Художник Лукас Кранах Старший (1472-1553), Немецкая школа. «Мадонна с младенцем под яблоней». Холст, масло, переведена с дерева. 87х59 см. Около 1528 г. Государственный Эрмитаж
Художники эпохи Возрождения часто изображали Мадонну с младенцем Христом как символ материнской любви. Друг и соратник Мартина Лютера, главы немецкой Реформации, Кранах хотел дать новую трактовку этой теме, распространенной в религиозном искусстве католической церкви, против которой выступил Лютер. Образу Мадонны приданы одновременно черты торжественности и простоты. Великолепие пейзажа, который служит фоном картины, напоминает о народных немецких песнях, в которых Мадонна выступает как царица природы. С наивной простотой переданы листва и плоды яблони, детская непосредственность Христа, сжимающего в ручонках корочку хлеба и яблоко. Радостный, сияющий колорит картины придает ей особую прелесть.
Художник Лукас Кранах Старший (1472-1553), Немецкая школа. «Венера с амуром». Холст, масло. 213х102 см. Исполнено в 1509 году. Государственный Эрмитаж
Среди тем, которыми эпоха Возрождения обогатила искусство, важное место занимает античная мифология. Образы богини любви и красоты древних римлян Венеры и ее сына, шаловливого Амура, своими стрелами пронзающего сердца влюбленных, неоднократно изображались итальянскими художниками, вдохновленными образцами древнеримской скульптуры. По иному передает его немецкий живописец, никогда не видевший этих образцов, но зато знающий упоминания Венеры в старинных легендах и песнях средневековья. Как беспощадную, но непобедимую богиню, пленившую некогда рыцаря Тангейзера, и изобразил Венеру Кранах, снабдив свою картину латинским двустишием:
«Всеми силами гони купидоново сладострастие,
Иначе твоей ослепленной душой овладеет Венера».
Из книги "Эрмитаж":
"Венера, изображённая на этой картине, воплощает идеал женской красоты самого знаменитого мастера саксонской школы XVI века, получившего своё имя от города Кронаха, где он родился в 1472 году. С 1505 года Кранах переселился в Виттенберг, где стал придворным художником курфюрста Саксонии. С 1508 года он украсил себя дворянским титулом и взял в качестве родового герба изображение крылатого змея, ставшего эмблемой его мастерской. На картине эмблема видна на белом листе вместе с инициалами художника и датой. Богиня, которая кажется цветной скульптурой, ожившей , как статуя Пигмалиона, является типичным изображением обнажённой фигуры в натуральную величину, как было принято при дворе. Это первое на севере Европы изображение Венеры обнажённой, а также первое в творчестве Кранаха живописное произведение на мифологический сюжет. Тема богини любви, недвусмысленно чувственной и довольно популярной у итальянских художников, здесь приобретает религиозно-моралистический облик. За спиной богини, обнажающей своё тело, присутствует латинская надпись (намёк на классическую культуру немецкого гуманизма), призывающая прогонять Амура, если не хочешь попасть под власть Венеры.
Венера протягивает руку, как бы желая помешать Амуру пустить стрелу. Единственными яркими нотами в картине, где преобладают бурые и жёлто-золотистые тона, являются бусы Амура. "
Александра Фреголент
Художник Лукас Кранах Старший (1472-1553), Немецкая школа. «Женский портрет». Дерево, масло. 88,5х58,6 см. 1526 г. Государственный Эрмитаж
"Одинокие образы на картинах Хоппера отражают как пессимистичный характер художника, так и эпоху, в которой он вырос. Он родился в маленьком городке в штате Нью-Йорк; его отец был владельцем магазина и ярым баптистом. Необычайно высокий, Хоппер провёл одинокое детство среди книг и всю жизнь ненавидел болтовню, предпочитая тишину и редко обсуждая своё творчество. В 18 лет он поступил в Нью-Йоркскую художественную школу учиться на журнального иллюстратора. Хоппер дважды посетил Париж, где увлёкся уже относительно старомодными импрессионистами. Но окончательно он посвятил себя живописи лишь в 1924 году (в возрасте 42 лет) и в том же году женился на Джо Нивисон, весёлой актрисе и художнице. Супруги жили в Нью-Йорке и отдыхали на даче Кейп-Коде. Хоппер презирал абстракционизм и держался в стороне от модернистов. Однако абстракционисты восхищались чёткой геометрией его работ, имеющий явный современный настрой. К концу 1930-х гг. Хоппер прославился." "Картины Хоппера лишены сюжетов. Каждая из них напоминает кадр из фильма будто всё вот-вот придёт в движение с смысл прояснится. Заядлый киноман в эпоху чёрно-белых фильмов, Хоппер явно заимствовал кинематографические приёмы, основанные на углах, контрастах света и тени и ярких композициях, возмещающих отсутствие света" "Хоппер не выказывал интереса к новым стилям живописи и сознательно избегал модернистской тематикию В 1960 г. он яростно протестовал против включения картин абстракционистов в собрание Музея современного искусства."
