Показаны сообщения с ярлыком Амстердам. Показать все сообщения
Показаны сообщения с ярлыком Амстердам. Показать все сообщения

вторник, 14 марта 2017 г.

Винсент Ван Гог - «Парк Войе д’Аргенсон в Аснирес»

Винсент Ван Гог (1853-1890). Парк Войе д’Аргенсон в Аснирес. Исполнено в мае-июне 1887 года. Холст,масло. 75 х 113 см. Музей Ван Гона, Амстердам
Из альманаха «Великие музеи мира» №4 «Музей Ван Гона, Амстердам»:
«Очевидно, что Ван Гог не избежал силы убеждения Синьяка, о чем свидетельствуют пейзажи, написанные в Аснирес, выполненные мелкими точечными мазками». И правда, в этой картине заметна дань Синьяку, который неизвестно сколько потратил энергии за столиками бистро на Монмартре, чтобы пояснить свою теорию голландцу. Однако Винсент не отрекается от собственной самостоятельности. Точечная разработка весьма свободна. Нас не должно вводить в заблуждение название, в полном варианте -«Влюбленные» (как указано в письме к Тео №474). Мы понимаем, что это не просто изображение любого загородного парка, а традиционный сюжет сада любви. Во время своих посещений Лувра художник восхищался картиной «Паломничество на остров Киферу» Антуана Ватто, а также многочисленными вариантами на подобный сюжет кисти Монтичелли, и описанием лирических тонов Ватто, включенным братьями Гонкурами в «Искусство XVIII века», прочитанным Винсентом в Нюнене. Перспектива едва намечена: художник сосредоточен на двух влюбленных парах, произвольно смещенных относительно центра холста. Символом весны является женщина, написанная красным и зеленым, цветами страсти.
Паула Рапелли

понедельник, 27 февраля 2017 г.

Алькмаарский Мастер - «Семь деяний Милосердия»

Алькмаарский Мастер. Семь деяний Милосердия. Исполнено в 1504 г.оду Дерево, масло. Первая и последняя створка: 101 х 55,5 см, центральные створки: 101 х 54 см. Государственный музей Амстердама (приобретено в 1918 г.)

Из альманаха «Великие музеи мира» №8 «Государственный музей. Амстердам»:
Чудесная серия картин составляет драгоценную инкунабулу подлинной голландской живописи. Семь досок в одной раме представляют семь деяний Милосердия: «Накормить голодных», «Напоить жаждущих», «Одеть нагих», «Похоронить умерших», «Приютить странников», «Навестить больных», «Освободить узников». Под каждой композицией, на раме, можно прочитать два стиха, написанных по-голландски, относящихся к представленному сюжету и небесному вознаграждению. Шесть деяний Милосердия упоминаются в проповеди Иисуса (Евангелие от Матфея, 25, 31-46), в то время, как седьмое, «похоронить умерших» взяты из книги Товита (1, 21). В день Страшного Суда Христос будет судить людей на основании тех добрых дел, которые они совершили. Полиптих, созданный, вероятно, для больницы, находился в церкви Святого Лоренцо в Алькмаа-ре, поэтому и носит имя неизвестного художника, написавшего с искренней непосредственностью и чистотой сцены человеческого милосердия, в каждой из которой можно узнать фигуру Христа. Строение тела некоторых персонажей нереально, некоторые позы невероятны, как например, богача, который поит жаждущего. Крупный рельеф характерен для архитектурных деталей городских строений, которые тщательно прорисованы на стенах и деревянных ставнях.
Даниэла Тарабра

 «Накормить голодных»
«Напоить жаждущих»
«Одеть нагих»
«Похоронить умерших»
 «Приютить странников»
«Навестить больных»
«Освободить узников»

вторник, 31 января 2017 г.

Рембрандт - «Пророчица Анна»

Рембрандт Хармес ван Рейн. Пророчица Анна. Исполнено в 1631 г. Холст, масло 60 х 48 см. Государственный музей Амстердама.  Подарено в 1928 г
Из альманаха «Великие музеи мира» №8 «Государственный музей. Амстердам»:
В 1631 году Рембрандт, в возрасте двадцати пяти лет, покидает Лейден и переезжает в Амстердам. В том же году он пишет образ этой старой библейской пророчицы, намеревающейся произнести слова священного писания, почти лаская морщинистой рукой листы фолианта. Эта картина очень проста, по сравнению с другими. Заметно, что художник писал ее с собственной матери, возможно, делая акцент на старческой дряхлости, пытаясь придать фигуре больше святости. На этой картине, написанной незадолго до первых больших успехов, художник показывает, что уже ступил на свой, особенный путь, который приведет его к результатам, сильно отличающимся от голландской живописи того времени. Контрасты света итальянских караваджистов здесь превращаются в тончайшие и изменчивые переходы теней и полутеней, создавая эффект неустойчивости, как будто проплывающая туча пропускает лишь часть света. Из венецианских традиций, возможно, отфильтрованных фламандской школой, Рембрандт почерпнул мудрейшую игру тональных аккордов, рефлексов, бликов. И над всем этим витает в воздухе вопрос о реальности вещей, о плотности материи, из которой они созданы.
Даниэла Тарабра

суббота, 31 января 2015 г.

