Реджинальд Марш (1898-1954) - «Небоскрёбы»

Reginald Marsh (1898 - 1954). SKYSCRAPERS. 1931 - Реджинальд Марш (1898-1954). Небоскрёбы. Исполнено 1931 году

 Нью-Йоркские небосрёбы являются олицетворением Америки. Реджинальд Марш запечатлел их в период постройки. Уже тогда в эти здания были вложены миллионы долларов. Сегодня же миллионы стоят квартиры в этих домах  на Манхэттене, а за их фасадом совершаются миллиардные сделки.  По этой теме снят увлекательный сериал "Миллиарды", в котором показано противостояние между финансовыми воротилами и законом. В январе следующего года выходит второй сезон, Смотреть его можно будет там же, где и первый на этом сайте.

Reginald Marsh (1898 - 1954). THE REX PASSES THE BATTERY. 1939 - Реджинальд Марш (1898-1954).  Посадка на теплоход "Рекс". Исполнено в 1939 году. 

Джордж Хейтер (1792—1871) - «Королева Виктория (1819-1901)».

Джордж Хейтер (1792—1871). Принцесса Виктория Кентская, будущая королева Англии со спаниелем Дэшем . Потрет исполнен в 1833 году 

Джордж Хе́йтер — английский художник, работавший в области портретной и исторической живописи, известен своими портретами королевы Виктории, которая стала королевой в 19 лет и правление которой стало золотым веком Британской империи.

Интересно, что Виктория была лишь племянницей короля Вильгельма IV, умершего в 1837 году. О том, как и почему  она  стала королевой и что произошло в первые годы её долгого правления можно рассказывает  Сериал Виктория смотреть онлайн

.

Джордж Хейтер (1792—1871). Королева Виктория (1819-1901). Коронационный портрет исполнен в 1838 году.  

Итальянский художник Франческо Колеман (1851-1913) - «Чудеса Тибра»

Francesco Coleman (Italian, 1851-1918). THE WONDERS OF THE TIBER - Итальянский художник Франческо Колеман (1851-1913) - «Чудеса Тибра» 

См. также:

Итальянский художник Франческо Колеман (1851-1913) - «Охотники»

Сингапурский художник Сью Хокк Менг (1942 г.р.) - «Верхний ярус»

SIEW HOCK MENG (Singaporean, B. 1942). The Loft. Painted in 1996 - Сингапурский художник Сью Хокк Менг (1942 г.р.). Верхний ярус.. Исполнено  в 1996 году 

Анн-Луи Жироде-Триозон (1767—1824) - «Погребение Аталы»

Анн-Луи Жироде де Русси-Триосон. Погребение Аталы. 1808 г. Холст, масло, 207 х 267 см В коллекции Лувра с 1818 г.

Из сборника "Великие музеи мира" №2 "Лувр. Париж":

Картина «Погребение Аталы» была приобретена во времена Реставрации для музея, только что созданного в Люксембургском дворце. Экспозиция была посвящена еще живущим современным художникам. Тот факт, что картина была написана десять лет тому назад, в разгар наполеоновской эпохи, не сделал эту работу опасной, ведь ее сюжет не содержал ничего революционного. Тема полотна трактовалась без каких-либо политических или гражданственных намеков. Картина вдохновлена одним из самых успешных романов того времени, «Аталой» Шатобриана. Это трагическая история любви двух «диких» существ, опубликованная в 1801 году. К ней впоследствии обращались многочисленные художники, прельщенные экзотичностью истории. Темы, введенные в литературу Шатобрианом, привлекают и живописцев. Тон меланхолии и усиленное значение светотени присущи драматической и сентиментальной чувствительности предромантизма - течения, которое сосуществует с более рациональными тенденциями неоклассицизма. На следующий год после создания этой картины Жироде напишет также знаменитый портрет Шатобриана, который олицетворяет новый тип художника: меланхолический и «нечесаный» гений.

Алессандра Флеголент

Детали:

Молодой влюбленный в отчаянии оплакивает смерть Аталы. Их история разворачивается на девственных территориях, во французских колониях в южной части Соединенных Штатов, на берегах Миссисипи, где любовь двух простых и страстных существ находится в противоречии с религиозными законами. Ссылка на религию подтверждается крестом на заднем плане, а также еще одним в руках у девушки, и образом монаха.