Главные работы
Кафе-автомат. 1927. Демойнский центр искусства, Де Мойн, штат Айова Ночные окна. 1928. Музей современного искусства. Нью-Йорк Летняя пора.1943. Делавэрский художественный музей. Уилмингтон Утреннее солнце. 1952. Колумбийский центр искусства. Колумбус, штат Огайо.
"Великое искусство - это внешнее провление внутренней жизни художника" - Эдуард Хоппер Художник Эдуард Хоппер (1882-1967), Американская школа. «Двухцветный маяк». Холст, масло. 1958 г. США. Сан-Франциско, Частное собрание.
Вальтер Вомака принадлежит к тем немецким художникам, имя которых стало известно в послевоенные годы. Вомака завоевал широкую популярность произведениями на современную тему.
Мастер высокой художественной культуры, он унаследовал демократические традиции немецкого искусства 20-х годов с его гражданским пафосом и обращением к важнейшим темам современности. Секрет успеха его творчества в том, что художник сам непосредственно связан с живой действительностью, с людьми, которых он изображает. Мы верим искренности его влюбленных («На пляже»), молодому задору нового поколения («Лето»), свежести весенних пейзажей, так как все это не отвлеченный пафос, а глубокое вдумчивое размышление художника над проблемами современной жизни и становления личности в новом, социалистическом обществе. Вальтер Вомака, сын садовника, родился в 1925 году в Обергеоргентале, маленьком городке на территории Чехословакии, захваченной в 1938 году гитлеровцами. Война оставила глубокий след в сознании художника волею судьбы оказавшегося вовлеченным в нее. В первые послевоенные годы Вомака находился в Британской, оккупационной зоне Германии. В 1949 году, когда образовалась Германская Демократическая Республика, Вомака переехал туда. Он настойчиво изучал изобразительное и прикладное искусство сначала в Веймаре, в Институте архитектуры и изобразительного искусства, а затем в Дрездене.
Прежде чем обрести собственный художественный язык, Вомака испытал влияние различных тенденций и направлений. Регулярно выставляться он начал с 1953 года, когда на IIIХудожественной выставке в Дрездене была представлена его дипломная картина. В дальнейшем Вомака участвует на многих выставках в Германской Демократической Республике и за границей, про-
должая работать в области станковой живописи и графики, а также в стенописи и витраже.
В 1954 году Вомака пишет этюд «Старая гавань в Штральзунде». Четкими уверенными мазками положена краска, собирающаяся то там, то здесь в большие цветовые пятна. С этого этюда начинается смелый поиск выразительного живописного языка, который в таких работах 50-х годов, как «Болгарский натюрморт» (1957), «Ноябрьский вечер в Кремле» (1958) и другие, обретает уже черты определенного стиля.
«Болгарский натюрморт» выполнен акварелью и темперой. Художник выбирает точку зрения сверху и показывает зрителю все содержимое плетеной корзины. Это—маленький кусочек щедрой и богатой природы Болгарии. Художник здесь как в фокусе собирает всю яркость и красоту южных красок. Эта картина раскрывает одну из наиболее ярких граней дарования художника: декоративность, которая присуща и такой картине, как «Ноябрьский вечер в Кремле». Широкая свободная манера письма не позволяет художнику останавливаться на отдельных деталях. Краска ложится на холст большими плоскостями цвета, разграниченного в отдельных местах четкими контурами. Рождается ощущение яркого и необыкновенного праздничного зрелища.