Винсент Ван Гог (1853-1890) две картины из голландского музея

Винсент Ван Гог (1853-1890).«Цветущий сад на фоне Арля» . Написано апреле 1889 г. Холст, масло 50,5 х65 см. Музей Ван Гона, Амстердам
Из журнала "Великие музеи мира" №4 "Музей Ван Гона, Амстердам": 
Незадолго до помещения в лечебницу, Винсент пишет сестре Виллемине следующее: «Очень вероятно, что я буду сильно страдать. Но то, что мне совершенно не подходит, так это, если быть кратким, жизнь мученика. Я всегда надеялся на героизм иного рода... ». Врачи не могут однозначно поставить диагноз. Паранойя? Эпилепсия? Депрессия? Физическое истощение? Комплекс вины за смерть старшего брата? А может это просто потребность в разделенной любви? Безнадежная, абсолютная, разрушительная, обыкновенная потребность в любви? Этого мы никогда не узнаем. Мы можем лишь смутно представить себе душевное состояние отшельника в «ином мире», но даже в таком состоянии Ван Гогу удается поражать нас своей живописью. Когда Винсенту позволяют выйти из лечебницы, его сердце еще больше раскрывается, потому что оно умеет это делать, и его глаза наполняются радостью возрождающегося мира. Эта картина входит в серию полотен, снова посвященных цветению садов. Лужайка представляем собой бледно-зеленое море, усеянное желтыми и оранжевыми цветочками, на котором более сильные стебли выделяются темно-зеленым тоном. Парой по цвету являются стволы деревьев, сиреневые и фиолетовые, заключенные в свою форму тонкой, но различимой зеленой полоской, утолщающейся к низу картины. Над всем возвышается колокольня Сен-Трофим.
Паула Рапелли
Винсент Ван Гог (1853-1890).«Сад лечебницы Сен-Реми» . Написано декабре 1889 г. Холст, масло 73,1x92,6 см. Музей Ван Гона, Амстердам
Из журнала "Великие музеи мира" №4 "Музей Ван Гона, Амстердам":
«Сад окружен высокими соснами со стволами и ветками цвета красной охры, темно-зеленые листья кажутся еще темнее от примеси черного. Высокие деревья четко выделяются на фоне вечернего неба, желтого, пересеченного фиолетовыми полосами. В вышине желтый переходит в розовый и зеленый. Стена, тоже цвета красной охры, закрывает обзор, а за ней - только сиренево-желтый холм. У первого дерева был огромный ствол, но в него ударила молния, и его спилили. Однако боковая ветка поднимается вверх и роняет дождь темно-зеленых иголок. Он мрачный, этот гигант, раненный в самое сердце, и, наоборот, если дать ему человеческий характер, с фальшивой улыбкой последней розы на почти отцветшем кусте, растущем перед ним». Точный, как всегда, Винсент описывает своему другу Бернару пространство сада, который стал ему близок и дорог. Последние строчки, кажется, говорят о нем самом: Винсент, по сути, пленник в этом «не месте», которое его подавляет. Ему нужно вернуться к реальности, даже если сознание подсказывает, что реальность снова встретит его своей «фальшивой улыбкой».
Паула Рапелли 

Великий художник Винсент Ван Гог неоднократно лечился от психических расстройств, однако  передовая европейская психиатрия того времени не смогла не только его вылечить, но даже определить характер и причины его заболевания. Интересно, что именно в те годы, в 1887 году,  в Москве была открыта психиатрическая клиника им. С.С. Корсакова 1-otdelenie.ru/lechenie-depressii-prichiny-236.html, которая по сей день помогает людям пережить тяжёлые моменты связанные с расстройствами психики, выводят людей из глубокой и хронической депрессии. 

понедельник, 1 апреля 2013 г.

Поль Гоген (1848-1903)

Художник Поль Гоген (1848-1903). Французская школа. Автопортрет (Отверженные). Исполнен в сентябре 1888 г. Холст, масло 45 х 55 см. Музей Ван Гога. Амстердам.
Из журнала "Великие музеи мира" № 4 "Музей Ван Гога. Амстердам":
Это одна из самых знаменитых картин, написанных парижским художником. Гоген посылает Ван Гогу, который предложил ему обменяться автопортретами, это полотно, посвященное «другу Винсенту», из Британии, где он находится с группой молодых товарищей, среди которых есть и Эмиль Бернар. Он сам изображен слева от Бернара, написанного в профиль справа. Художник комментирует работу в одном из писем торговцу Шуффнекеру в следующем месяце: «Я чувствую потребность объяснить, что я намеревался сделать... Я надеваю маску плохо одетого и сильного, как Жан Вальжан, бандита (персонаж романа «Отверженные» Виктора Гюго), который обладает благородством и доброй душой... Рисунок глаз и носа, напоминающий цветы, вышитые на персидском ковре, придает картине абстрактный и символический характер. Нежный фон с цветами, написанными по-детски, свидетельствует о невинности нашего искусства... У вас есть как мое изображение, так и портрет всех нас, бедных жертв общества, которому мы мстим, делая добро». Ван Гог не особо оценил работу, которая воплощает отличительные черты стиля Гогена, а именно: нетрадиционную композицию, уплощение цвета и минимальное использование пластики света, контурные линии, придающие декоративность формам.
Паула Рапелли
Художник Поль Гоген (1848-1903). Французская школа. Прекрасная Анжела. Картина исполнена в 1889 году. Холст, масло. 92х73 см Музей Орсе. Париж
Из журнала "Великие музеи мира" № 5 "Музей Орсе. Париж":
Молодая женщина, изображенная на этой картине, - это Анжелик Сартр, дочь владельцев кафе, куда Гоген в то время часто заходил. Гоген вполне справедливо утверждал, что данная работа является лучшим его портретом. Однако модель была разочарована, увидев полотно, и отвергла произведение, не будучи в состоянии понять его необычайную новизну. Эта работа знаменует собой важный шаг в творческой карьере Гогена и обозначает его окончательный отход от живописи в духе импрессионизма. Это был постепенный, но неизбежный разрыв, уже хорошо угадывающийся по некоторым картинам 1888 года. В первую очередь, по картине «Борьба Иакова с ангелом» (Национальная галерея Шотландии. Эдинбург). «Прекрасная Анжела» - это антинатуралистический портрет, сложный и глубоко запоминающийся. Идея вписать молодую девушку в круг идет от японской гравюры, которую Гоген тщательно изучает. Круглая форма позволяет разместить рядом с фигурой далекие от сюжета элементы. Если фон взят из японского искусства, статуэтка слева напоминает о мирах первобытных и экзотических. Картина выходит за рамки классического понятия о портрете и является выражением нового способа понимания искусства и жизни.
Гоген сближает примитивную перуанскую скульптуру с фигурой Анжелы в традиционной бретонской одежде, устанавливая параллели двух миров: дикарской чистоты первобытных цивилизаций и первородной религиозности народа Бретани.
Симона Бартолена
Художник Поль Гоген (1848-1903). Французская школа. Женщины Таити (на пляже). Картина написана в 1891 г. Холст, масло. Холст, масло 69x91,5 см. Музей Орсе. Париж
Из журнала "Великие музеи мира" № 5 "Музей Орсе. Париж":
В апреле 1891 года Поль Гоген отправляется на Таити. У него есть множество причин, чтобы уехать так далеко, самым настоящим образом убежать от цивилизации, в поисках новых горизонтов. Гоген находит на Таити то, что он тщетно искал в Бретани и на юге Франции. Мечты о жизни в обществе дикарей, руководствующихся инстинктами, но свободных от буржуазных порядков, царящих в старой Европе, привлекают, в конце концов, многих художников того времени. Новыми музами Гогена становятся местные женщины, которые превосходно воплощают идеалы художника. Его манят магическое и двойственное соединение плотской красоты и нетронутости, соблазнительной телесности и первозданной чистоты. Гоген изображает женщин обернутыми в красочные парео, со стилизованным линейным рисунком. Женщины написаны в естественных позах, скрывающих повторения поз статуй буддийских храмов или Древнего Египта. Несмотря на показную дикарскую простоту собственного художественного творчества, Гоген является интеллектуалом. Его творения скрывают в себе сложные культурные аллюзии, системы символов и уровни интерпретации, совершенно неясные для тех, кто не обладает подходящими ключами для их прочтения. Поэтому, вполне понятны суждения современников, которые, за редким исключением, не могли принять новой вселенной мастера, этого рая, по выражению Стриндберга 5 одном из писем к художнику, где обитает «Ева, которая не является моим идеалом».
Симона Бартолена

Кстати, сегодня дата - 1 апреля 1891 года Поль Гоген отплыл на Таити из порта Марселя. 

