Сеонг Мой. "Визави", гравюра по дереву, 1962 год (78,6х58,4 см.)
среда, 14 июля 2010 г.
вторник, 13 июля 2010 г.
Американская гравюра - 3/4
.
понедельник, 12 июля 2010 г.
Американская гравюра - 1
Из проспекта выставки американской гравюры в Ленинграде:
До второй половины XiX века гравюра играла основную роль в иллюстрации книг, брошюр и газет. Однако с появлением фотографии и фотографирования гравюра по дереву, офорт и литография утратили своё было значение как единственное средство воспроизведения изображений и с тех пор стали исключительным достоянием художников.
За последние несколько десятков лет в американской графике наблюдается возрождение эстампа, проходящее так бурно и продуктивно, что сейчас художественная гравюра приобрела небывалое ещё значение. Всё больше живописцев и скульпторов главным образом проявляют свой талант за гравировальным станком. Одни придерживаются традиционных методов, другие проводят смелые эксперименты с новыми инструментами, материалами, приёмами. Среди новых методов особенно интересны: гравировка по люциту (твёрдая прозрачная пластмасса), использование картона для рельефности и замена резца проволочной сеткой.
Поиски новых методов и стилей характерны для американских гравёров наших дней. У современной гравюры немного общего со скромным одноцветным оттиском, знакомым нам с XV века. Она отличается багатой гаммой красок и искусным оформлением, не уступающими другим формам изобразительных искусств.
Многие художники- гравёры занимаются и педагогической деятельностью. Они работают в графических мастерских разбросанных по всей стране, и преподают в высших учебных заведениях, где графическое искусство часто включается в учебную программу. Не меньший интерес к графике проявляет и публика. Ежегодно растёт число выставок графики, устраиваемых музеями, картинными галереями, учебными заведениями. Значительно увеличился спрос на гравюры у населения, которое покупает по доступным ценам подлинники художественных произведений.
"Лаймы, листва и цветы", литография, 1959 год (64,7 х 87,6 см).
суббота, 10 июля 2010 г.
ПАБЛО ПИКАССО И РУИС (1881—1973) - «Портрет Сюзанны Брох»
Испанская школа
«Портрет Сюзанны Брох». 1904
Холст, масло. 65 X 54
Музей искусств в Сан-Паулу. Бразилия
Крупнейший мастер двадцатого столетия, острый самобытный талант которого определил почти все основные направления в живописи первой половины века, активный борец за мир и яркая личность эпохи, Пабло Пикассо родился в испанском городе Малаге. Первоначальное художественное образование он получил у своего отца, преподавателя рисования Хосе Руиса Бласко, затем учился в Школе искусств в Барселоне и Академии живописи в Мадриде. В 1901 году Пикассо в первый раз приехал в Париж и сразу' попал в гущу различных художественных течений начала века. Спустя год Пикассо навсегда переезжает во Францию, живет там всю оставшуюся жизнь и умирает во французском городе Мужене. «Голубой период» в творчестве Пикассо — это своего рода ностальгия по Испании, стране его детства и юности. Именно к этому периоду относится и репродуцируемый «Портрет Сюзанны Брох», выполненный в лучших традициях европейского портретного искусства. В поисках монументального образа художник прибегает к обобщенным формам: плотной массой падают иссиня-черные волосы, обрамляющие сильное волевое лицо. Глубокий темно-синий фон, переходящий в черный, кажется сгущенной атмосферой, в которой невозможно дышать: молодая женщина с трудом поворачивает к зрителю свою тяжелую голову. Драматизм доходит здесь до космической вневременной отстраненности, что не мешает, однако, живо чувствовать индивидуальность портретируемой.
© «Изобразительное искусство». Москва. 1988 9-2076. 130000. 1837. 5 к.