Надписи на стене пещеры говорят о существовании девушки, «живой, как цветок» и «увядшей, как трава в ноле».

Точное и плавное живописное исполнение, четкость рисунка, мраморный блеск кожи и рассчитанное равновесие композиции выявляют общность стиля, если не вдохновения, с Давидом.

Ян Гриффер Старший (ок.1645 - 1718) - «Зима»

Ян Гриффер. Зима. Медь, масло. 51,3х59 см. Собрание Савойской галереи, г. Турин. Из коллекции Евгения Савойского-Суассона

Из сборника "Великие музеи мира" № 23 "Савойская галерея. Турин": 

Автор этой картины, сказочной и простонародной, родился в Голландии, но переехал в Англию очень молодым, вероятно, в возрасте пятнадцати лет. Он поселился в Лондоне, поступил в мастерскую Яна Лотена, где приобрел профессию, став популярным жанровым живописцем. Его специальностью стали речные пейзажи, при этом, его стиль характеризуется исключительным богатством деталей, а также высокой линией горизонта, что напоминает искусство Яна Брейгеля, а в более общем смысле - фламандский пейзаж начала XVII века. Зимний пейзаж был популярным жанром Северной живописи, где игры детей и повседневные заботы взрослых, происходящие на льду, изображались довольно часто. Многообразие рисунков, скрупулезность, с которой они распределены, и добродушие простонародных лиц здесь выражены в чередовании холодных цветов с более теплыми пастельными тонами, придающими живописи атмосферу сказок братьев Гримм. Работа, как и многие из фламандских шедевров, представленных в галерее, ранее находилась в коллекции принца Евгения Савойского-Суассона. Работа подписана в нижнем правом углу «Jan Griffier».

Франческа Сальватори

Джузеппе Мария Креспи (1664-1747) - «Святой Ян Непомуцкий исповедует королеву Богемии»

Джузеппе Мария Креспи (Испанец) Святой Ян Непомуцкий исповедует королеву Богемии. Исполнено около 1740 г. Холст, масло 155 x 120 см В коллекции с 1743 г.

Из сборника "Великие музеи мира" №23 "Савойская галерея. Турин":

Работа была куплена в 1743 году аббатом Салани для Карла Эммануила III Савойского за сумму в 630 фунтов. Если бы не звездная корона, атрибут святого, придающий сцене подобие исторического эпизода, картину можно было бы трактовать в соответствии с революционным стилем Креспи, как демотическую исповедь болонской женщины в любой из городских церквей. Сюжет картины повествует о покровителе Богемии, который отказался нарушить таинство исповеди, скрыв от короля Вацлава IV содержание исповеди королевы Иоанны, из-за чего был в 1393 году подвергнут мученической смерти. Сюжет погружен Креспи в то, что Роберто Лонги назвал «скромной, повседневной сценой с использованием церкви», где «к исповедальне прислонена трость, а черные туфли молодого священника блестят, смазанные салом». Вокруг сцены создана аура интимности и правдивости, в результате чего возникает понимание самых простых реалий, что составляет главный вклад Креспи в обновление жанровой живописи. Теплый свет, который проникает через узкое отверстие ризницы, осторожно касаясь фигур, создает ауру, окутывающую происходящее, подчеркивая тем самым отсутствие каких-либо абстрактных аллегорий. Картина подписана инициалами «G.C.»; в верхней части исповедальни надпись «Quor remiseritis peccata remittvntvr eis».

Франческа Сальвадори

Ян Непомуцкий был казнён королём Вацлав IV, который распорядился  сбросить связанного в мешке священника с Карлова моста в Праге. С тех пор св. Ян Непомуцкий считается покровителем профессиональных секретов и пострадавших от наводнения. 

Детали:

Образ этой королевы, которая не выглядит как королева, хорошо отражает процесс секуляризации, который начался в XVIII веке. Искусство Креспи является примером того, как, по словам Эцио Раймонди, «идея XVII века истории литературы проникает в повседневную жизнь общества».