Некоторые другие картины художника можно увидеть по ссылке Поль Гоген (1848-1903).

вторник, 15 января 2013 г.

Итальянский художник Алессандро Маньяско, прозванный Лиссандрино (1667-1749) - продолжение

Alessandro Magnasco (Genoa 1657-67-1749).A stormy landscape with Carthusian monks praying at a shrine, angels in the sky beyond. Oil on canvas.58.4 x 43.9 cm - Алессандро Маньяско (Генуя 1657-67-1749). Бурный пейзаж с картезианскими монахами, которые  молятся в храме, ангелы на небе за его пределами. Холст, масло. 58,4 х 43,9 см

Alessandro Magnasco (Genoa 1657-67-1749).AN ARCHITECTURAL CAPRICCIO WITH A MUSICIAN AND PEASANTS BEFORE A PORTABLE ALTAR WITH SAINT ANTHONY OF PADUA . Oil on canvas.64.5x50.5 cm - Алессандро Маньяско (Генуя 1657-67-1749). Архитектурное  каприччио с музыкантом и крестянами у небольшого алтаря святого Антония Падуанского. Холст, масло. 64.5x50.5 см

Алессандро Маньяско (Генуя 1657-67-1749). Архитектурное каприччио с музыкантом и крестянами у небольшого алтаря святого Антония Падуанского. Холст, масло. 64.5x50.5 см. Молящиеся монахи. Исполнено в 1710-1720 гг. Холст, масло 54,5 х 39 см. Амстердам. Государственный музей
Из журнала "Великие музеи мира" №8 "Государственный музей. Амстердам":
Это произведение является одной из типичных «монастырских» работ генуэзского мастера, который отобразил наиболее смиренные и повседневные моменты монашеской жизни, начиная с молодости, и до зрелых лет. Оно подпадает также под имевшую место в XVIII веке полемику, направленную против коррупции в монашеских орденах. Картины этого мастера выставлялись как призыв возврата к первоначальной чистоте, выражающейся в заплатанной одежде монаха, скудности обстановки, жизни в покаянии и бедности, представленной без единого намека на сатиру. Фигуры троих монахов-отшельников ордена бенедиктинцев ориентированы по диагонали в центральную пустоту, на фоне которой выделяется склоненная голова одного из них. Маньяско создает все новые и новые варианты этого сюжета, используя одну и ту же типологию. Его произведения являются образцом безупречного в отношении выбора красок стиля. Беспорядочные мазки разрушают формы напряженным ритмом и синтезируют объемные фигуры. Скрюченные, поникшие, усталые, но наполненные идейным смыслом Просвещения, они напоминают, с одной стороны, венецианскую живопись XVI века, а с другой, эксперименты болонского художника Джузеппе Мария Креспи.
На этой картине нет места пейзажу, как декоративному элементу. Три монаха медитируют, молятся и каются среди скал, перед двумя распятиями, черепом, раскрытой Священной книгой и песочными часами. Частое обращение к монашеской иконографии в творчестве художника указывает на живой интерес со стороны заказчика.
Даниэла Тарабра
Alessandro Magnasco (Genoa 1657-67-1749).Cardplayers by a fire . Oil on canvas.59 x 44cm - Алессандро Маньяско (Генуя 1657-67-1749). Картёжники  играют возле огня. Холст, масло. 59 х 44см

Alessandro Magnasco (Genoa 1657-67-1749).FRATI CHE SI SCALDANO INTORNO AL FUOCO . Oil on canvas.63 x 95 cm - Алессандро Маньяско (Генуя 1657-67-1749). Монахи греются возле огня. Холст, масло. 63 х 95 см

Alessandro Magnasco (Genoa 1657-67-1749).LA BIBLIOTECA DEL CONVENTO CON FRATI NOVIZI AL LAVORO. Oil on canvas.93 x 73.5 cm - Алессандро Маньяско (Генуя 1657-67-1749). Монастырская библиотека во время обучения новых братьев. Холст, масло. 93 х 73,5 см

Alessandro Magnasco (Genoa 1657-67-1749).LA PREDICA AI MONACI PENITENTI. Oil on canvas.56.7 x 42.5 cm - Алессандро Маньяско (Генуя 1657-67-1749). Проповедь к кающимся монахам. Холст, масло. 56,7 х 42,5 см

Алессандро Маньяско (Генуя 1657-67-1749). Рынок Верциере. Исполнено около 1733г. Холст, масло.122x167 см. Замок Сфорца. Милан
Из журнала "Великие музеи мира" №21 "Милан. Замок Сфорца":
 Работа ранее находилась в частной коллекции дворянина Камилло Танци, где значилась как «Маньяско: рынок в Вероне». В течение XX столетия она пользуется большим успехом у публики, начиная с выставки 1922 года под названием «Итальянская живопись XVII и XVIII веков», во время которой критики обнаружили разницу в манере написания произведения, что свидетельствует о нескольких авторах - может быть, четырех - в соответствии с обычаем и модой в отношении городских пейзажей XVII и XVIII веков. Последующие исследования проводятся для определения имен авторов, после чего Маньяско приписывается написание фигур заднего плана и статуй. Признание в качестве сюжета картины миланского рынка Верциере опровергло ее веронское происхождение. На картине - рынок, типичный для того времени, написанный в соответствии с проницательным изучением сценографии фона, открытием дополнительных пространств (две готические арки на заднем плане), и элементами перспективы, например, колонна Спасителя, известная как «позорный столб», напоминающая о чуме 1630 года, помещенная на переднем плане в центре сцены.
Внутри этой продуманной композиции раскрывается сцена повседневной жизни, в которой присутствуют оживленные нотки: от трех лавок с левой стороны, до продавцов и нарядных покупателей, бродящих среди прилавков на переднем плане, и до прибывших дворянских карет на заднем плане. 
Мартин Астольфи
Alessandro Magnasco (Genoa 1657-67-1749).The Vision of Saint Augustine . Oil on canvas.103.8 x 76.4 cm - Алессандро Маньяско (Генуя 1657-67-1749). Видение святого Августина. Холст, масло. 103,8 х 76,4 см

