des ältesten und begabtesten Sohnes von Jacopo Bassano, wird durch die nervige malerische Handschrift und die erfindungsreiche Komposition bezeugt. Das Londoner Bild des Turmbaus zu Babel von Leandro Bassano ist offenbar eine Kopie nach dem Prager Gemälde. 

 FRANCESCO DA PONTE called BASSANO (1549 - 1592). THE BUILDING OF THE TEMPLE OF SOLOMON or THE TOWER OF BABEL. Detail. Oil on canvas. 136 by 138. End of the seventies or c. 1580. The picture belonged to the collection of Archduke Leopold William. The originally wider format was truncated by about one quarter in the 19th century. The lively narrative with the characteristic figures and the well-observed details of the working process change the Bible theme into a genre picture of contemporary life. The attribution to Francesco Bassano, the eldest and most gifted son of Jacopo Bassano, is revealed in the energetic brushwork and the ingenious composition. The London picture by Leandro Bassano, The Tower of Babel, is clearly a copy based on the Prague painting. 

 FRANCESCO DA PONTE dit BASSANO (1540 - 1592). CONSTRUCTION DU TEMPLE DE SALOMON ou LA TOUR DE BABEL. Détail. Toile. 136 x 138. Fin des années dix-sept du 16* siècle ou aux environs 1580. Le tableau provient de la collection de l'archiduc Léopold-Guil-laume. A l'origine il fut plus large, au 19' ciècle il fut découpé d'un tiers du coté droite. Une narration vive aux personnages caractéristiques, avec l'accentuation de divers travaux pris sur le vif, change le motif biblique en une scène de genre de la vie de l'époque. La paternité de Francesco, fils ainé et le plus doué de Jacopo Bassano, est attestée par la vivacité nerveuse de son langage pictural ainsi que par sa composition imaginative. Le tableau La Tour de Babel se trouvant à Londres et attribué à Leandro Bassano n'est, évidement, qu'une copie de l'œuvre déposée à Prague.