В конце 50-х — начале 60-х годов Вомака начинает работать над большими мозаичными панно, не бросая, однако, и станковую живопись. Художник обращается к большому кругу сюжетов, связанных с современностью. Образное, эмоциональное решение получают такие важные темы, как творческий, созидательный труд («Лето»), подрастающее молодое поколение («Пионерка», «На берегу»), мир («Девушка с голубем»). Художник ищет все новые и новые средства, чтобы как можно конкретнее выразить свой эстетический идеал, свое понимание современности. Вомака — в одном ряду с теми, кто строит новое общество, вкладывая в это дело весь свой задор, энергию, убежденность
На пятой немецкой выставке экспонировалась картина Вомаки «Лето». Ее можно связать с целым циклом работ художника, посвященных теме труда в демократической Германии. Однако это полотно отличается от
других большей жизненной правдивостью образов. Настроение художника созвучно времени, его собственный идеал смыкается с идеалом эпохи. Жизнеутверждающий оптимизм искусства Вомаки порожден временем огромного подъема в стране, строящей социализм.
Лиризмом и теплотой проникнута цветная литография Вомаки «Девушка с голубем». Исполненное в плакатной манере, это произведение воспринимается как символ мира и юности. Цвет является носителем настроения и выразительности образа.
Огромный успех картины Вомаки «На пляже» подтверждает правильность позиции художника, идущего от малого к большому, от частного к общему. Это яркое, выразительное произведение уже давно завоевало известность и признание у самого широкого и самого взыскательного зрителя далеко за пределами ГДР, Тонким лиризмом, эмоциональной сдержанностью и какой-то удивительной жизненной энергией проникнуты образы молодых влюбленных. Благодаря умело построенной композиции, простоте и вместе с тем выразительности художественных средств между зрителем и персонажами картины устанавливается своеобразный контакт. Мы верим в искренность чувств этих людей, воспринимаем их внутреннюю взволнованность через скупой язык жестов, взглядов, чуть заметное прикосновение рук. Две фигуры написаны на фоне пустынного пляжа с виднеющейся полоской моря. Приподнятая высокая линия горизонта способствует тому, что весь задний план воспринимается как фон для этих фигур. Этот прием заставляет нас обращать внимание на главное в картине. Графическая четкость в сочетании с богатством живописных приемов, как например, употребление смешанной техники живописи маслом и темперой, преобладание широких плоскостей цвета, придают полотну характер монументально-декоративного панно.
Летом 1962 года Вальтер Вомака побывал в Индонезии, сопровождая художественную выставку ГДР. Это путешествие обогатило его творчество не только новой тематикой, оно дало ему много нового в смысле восприятия цвета, нюансов и контрастов тонов. Не экзотика тропического юга, а сама жизнь большого южного
острова, щедрого, как лучи солнца, — таким мы видим остров Бали в его акварелях и рисунках. Спокойными, горделивыми, исполненными чувства собственного достоинства предстают перед нами представители древнейшей расы («Девушки с острова Бали»). На фоне пышной растительности их тела отливают золотом. В них есть та же естественность, грация и простота, как в образах древнейшей национальной скульптуры. Акварельную технику Вомаки отличают большая свобода и виртуозность. Он широко использует размывки.
В 50-е годы Вомака обращается к монументально-декоративному искусству. Художник, решающий произведения в больших цветовых плоскостях и четких линейных контурах, стремящийся к обобщению и концентрированному выражению идей, вполне естественно начинает интересоваться стенной живописью, витражом и мозаикой. С монументальным искусством человек общается непосредственно на улицах городов, в стенах общественных зданий. Доступное большой массе людей, монументальное искусство доносит до зрителя в художественных образах большие и сложные темы современности. В 1955 году Вомака участвует в оформлении города немецких металлургов Айзенхутенштадта, На витраже, исполненном им для детского дома, изображены танцующие вокруг дерева дети. Настроение радости и покоя сменяется тревогой и гневом в монументальной композиции, посвященной памяти жертв фашизма. По проекту Вальтера Вомаки на территории бывшего концлагеря Заксенхауз был установлен мозаичный триптих. В центре триптиха — фигура советского воина с ребенком на руках, женщины, поднимающей знамя, и бывшего узника, дающего клятву борьбы. Тема народного гнева и скорби над телами павших звучит в левой и правой частях композиции. Фоном для центральных фигур триптиха служат фризообразные изображения сцен борьбы немецкого рабочего класса против фашизма.