Alessandro Magnasco (Genoa 1657-67-1749).A Capuchin friar tending a companion's foot by a fire . Oil on canvas.54.5 x 40.2 cm - Алессандро Маньяско (Генуя 1657-67-1749). Монах-капуцин обрабатывает ногу товарища огнем. Холст, масло. 54,5 х 40,2 см

Alessandro Magnasco (Genoa 1657-67-1749).RITRATTO DI LETTERATO. Oil on canvas.122 x 97 cm - Алессандро Маньяско (Генуя 1657-67-1749). Портрет литератора. Холст, масло. 122 х 97 см

среда, 19 декабря 2012 г.

Праздник святого Николая - художник Ян Стен

Ян Стен (1626-1679). Праздник святого Николая. Исполнено в 1665-1668 гг. Холст, масло 82 х 70,5 см. Государственный музей Амстердама
Из журнала "Великие музеи мира" № 8 "Государственный музей. Амстердам": 
Праздник Санта-Клауса является составной частью нидерландского фольклора, однако он довольно редко отображался в жанровой живописи. Скорее всего, художники искали собственные сюжеты не столько среди собственного окружения, или в жизни общества, к которому они принадлежали, сколько в творчестве других художников. Только так можно объяснить многочисленные повторения тем жанровых сцен, имевших коммерческий успех. Праздник отмечается до сих пор в день святого Николая Чудотворца, 5 декабря, и сопровождается преподношением детям маленьких подарков (большей частью, сладостей), по крайней мере, тем, кто вел себя хорошо: вечером малыши ставят свой башмачок у камина, ожидая утром найти в нем подарок, принесенный ночью Санта-Клаусом. Во времена Стена все происходило почти так же, как и сейчас. Это можно угадать по счастливым лицам двух детей в центре, с подарками в руках, и по плачущему личику мальчика, стоящего слева, который за свое плохое поведение получил только розги в свой башмак. Но бабушка, стоящая в глубине сцены, подзывает его, потому что, возможно, припрятала подарок также и для него. Мир детей и семейных отношений, со стариками и внуками, находит у Стена внимательную интерпретацию, уважительную и занимательную. Сладости со специями и традиционным голландским печеньем, выложенным на стуле, составляют натюрморт на первом плане справа.
Даниэла Тарабра

пятница, 17 августа 2012 г.

Голландский художник Герард Тер Борх (1617 - 1681)

Герард Тер Борх (1617 - 1681). Интерьер с фигурами. Исполнено около 1654 г.Холст, масло 71 х73 см. Государственный музей Амстердама - Gerard Ter Borch (1617 - 1681). Interior with Figures. Done about 1654. Oil on canvas, 71 cm h73 State Museum in Amsterdam
Из журнала "Великие музеи мира" № 8 "Государственный музей. Амстердам":
"На этой картине, одно время носившей название «Отцовские наставления», композиция безукоризненно отрегулирована расположением персонажей и предметов. Ракурс стоящей спиной женской фигуры открывает и определяет четкий профиль двух сидящих фигур. Эта обособленная группа, четко определяющая поле перспективы, представляет собой, в некотором роде, сцену, на фоне которой все остальное кажется второстепенным. Такое средоточие фигур в четко определенном центральном ядре предполагает наличие точки, в которой пересекается вертикальная ось, четко разделяющая полотно на две части. Такая композиция определяет эмоциональную насыщенность беседы, участие персонажей в доверительном диалоге, который, как кажется, приостановил на мгновение свое неторопливое течение. Направленный свет утяжеляет объемы и создает серебристые блики на шелковом платье девушки, которое спокойно поблескивает в тихом полумраке комнаты. Кавалер, сидящий на стуле, вероятно, клиент, девушка - проститутка, а женщина, прихлебывающая вино, сводница. Эту версию подтверждает большая красная кровать на заднем плане, зеркало и собака - символы сладострастия. Двусмысленность сцены заключается в хитрой уловке художника, изобразившего девушку со спины, не позволяя, таким образом, заметить ее реакцию.
Борх уделял много внимания точной передаче материалов, и, как отмечали его современники, особенно удавались ему переливы шелка на платьях. Его мастерство полностью проявляется даже в изображении лент на панталонах и кожаных подошв туфель мужчины, а также деревянных половиц."
Даниэла Тарабра
GERARD TER BORCH (1617 - 1681). DEVENTER A PORTRAIT OF A GENTLEMAN. Oil on canvas - ГЕРАРД Терборх (1617 - 1681). Девентер Портрет джентльмена. Холст, масло

GERARD TER BORCH (1617 - 1681). THE CARD PLAYERS. Oil on canvas laid on panel. 46.7 by 36.8 cm - ГЕРАРД Терборх (1617 - 1681).Картежники. Холст на доске, масло. 46,7 на 36,8 см
Герард Тер Борх (1617 - 1681). Мальчик, который ловит у собаки блох. Исполнено около 1665 года. Холст, масло. 34,4x27,1 см. Старая Пинакотека. Мюнхен - Gerard Ter Borch (1617 - 1681). The boy who catches the dog fleas. Done about 1665. Oil on canvas. 34,4 x27, 1 cm Alte Pinakothek. Munich
Из журнала "Великие музеи мира" № 16 "Старая пинакотека. Мюнхен":
"Мальчик (возможно, это портрет сына художника Мозеса) изображен в момент, когда он ловит у собаки блох. В Голландии в XVII века так называемая «жанровая живопись» всегда имела потаенный смысл, скрытый за видимостью интерьера буржуазного дома, народной сцены или обычного портрета, как на этом полотне. Мальчик полностью поглощен своим занятием. Находящиеся рядом с ним на грубом деревянном столе тетрадь и перо говорят о прилежании, порядке и аккуратности, которые его отец хотел бы ему преподать. Тер Борх проявляет себя замечательным портретистом, ему удается изобразить, как из бедного и простого фона возникают нежные фигуры мальчика и собаки, очень сосредоточенной и покорно послушной. Свет распространяется по всей комнате, обрисовывая мягкие постепенные переходы теней на курточке мальчика и на деталях, составляющих сцену (большая шляпа на первом плане, маленький стул или угол стены), а затем, как бы но привычке, концентрируется на проборе в волосах мальчика. Тер Борх был мастером описаний этих молчаливых домашних сцен, в которых обнаруживается уникальная тонкость исполнения и легкие, деликатные и почти незаметные психологические наблюдения.
Тетрадь и чернильница изображены для композиционного равновесия и призывают к благородному делу, в противовес никчемному занятию ухода за собакой, которым увлечен юноша. Эти предметы становятся также символами моральной строгости кальвинистской Голландии XVII века."
Сильвия Боргезе
AFTER GERARD TER BORCH (1617 - 1681). A SOLDIER OFFERING A YOUNG WOMAN COINS, OIL ON CANVAS - ПОСЛЕ ГЕРАРДа Терборха (1617 - 1681).СОЛДАТ ПРЕДЛАГАЕМ МОЛОДОЙ ЖЕНЩИНЕ МОНЕТЫ. Холст, масло 