ОТПРАВЛЯТЬ ПО ПОЧТЕ ТОЛЬКО В КОНВЕРТЕ
См. также:
Пикассо
ДЖОЗЕФ МЭЛЛОРД УИЛЬЯМ ТЕРНЕР (1775—1851) - «Замок Кэрнарвон»
Английская школа
«Замок Кэрнарвон»
Холст, масло. 96 X 140
Музей искусств в Сан-Паулу. Бразилия
В историю европейского искусства Тернер вошел как один из крупнейших представителей английской пейзажной школы. Уже во второй половине XVIII века в творчестве таких ведущих живописцев Англии, как Рейнолдс и Гейнсборо, заметно пристальное внимание к природе. Но отдельным жанром пейзаж становится лишь с приходом в английское искусство двух художников — Констебла и Тернера. Если Констебл был родоначальником реалистического пейзажа (он первым стал заканчивать работы на натуре), то Тернер интерпретировал состояние природы: его пейзажи — результат романтического переосмысления окружающего мира, что сближает художника с английскими романтиками в литературе.
Тернер родился в Лондоне, он не получил систематического школьного образования, но, будучи одержим искусством, закончил школу при королевской Академии художеств и стал действительным членом Академии. Живописные поиски Тернера во многом предвосхитили появление импрессионистов. Особенно пристально его творчество изучал Клод Моне. В поздних произведениях Тернера все мысли и чувства художника направлены на передачу атмосферы, окутывающей предметы. Именно к этому периоду принадлежит и полотно «Замок Кэрнарвон», в котором силуэты башен замка почти сливаются с очертаниями мачт и парусов рыбачьих шхун, отчего все изображенное в картине кажется миражем, напоминающим видения фантастических кораблей из морских легенд о Летучем голландце
Тернер родился в Лондоне, он не получил систематического школьного образования, но, будучи одержим искусством, закончил школу при королевской Академии художеств и стал действительным членом Академии. Живописные поиски Тернера во многом предвосхитили появление импрессионистов. Особенно пристально его творчество изучал Клод Моне. В поздних произведениях Тернера все мысли и чувства художника направлены на передачу атмосферы, окутывающей предметы. Именно к этому периоду принадлежит и полотно «Замок Кэрнарвон», в котором силуэты башен замка почти сливаются с очертаниями мачт и парусов рыбачьих шхун, отчего все изображенное в картине кажется миражем, напоминающим видения фантастических кораблей из морских легенд о Летучем голландце
© «Изобразительное искусство». Москва. 1988 9-2076. 130000. 1837. 5 к.
ОТПРАВЛЯТЬ ПО ПОЧТЕ ТОЛЬКО В КОНВЕРТЕ
пятница, 9 июля 2010 г.
ПОЛЬ СЕЗАНН (1839—1906) - «Большая пиния»
ПОЛЬ СЕЗАНН (1839—1906)
Французская школа«Большая пиния» (Пейзаж в Эстаке). Около 1892
Холст, масло. 84 X 92
Музей искусств в Сан-Паулу. Бразилия
Поль Сезанн родился в зажиточной семье на юге Франции, в городе Эксе. В 1861 году он приезжает в Париж и поступает в Академию Сюиса, где сближается с Камилем Писсарро, в будущем одним из пяти ведущих импрессионистов. В 1879 году Сезанн возвращается на родину в Прованс и в течение двадцати семи лет почти безвыездно живет там, участвуя в выставках импрессионистов. Художник создал свою собственную живописную систему, оказавшую большое влияние на искусство будущих поколений. Главной задачей его творчества были поиски внутренней закономерности связей живой материи, стремление привести в гармонию все многообразие рассеянных в природе форм и объемов, пластически воссоздать средствами живописи целостный облик видимого мира.