И. Степанова
Художник Вальтер Вомака (род. 1925), Немецкая школа. «Болгарский натюрморт». Темпера. 1957 г.
Художник Каспар Давид Фридрих (1774-1840), Немецкая школа. «Исполиновы горы». 1835 г. Холст, масло. 73,5х102,5. Государственный Эрмитаж
КАСПАР ДАВИД ФРИДРИХ (1774-1840) Ислолиновы горы. 1835 г. Холст, масло. Ленинград, Государственный Эрмитаж
В немецком романтизме проявился своеобразный протест против цивилизации, стремление уйти от сутолоки городской жизни и политических бурь в безмятежный мир природы. В этих умонастроениях сказались незрелость политических идеалов немецкой буржуазной интеллигенции начала века и ее разочарование в политической борьбе. Самый выдающийся мастер романтического пейзажа Каспар Давид Фридрих был настоящим певцом природы. Не слащавая красота Италии, которой восхищались художники классицисты, а родная природа — величественные просторы моря, бескрайние дали гор — служили неисчерпаемым источником его вдохновения. Человек кажется ничтожеством среди царства природы. Изображая причудливые громады Исполиновых гор (в Судеттах), художник показывает маленькие фигурки пастухов, в немом восхищении застывших и созерцающих вечную красоту этой панорамы.
Художник Гюгер Робер (1733-1808), Французская школа. «Жанровая сцена». Музей "Архангельское" Художник Гюгер Робер (1733-1808), Французская школа. «Выход на пастбище». Музей "Архангельское" Художник Гюгер Робер (1733-1808), Французская школа. «Руины». Музей "Архангельское" Художник Гюгер Робер (1733-1808), Французская школа. «Странствующие музыканты». Музей "Архангельское" Художник Гюгер Робер (1733-1808), Французская школа. «Пастушок». Музей "Архангельское" Художник Гюгер Робер (1733-1808), Французская школа. «Руина и пирамида». Музей "Архангельское" Художник Гюгер Робер (1733-1808), Французская школа. «Руины». Музей "Архангельское" Художник Гюгер Робер (1733-1808), Французская школа. «Павильон Аполлона и обелиск». Музей "Архангельское" Художник Гюгер Робер (1733-1808), Французская школа. «Водопад». Музей "Архангельское"
Мууга Лейли Адамовна (р. 14.11.1922, с. Майма Горно-Алтайской автономной области РСФСР), советский живописец, заслуженный художник Эстонской ССР (1965). Училась в Тартуском художественном институте (1947—51) и в Таллине в Художественном институте Эстонской ССР (1951—53, преподаёт там же с 1962). Для произведений М. (преимущественно жанровые картины, а также портреты и натюрморты) характерна патетичность образа: одноплановость крупнофигурной композиции, декоративность цветового решения (триптих «Протест против войны». 1959, «Оркестр», 1962, портрет А. Экстон, 1967, «Праздничные цветы», 1972, — все в Художественном музее Эстонской ССР, Таллин; «Семья рыбака», 1965, Третьяковская галерея).
Художник Лейли Мууга (род. 1922), Эстонская живопись. «Семья рыбака». 1965 г. Государственная Третьяковская галерея
Художник Лейли Мууга (род. 1922), Эстонская живопись. «Перед праздником». Выставка в Москве, 1956 г. Художник Лейли Мууга (род. 1922), Эстонская живопись. «Протест против войны». Триптих (центральная часть). 1959 г. Всесоюзная художественная выставка 1961 года.