After Gerard ter Borch.  Guardsmen reading a letter in an interior. Oil on panel.51.2 x 41.2 cm - После Герара Терборха. Гвардеец читает письмо в интерьере. Масло на доске.51.2 х 41,2 см

STUDIO OF GERARD TER BORCH (1617 - 1681).AN INTERIOR WITH A LADY TAKING SINGING LESSONS FROM A GENTLEMAN, A SLEEPING DOG IN THE FOREGROUND, Oil on canvas. 77.2 by 63.6 cm - Студия Герарда Терборха (1617 - 1681). Помещение с дамой берущей уроки пения у джентльмена и спящей собакой на переднем плане, Холст, масло. 77,2 на 63,6 см
 

понедельник, 9 июля 2012 г.

Ян Вермеер ван Дельфский (1632—1675)

Ян Вермеер ван Дельфский (1632—1675). «Девушка в красной шляпе». Дерево, масло. 23,2 х 18,1 см. Исполнено в 1665-66 гг. Национальная галерея, Вашингтон
Из журнала "Великие музеи мира" №9 "Национальная галерея искусств. Вашингтон": 
Маленький стол неоднократно вызывал дискуссии среди критиков, которые, в некоторых случаях, отрицали авторство художника по формальным причинам. На самом деле, это, вероятно, единственная картина, написанная на дереве, вместо привычного холста, и в этом проявляются несоответствия, препятствующие критикам атрибутировать авторство великому Голландцу. И все-таки, исследование преломления света и цветовых рефлексов, производимых им в картине, подтверждает высокий уровень, достойный кисти Вермеера. Фоном для картины служит небольшой гобелен. Крупные фигуры, изображенные на нем, и декоративная кайма соответствуют типичным моделям голландских гобеленов конца XVI века. Еще одним декоративным элементом картины являются подлокотники кресла в виде львиных голов, на которые оперлась девушка, внезапно обернувшись. Они странным образом повернуты к зрителю и неправильно выровнены, однако эта тенденция присутствует и в других произведениях художника. В любом случае, их удаленность создает достаточно места для того, чтобы девушка оперлась рукой на подлокотник, и чудесная резьба стала доступной нашему любованию ею вблизи.
Роза Джорджи
Ян Вермеер ван Дельфский (1632—1675). «Женщина, которая пишет». Холст, масло 45 х 39,9 см. Исполнено около 1665 г. Национальная галерея, Вашингтон
Из журнала "Великие музеи мира" №9 "Национальная галерея искусств. Вашингтон": 
В сюжетах Вермеера довольно редко можно увидеть, чтобы персонаж оторвался от своего занятия и повернулся к зрителю. Девушка запечатлена в момент, когда таинственный гость неожиданно отвлек ее от письма (перо в правой руке еще касается листа бумаги). И все-таки, ничего в ее взгляде и выражении лица не указывает на то, что она удивлена этим визитом, хотя глаза светятся особым вниманием к вошедшему. Тема письма, написанного молодой девушкой, в голландском искусстве традиционно носит любовный характер, который в этой картине можно соотнести только со взглядом героини, и ни с какими другими намеками и символическими указаниями, встречающимися в произведении. Личность девушки неизвестна. Существовала гипотеза, что речь могла идти о супруге Вермеера Катарине Больнее, которой во время написания картины было около тридцати четырех лет. Однако подтверждений этой гипотезы довольно мало: желтый жакет, обшитый горностаем, в который одета героиня, несомненно, мог принадлежать гардеробу Катарины, но он присутствует и в других картинах Вермеера, на других женских фигурах.
На стене комнаты - картина, очень темная, с фоном в виде маленькой семейной сцены, была определена, как натюрморт с музыкальными инструментами, где представлена также виола да гамба. Общеизвестно, что в иконографической традиции этот инструмент может иметь значение, связанное с любовью: такой элемент подтвердил бы любовный подтекст темы картины.
Гусиное перо еще касается листа почтовой бумаги. Девушка только что прервала написание письма при виде входящего персонажа, который остается неизвестным зрителю. Процесс написания, так хорошо освещенный и включающий в себя также стол, покрытый голубым сукном, основывается на таких точных формальных характеристиках, как, например, соответствие между диагоналями, образованными левым запястьем и складкой сукна.
На голове у молодой женщины шиньон из косичек, обернутых вокруг головы, с лентами, завязанными бантиками в форме звезд, по голландской моде начала 60-х годов XVII века. Ее лицо с тонкими чертами не кажется идеализированным, как в других произведениях мастера, и передано с особым вниманием к цветовым нюансам.
Ян Вермеер ван Дельфский (1632—1675). «Женщина с весами». Холст, масло 42,5 х 38 см. Исполнено около 1664 г. Национальная галерея, Вашингтон
Из журнала "Великие музеи мира" №9 "Национальная галерея искусств. Вашингтон": 
Сцена с женщиной, держащей весы, входит в группу картин Вермеера, которые могут считаться аллегорическими. Действия женщины в интерьере можно было бы считать простой жанровой сценой, если бы в картине не присутствовало изображение Страшного Суда позади героини, придающее трактовке произведения теологический контекст.
Фигура женщины, видимо, беременной, которая с большим спокойствием и вниманием уравновешивает весы, выставляя в безукоризненном равновесии их чашечки, могла бы иметь светскую интерпретацию образа Девы Марии в ожидании появления Иисуса, а также милосердной матери-заступницы. Заметно также, что на весах нет драгоценностей: ни жемчуга, ни золота. В это же время на столе лежат монеты, ожерелья и жемчужные украшения. Женщина могла служить воплощением тщеславия или мирской суеты, а все дорогие украшения приобретают смысл ценностей только в земной жизни. Другие трактования аллегорий признают в персонаже персонификацию Осторожности и Воздержания. Искусство Вермеера достигает в этой картине высшего смысла гармонии, заключающейся в кротком жесте женщины, в продуманном использовании света, который просачивается сквозь оранжевую занавеску и осторожно рассеивается по всему окружающему пространству.