Пейзажи, аналогичные «Большой пинии» из Сан-Паулу, хранятся также в музеях других стран. Не случайно Сезанн писал, что он «любит это дерево, как старого друга». Приведенная в уравновешенную композицию структура пространства, соединившая в себе статику и динамику форм, рождает собирательный образ дерева вообще. Однако материальная достоверность изображенного заставляет нас видеть в картине именно данную пинию, что, несомненно, расширяет рамки одного жанра: пейзаж с деревом воспринимается как портрет этого дерева. Его застылая тяжеловесная вещность напоминает статичные объемные структуры предметов на многочисленных сезанновских натюрмортах
Пейзажи, аналогичные «Большой пинии» из Сан-Паулу, хранятся также в музеях других стран. Не случайно Сезанн писал, что он «любит это дерево, как старого друга». Приведенная в уравновешенную композицию структура пространства, соединившая в себе статику и динамику форм, рождает собирательный образ дерева вообще. Однако материальная достоверность изображенного заставляет нас видеть в картине именно данную пинию, что, несомненно, расширяет рамки одного жанра: пейзаж с деревом воспринимается как портрет этого дерева. Его застылая тяжеловесная вещность напоминает статичные объемные структуры предметов на многочисленных сезанновских натюрмортах
© «Изобразительное искусство». Москва. 1988 9-2076. 130000. 1837. 5 к
См. также:
Поль Сезанн (1839-1906)
Клод Моне (1840-1926) - «В лодке»
КЛОД МОНЕ (1840—1926)
Французская школа
«В лодке». Около 1874
Холст, масло. 133 X145
Музей искусств в Сан-Паулу. Бразилия
Оскар Клод Моне родился в Гавре в зажиточной буржуазной семье. Свой путь художника он начал с карикатур, на которые случайно обратил внимание известный в то время мастер Эжен Буден, посоветовавший юному карикатуристу учиться живописи. Против воли родителей Моне едет в Париж и поступает в Академию Сюиса. Но его пребывание там было вскоре прервано двухлетней службой в армии в Африке. В 1862 году Моне снова в Париже: он окончательно порывает с родителями, отказывается от ненавистного ему имени Оскар, поступает в мастерскую известного преподавателя живописи швейцарца Глейра, где знакомится со своими будущими единомышленниками Базилем, Ренуаром и Сислеем, и в художественной среде Парижа появляется новое имя — Клод Моне. Весной 1874 года в помещении, арендованном в центре Больших бульваров фотографом Надаром, открывается организованная только что покинувшими мастерскую Глейра молодыми живописцами выставка, которой суждено было стать очередным знамением века. Клод Моне представил на ней ставшее затем программным полотно «Впечатление. Восход солнца», которое дало название целому направлению (по-французски I`impression — впечатление) в живописи второй половины девятнадцатого столетия.
Полотно «В лодке» было написано в Аржантейе. В нем художник ставит перед собой задачу сделать человеческую фигуру частью пейзажа, окутать ее воздухом и светом, добиться естественного слияния красок живой и неживой материи, сделать картину частицей жизни, кусочком бытия. В одном из писем Моне писал: «Я опять взялся за невозможное: воду с травой, которая колеблется в ее глубине. Когда смотришь — чудесное зрелище, но можно сойти с ума, когда пытаешься написать»
Полотно «В лодке» было написано в Аржантейе. В нем художник ставит перед собой задачу сделать человеческую фигуру частью пейзажа, окутать ее воздухом и светом, добиться естественного слияния красок живой и неживой материи, сделать картину частицей жизни, кусочком бытия. В одном из писем Моне писал: «Я опять взялся за невозможное: воду с травой, которая колеблется в ее глубине. Когда смотришь — чудесное зрелище, но можно сойти с ума, когда пытаешься написать»
© «Изобразительное искусство». Москва. 1988 9-2076. 130000. 1837. 5 к.
ОТПРАВЛЯТЬ ПО ПОЧТЕ ТОЛЬКО В КОНВЕРТЕ
См. также:
Клод Моне (1840-1926)
четверг, 8 июля 2010 г.