Поэтика Креспи была названа «поэзией повседневной жизни», и тому подтверждение эти большие, тяжелые кожаные ботинки, замечательно полно выражающие способности художника и отображении домашней обстановки, к которым добавляется беспокойный дух исследователя.

Среди различных элементов реализма, которые наперебой спешат придать очарование этой работе, мы видим фигуру старика, определенного Лонги как «старый фанатик», настолько погруженного в молитву, что его нос оказался больно и неестественно сжат руками.

См. также:


Джузеппе Мария Креспи (1664-1747)

МИКЕЛАНДЖЕЛО МЕРИЗИ ДА КАРАВАДЖО (1573—1610) - две картины из Лувра

Караваджо. Гадалка. Исполнено в 1594-1599 гг.  Холст, масло 99 х 131 см. В коллекции Лувра с 1665 г. Из коллекции Людовика XIV

Деталь:

Во время гадания по руке молодая цыганка ловко стаскивает кольцо с пальца нарядно одетого юноши Другой вариант этого сюжета хранится в Капитолийском музее в Риме (см. ниже).

Из сборника "Великие музеи мира" №2  "Лувр. Париж":

Традиционно считается, что эта работа Караваджо создана вскоре после его прибытия в Рим, с намерением заявить о своем анти-академическом направлении: «Окликни цыганку, которая случайно проходит мимо по улице, отведи ее в гостиницу в предвкушении приключения... Вообрази себя молодым человеком, который кладет одну руку в перчатке на меч и протягивает ей другую раскрытую руку, она берет ее и разглядывает...». Композиционную смелость, свободу в постановках, сечениях и освещении можно объяснить лишь отчасти, ссылаясь на обучение мастера в Ломбардии и его знание жанровой живописи, восходящей к Джорджоне. Именно в этом Караваджо устраивает самую настоящую революцию, которая посягает на смысл понятия «заниматься живописью». Здесь мы восхищаемся абсолютной оригинальностью художника в построении пространства, без планов, разграничивающих фигуры. Уверенность и дерзость кавалера переданы в его широком движении по диагонали, через противоположные выступы меча и перьев головного убора. II это время фигура цыганки кажется более закрытий и зажатой, в платье с широкими рукавами, скрывающими прекраснейшую часть руки.

Алессандра Флеготент

Караваджо. Смерть Марии. Исполнено в 1605-1606 гг. Холст, масло. 369 х 245 см.  В коллекции Лувра с 1671 г., покупка из коллекции Людовика XIV

Из сборника "Великие музеи мира" №2 "Лувр. Париж":

Включение повседневности в ее наиболее скромных проявлениях в священные сцены делает Караваджо великим новатором религиозной живописи XVII века. Однако именно это новаторство послужило причиной отказа от работы кармелитов Санта-Мария делла Скала, римской церкви, для которой она была предназначена. Из-за мало ортодоксального реализма Богородицы духовенство не смогло воспринять всепоглощающий гуманизм, переданный через изображение мертвого тела молодой утопленницы с непокрытыми ногами и вспухшим лицом. Картина была приобретена Гонзага при посредничестве Рубенса. Смерть Девы Марии становится сценой человеческого отчаяния и скорби со стороны группы, состоящей из мужчин, апостолов, и Марии Магдалины. Отчаянная бедность обстановки наполняется торжественностью и великолепием благодаря большой красной завесе. Высочайшее драматическое напряжение достигается за счет чрезвычайной концентрации стилистических средств. Все пространство организуется пересечением планов и сопоставлением групп, выделенных светом, который вылепливает фигуры и выхватывает из тени скорбящих и лик Мадонны.

В 1627-1628 годах картина, вместе со значительной частью коллекции Гонзаго, оказалась в собрании Карла I в Англии, а в 1649 году в коллекции банкира Жабаха, который, в свою очередь, продал ее в 1671 »оду Людовику XIV для украшения Версаля. В 1793 году картина попала в свое нынешнее место нахождения, называемое тогда Центральный Музей Искусств.

Алессандра Флеголент

См. также:

МИКЕЛАНДЖЕЛО МЕРИЗИ ДА КАРАВАДЖО (1573—1610)