Из окна, прикрытого оранжевой занавеской, просачивается теплый свет, нежно рисующий диагональ, приводящую к рассмотрению весов. Тот же свет играет бликами на золотых украшениях. Сбоку, прямо перед женщиной, виднеется зеркало: хорошо просматривается его структура, способствующая пониманию аллегории Воздержание.
Страшный Суд представляет в верхней части сцены фигуру Христа-Судьи. Только тот, кто не понимает до конца его значение и последствия, боится его, и подобное изображение кажется полностью гармонирующим со спокойствием женщины, которая могла бы быть, следовательно, образом человека, решившего жить умеренно, осторожно и воздержанно.
Маленькие ювелирные весы с двумя пустыми чашками удерживаются женщиной в полном равновесии. Для придания жесту ощущения горизонтальности и стабильности, она отводит мизинец. Инструмент, поддерживаемый в равновесии, может принимать аллегорическое значение поощрения взвешенному отношению к собственному выбору, как рекомендовал Игнатий Лойола в трактате «Духовные упражнения», конечно же, известном автору.
Ян Вермеер ван Дельфский (1632—1675). «Женщина, читающая письмо». Холст, масло 46,5 х 39 см. Исполнено около 1663 г. Государственный музей, Амстердам
Из журнала "Великие музеи мира" №8 "Государственный музей. Амстердам": 
Молчание, сосредоточенность, почти метафизическая отрешенность образа и разреженная атмосфера поддерживаются безукоризненным погружением каждого элемента в идеальную шахматную доску пространства, полноты и пустоты, цвета и тени. Эта картина является поэтическим шедевром, написанным по памяти, где огромное значение приобретает именно отсутствие «кого-то» неопределенного. На это нам указывает расстояние, пролегающее между тем, кто написал письмо, и девушкой, которая его читает: пустой стул на первом плане и географическая карта указывают на человека, который находится далеко отсюда. Композиция сведена к самой сущности, к немногим элементам и цветам. Падающий свет, оттолкнувшись от стола, преломляется на груди женщины, лазурная плазма жакета придает теням синеватый оттенок и подчеркивает губы, приоткрытые при чтении. Мастерство перспективы у Вермеера наводит на мысль, что он работал с линейкой и компасом, или разработал математическую систему для определения соотношений между элементами композиции. Так, например, ассиметрическое равновесие трех условно прямоугольных зон белой стены создает ощущение спокойной устойчивости, задумчивого покоя, конца ожидания.
Свет падает прямо, из окна слева, освещает спинку стула, крапинки металлических гвоздей на ней,и заливает беленую стену. Тени на стене приобретают неуловимый голубоватый оттенок, частично отраженный при полном свете.
Даниэла Тарабра
Ян Вермеер ван Дельфский (1632—1675). «Аллегория живописи». Дерево, масло 120 х 100 см. Исполнено в 1665-66 гг. Музей истории искусств. Вена.
Из журнала "Великие музеи мира" №19 "Музей истории искусств. Вена": 
Этот шедевр довольно трудно интерпретировать. Он может иметь в качестве литературного источника «Иконологию» Чезаре Рипа, опубликованную впервые в 1603 году и переведенную на голландский язык в 1644 году. Поскольку молодая женщина держит в руках книгу и трубу, а на голову надет лавровый венок, она может быть отождествлена с Клио, одной из муз, божеств, которые покровительствуют творческому вдохновению. Или это может быть Слава, достигнутая с помощью искусства. В данной картине Вермеер хотел воплотить тонкую аллегорию и прославление живописи, в частности, голландской, что подтверждает карта Нидерландов на заднем плане. Пол выложен белой и черной плиткой по диагонали с большим знанием перспективы. Как будто бы Вермеер обращается к «театру в театре», который Шекспир ставил на сцене на радость зрителям, наслаждающимся спектаклем, как на этой картине, за спиной автора. Занавес раздвигается и открывает мастерскую, взгляд останавливается на персонажах, освещенных мощным, насыщенным светом, и символических деталях, придающих картине необычную таинственность.
В такой детали, как люстра, проявилось необычное и редкое мастерство живописи Вермеера. Его понимание живописи в значительной мере носит интеллектуальный оттенок и углубляется благодаря научным знаниям. Масляная живопись становится для голландского художника идеальным средством для конкретизации света в четкой материальной среде.
Маска, символ скульптуры, а также комедии и трагедии, и раскрытая книга, намек на изучение архитектуры, должны означать сопоставление искусств, и среди них живопись, которая в глазах Вермеера имеет превосходство.
Набросок на холсте напоминает прическу молодой женщины у окна. художник изображён со спины, рисующим, как это часто бывает в его картинах с натуры. Он запечатлён в момент начала работы. 
Сильвия Боргезе

Художественное наследие Яна Вермеера очень невелико. Небольшое количество картин художника помноженное на его великое мастерство определяют величайшую цену этих картин. Стоимость одного небольшого полотна сопоставима с ценой всех объектов, которые предлагают агентства недвижимости в артёме по покупки и аренде жилья.

среда, 27 июня 2012 г.

Ян Вермеер ван Дельфский (1632—1675)

Ян Вермеер ван Дельфский (1632—1675). «Молочница» 45,5 × 41 см. Холст, масло. 1658 Рейксмюзеум, Амстердам.
Из журнала "Великие музеи мира" №8 "Амстердам. Государственный музей":
"Прежде, чем приступить к работе над этой картиной, Вермеер уже написал три или четыре жанровые сцены, в которых он искал способы создания застывшей во времени атмосферы, вечной и неподвижной, определенной четким соотношением фигур и окружающего их пространства. Эта замечательная картина открывается яркой сплоченностью натюрморта на первом плане, где громоздятся объемные мазки, скопления золотистых искрящихся сгустков красок. На этой торжествующей способности раскрывать суть вещей Вермеер строит сцену, располагая предметы и ритмическое движение женщины с геометрическим совершенством. Яркий свет льется из окон, касается белой стены, с которой только что сняли гравюру (остались гвоздь и дырка в штукатурке), добирается до плинтуса из голубых делфтских керамических плиток и ложится ярким полотном на хлеб, на корзину. Вермеер мог написать эту картину, только находясь в этой комнате, перед служанкой. Кто знает, сколько раз он заставлял натурщицу повторить этот жест, чтобы уловить взглядом точную степень белизны струйки льющегося молока, на которой находится самая яркая точка картины. Создается ощущение полного подчинения истине, без дополнений, без любви к мгновенно узнаваемой личной манере исполнения. Корзина и начищенное до блеска ведерко висят в полумраке угла кухни. Свет, проникающий из окна, в котором выбито одно из стекол, едва их освещает. Блики от платья женщины высвечивают желтые пятна меди. Свет, как перспектива, определяет атмосферу картины. Видны контрасты светотени между фигурой и задней стенкой, подчеркнутые белой контурной линией вдоль плеча и левой руки молочницы. 
 На зеленой скатерти царит плетеная корзина с хлебом, зрительный аромат которого создает гармонию всей сцены. Поверхность картины пузырится точечными мазками кисти, как будто автор хочет в наибольшей степени подчеркнуть развитие событий на однотонном ярком фоне. Все вместе, лишенное каких-либо декоративных дополнений, определяет монолитную, как станок, фигуру женщины, наполненную, в то же время, этическим значением. 
 Белоснежная струя молока, текущая из кувшина в глиняную миску, является самой яркой точкой композиции, ее кульминацией. В картине практически нет действия,разве что - струйка молока, текущая в домашней тишине кухни. Энергия женщины заключена в ее взгляде, в то время, когда она переливает молоко, и в осторожности, с которой ее руки держат кувшин."
Даниэла Тарабра
 Ян Вермеер ван Дельфский (1632—1675). «Бокал вина».  65 × 77 см. Холст, масло. 1658-60. Старая национальная галерея, Берлин.
Из журнала "Великие музеи мира" №10 "Берлинская картинная галерея":
Значение Вермеера в истории искусства обратно пропорционально численности его собственноручных сохранившихся произведений. Только тридцать две картины, часто на одну и ту же тему или похожие по обстановке, хронология которых по-прежнему служит предметом широкого обсуждения, по причине отсутствия документальных свидетельств. Художественные искания Вермеера основываются на концепции контрастности, в результате чего достигается истинная конкретизация света до степени его материальной ощутимости. Поворотным моментом в живописи мастера стала вторая половина 50-х годов, когда художник из Делфта обратился к созданию небольших, интимных картин с изображением домашних интерьеров. Почти все они были построены по аналогичной схеме: лучи света из окна слева постепенно проникают в комнату, высвечивая мирные сцены, состоящие из одной или двух задумчивых фигур, занятых чтением, или игрой на музыкальных инструментах, или простыми повседневными заботами. Среда и персонажи, выписанные до самых мельчайших деталей обстановки, одежды и предметов, буквально изваяны светом, с помощью холодной и ясной палитры желтых, синих, серо-зеленых оттенков, и с помощью техники, развивающейся от «широкого» мазка кисти до почти глянцевого блеска поверхности.
Открытое окно слева со свинцовым переплетом, картина на стене, обитые стулья с украшениями в виде львиных головок, восточный ковер, одежда самих персонажей, относятся к обычному словарю Вермеера.Он постоянно использует привычный синтаксис, разрабатывая его в большинстве своих произведений, в результате чего они видимым образом связаны между собой.
Хотя сюжет, представляющий сцену повседневной жизни, кажется банальным (мужчина предлагает женщине бокал вина), картина Вермеера всегда была объектом символических или морализаторских интерпретаций. Самая признанная из них усматривает здесь любовное сближение, где вино играет роль средства для снятия запретов.
Расположение окна, организация пространства комнаты, слегка наклоненный пол и расстановка мебели выдают увлечение Вермеера камерой-обскурой для построения перспективы, в которой важную роль играют свет и краски. Высокая точка зрения позволяет видеть большую часть пола, в шахматном порядке вымощенного плиткой, что создает оптический эффект, усиливающий перспективу.
Вильям Делло Руссо
Ян Вермеер ван Дельфский (1632—1675). «Кружевница».  24 × 21 см. Холст, масло. Около 1665 г. Лувр. Париж.
Из журнала "Великие музеи мира" №2 "Лувр":
Подпись Вермеера находится на фоновой стене справа, а дата - на основании стиля. Полотно относится примерно к 1665 году. Изображение выдвинуто прямо на передний план, вместе со всеми элементами, которые характеризуют среду, настолько приближая ее к зрителю, что трудно на ней сфокусироваться, уловить ее формы. Это решение нечасто встречается в произведениях художника, который предпочитает оставлять между зрителем и образами обширные пустые пространства. Не совсем обычно также смещение источника света вправо, хотя почти привычна уже стала точка зрения снизу вверх, акцентированная нависанием сцены и ее максимальной приближенностью. Сюжет, заимствованный у художников-жанристов,современных и предшествующих, типичен для Вермеера. Мастер предпочитает изображать женские персонажи за повседневными занятиями, в окружении ярнвычных предметов домашнего обихода. Этот образ, так глубоко привязанный повседневной реальности, становится волшебным, чарующим, благодаря необыкновенной чистоте света и красок.
Фигура и предметы определяются светом, который расходится по всему пространству холста, создавая иллюзию светлого домашнего интерьера, смягченного и погруженного в разреженную атмосферу. Зритель как бы попадает в эту атмосферу, теряясь в поисках иного смысла, скрытого за представленной действительностью.

Алессандра Флеголент
Ян Вермеер ван Дельфский (1632—1675). «Улочка в Дельфе». 54,3 × 44 см. Холст, масло. 1658. Рейксмюзеум, Амстердам.
Из журнала "Великие музеи мира" №8 "Амстердам. Государственный музей":
Погруженная в матовый свет пасмурного дня, сцена, кажущаяся нам почти застывшей во времени, - это внимательное отображение реальности, взятое не из литературных или изобразительных источников. Вермеер сосредоточивает свое внимание на этом уголке улицы, провожая взглядом свежевыкрашенные известью пороги, мостовую, выложенную неправильными параллелями брусчатки, детей, играющих перед домом, пока их мать шьет, и, наконец, проход между двумя зданиями, в глубине которого виднеется фигура монахини. Художник, который видел эту сцену из окна своего дома в Делфте, не описывает ее с топографической точностью, но пропускает ее сквозь свое мастерство композиции. Вермеер не интересуется этим «почти ничем», которое происходит под его внимательным взглядом. Его цель не в том, чтобы документировать качество кирпича, известковые нити швов, которые их соединяют, кривоватые доски оконных ставней первого этажа. Он старательно выбирает и смешивает на палитре точное сочетание тонов: то, которое безошибочно будет соответствовать оптическому восприятию сетчатки его глаза.
Даниэла Тарабра
Ян Вермеер ван Дельфский (1632—1675). «Любовное письмо». 44 × 38,5 см. Холст, масло. 1669. Рейксмюзеум, Амстердам
Из журнала "Великие музеи мира" №8 "Амстердам. Государственный музей":
Вермеер превращает зрителя в свидетеля, наблюдающего сквозь проем двери событие личного характера. Богатая дама получает письмо, принесенное горничной, и, с выражением удивления, прерывает игру на лютне, которую держит в руке. Ее поведение свидетельствует о неуверенности в любовных чувствах, нарушающих спокойствие ее, по-видимому, размеренного существования, что подсказывает прозрачный свет, заполнивший комнату. Композиция построена, как триптих, в котором главный эпизод изображен на центральной створке. Яркий световой акцент, сделанный на нем, в точности согласуется с аналогичными на двух боковых частях, представленных, как серия первых планов, открывающих глубину сцены в перспективной последовательности, где фокусом является горностаевый воротник платья сидящей дамы. Эти просчитанные формальные соответствия и соразмерность пропорций определяют позднее произведение мастера, так же, как и абстрактно-геометрическое построение композиции и совершенство точных мазков. Очарование полотна заключается в неожиданно поднятой дверной портьере, залитой ярким утренним светом. Это позволило увидеть предметы обихода, такие, как метла и башмаки, возможно, находившиеся в гостиной дома самого художника.
Полная света комната с изящным камином хорошо обставлена и украшена картинами. Стены обшиты позолоченной кожей. Картина, на которой изображено спокойное море, а также висящий над ней пейзаж, являются добрым предзнаменованием в любви. В XVII веке любовь часто сравнивали с морским путешествием, которое может привести либо к корблекруше-нию, либо в надежный порт. В картинах других авторов, изображающих женщин, читающих или получающих письмо, часто присутствуют морские пейзажи.
В шести картинах Вермеера главной героиней является женщина, которая читает, пишет или получает письмо, в основном, расцениваемое, как любовное послание, хотя прямых ссылок на это нет. Эта сцена сосредоточена на диалоге между горничной, принесшей письмо, и госпожой, берущей его в руки. Улыбкой на лице служанки Вермеер дает понять, что беспокойство женщины в отношении любимого человека беспочвенно.
Перспектива плиточного пола ведет наш взгляд в ярко свещен-ную комнату, на пороге которой только что были оставлены предметы обихода - метла и башмаки. Вермеер использует рассчитанную перспективу не только для того, чтобы изобразить анфиладу комнат, но и затем, чтобы усилить ощущение интимности, что является основополагающим для сюжета картины.
 Даниэла Тарабра
Ян Вермеер ван Дельфский (1632—1675). «Женщина, примеряющая ожерелье».  55 × 45 см. Холст, масло. Около 1660-62. Старая национальная галерея, Берлин.
Из журнала "Великие музеи мира" №10 "Берлинская картинная галерея":
Следуя обычной, любимой им иконографической схеме, Вермеер и в этой картине проявляет свое необычайное мастерство колориста, которое выражается в световых эффектах и в удивительном контрасте между темным передним планом и ярким фоном, образованным жемчужными тонами стен. Ясность и рациональность окружающей среды, где доминируют две хроматические составляющие, желтый и синий цвета, подчеркивает безмятежность элегантной девушки, глядящейся в зеркало и примеряющей жемчужное ожерелье. Ее взгляд пересекает картину по всей ширине. Атмосфера неподвижна, безмолвна и сосредоточенна, как будто девушка только что получила, через луч света, важное откровение. Мы ничего не знаем о ней. Все, что художник дарит нам, это только мгновение из жизни обычного человека. Очень вероятно, что эта картина имела дидактические или наставительные цели: зеркало, жемчуг и пудреницы, - это традиционные указания на типичную для XVII века тему суетности, бренности всего земного. «Красота быстротечна, как отражение в зеркале», - подсказывает нам Вермеер. Оставаясь в строго определенном культурном контексте голландского XVII века, мастер выходит за пределы пространства и времени, чтобы показать нам образы универсального значения.
 Вильям Делло Руссо

четверг, 1 октября 2009 г.

Виллем ван де Вельде Младший (1633-1707) - «Орудийный залп»

Виллем ван де Вельде Младший (Willem van de Velde de Jonge) (до 18 декабря 1633, Лейден — 6 апреля 1707, Гринвич) — нидерландский художник, самый известный и самый талантливый художник из семейства ван де Вельде. Его называли Рафаэлем морской живописи.
Виллем учился у своего отца Виллема ва де Вельде Старшего кораблестроению и рисунку, затем изучал живопись у Симона де Флигера. В первой половине своей жизни Виллем ван де Вельде Младший занимался изображением побед голландского флота. В 1677 г. поступил на службу к английскому королю Карлу II. После смерти Карла II на некоторое время вернулся в Голландию, но вскоре был снова призван на службу в Англию королём Яковом II. Художник знаменит своими картинами, изображающими спокойное море с волшебным отражением глади воды и морскими баталиями. Его работы хранятся в Лондонской национальной галерее и частных английских коллекциях, в амстердамском Рейксмузее, Гааге, Берлине, Мюнхене, Вене и Париже. В Эрмитаже находятся три картины Виллема ван де Вельде Младшего. Кроме картин, он оставил множество рисунков, число которых превосходит 8000.
Художник Виллем ван де Вельде Младший (1633-1707), Нидерландская школа, «Орудийный залп». Рейксмузеум. Амстердам

пятница, 21 августа 2009 г.

Ян ван Гойен (1596-1656)

Художник Ян ван Гойен (1596-1656), Голландская школа, «Зимний вид в окрестностях Гааги». 1645 Дерево, масло. 52х70 см. Государственный Эрмитаж
Художник Ян ван Гойен (1596-1656), Голландская школа, «Пейзаж с дубом». 1634 Холст, масло. 87х105 см. Государственный Эрмитаж
Художник Ян ван Гойен (1596-1656), Голландская школа, «Пейзаж с двумя дубами». Королевский музей в Амстердаме
Художник Ян ван Гойен (1596-1656),Голландская школа, «Берег в Схевенингене». 1634 Холст, масло. 96,5х144 см. Государственный Эрмитаж