Эдуард Мане (1832-1883) - «Амазонка»
Французская школа
«Амазонка» . Около 1875
Холст, масло. 90x116
Музей искусств в Сан-Паулу. Бразилия
Эдуард Мане — блестящий мастер-реалист, определивший развитие французской живописи второй половины девятнадцатого столетия, родился в Париже в семье судьи департамента Сены. Родители мечтали для сына о карьере юриста, но Эдуард Мане после трехмесячного пребывания юнгой на борту учебного корабля, добился согласия отца на поступление в Школу изящных искусств в мастерскую знаменитого в свое время салонного живописца Тома Кутюра. Однако настоящую школу Мане прошел в Лувре, копируя старых мастеров. В 1856 году он предпринял путешествие в Голландию, Германию и Австрию, а в 1865 — в Испанию. Новаторские полотна художника вызывали протест у буржуазной публики. В защиту творчества Мане выступил французский писатель Эмиль Золя: его поддержку искусства молодого мастера трудно переоценить. Колористические открытия Мане оказали огромное воздействие на будущих импрессионистов, которые считали его своим учителем.
Картина «Амазонка» представляет собой композиционный портрет жены художника, в девичестве Сюзанны Лен-хоф, известной пианистки, о таланте которой с похвалой отзывался великий Ференц Лист. Портрет написан с большой нежностью, мастер словно любуется моделью. Об отношении художника к жене красноречиво свидетельствует такой биографический факт. Во время франко-прусской войны 1870 года три брата Мане ушли волонтерами защищать Париж. 23 ноября 1870 года Эдуард Мане пишет жене из осажденного Парижа: «Я наполнил комнату твоими портретами... обнимаю тебя так же сильно, как я тебя люблю...»
Картина «Амазонка» представляет собой композиционный портрет жены художника, в девичестве Сюзанны Лен-хоф, известной пианистки, о таланте которой с похвалой отзывался великий Ференц Лист. Портрет написан с большой нежностью, мастер словно любуется моделью. Об отношении художника к жене красноречиво свидетельствует такой биографический факт. Во время франко-прусской войны 1870 года три брата Мане ушли волонтерами защищать Париж. 23 ноября 1870 года Эдуард Мане пишет жене из осажденного Парижа: «Я наполнил комнату твоими портретами... обнимаю тебя так же сильно, как я тебя люблю...»
© «Изобразительное искусство». Москва. 1988 9-2076. 130000. 1837. 5 к.
ОТПРАВЛЯТЬ ПО ПОЧТЕ ТОЛЬКО В КОНВЕРТЕ
См. также:
Эдуард Мане (1832-1883)
ФРАНСИСКО ДЕ ГОЙЯ (1746—1828) - «Портрет дона Хуана Антонио Льоренте»
 |
| ФРАНСИСКО ГОЙЯ И ЛУСИЕНТЕС (1746—1828) Испанская школа «Портрет дона Хуана Антонио Льоренте» Холст, масло. 189 X 114 Музей искусств в Сан-Паулу. Бразилия |
Франсиско Гойя — один из величайших художников мира, творчество которого знаменует новый взлет испанского искусства на рубеже XVIII и XIX веков. Гойя продолжил традиции испанских мастеров семнадцатого столетия, золотого века ее культуры, и прежде всего Веласкеса. Романтический реализм Гойи активно противостоит современному ему академическому искусству с его жесткими канонами, ставшими впоследствии тормозом поступательного развития европейского искусства. Творчество Гойи разнообразно, диапазон его исканий необычайно широк: превосходный портретист, автор драматических композиций и праздничных полотен, настенных росписей и графических серий, он вошел в историю искусства как блестящий живописец с неповторимой и яркой индивидуальностью, со сложным, до конца неразгаданным до сих пор духовным миром.
Портрет занимает особое место в творчестве Гойи. В последний период жизни художник писал только близких ему по душевному складу людей. К таким портретам относится и «Портрет дона Хуана Антонио Льоренте» — священника-энциклопедиста, друга художника, так же как и он, страдавшего из-за несовершенства политической и культурной жизни страны, задавленной реакцией. В этом портрете Гойя уходит от изображения аксессуаров, мешающих передаче психологии модели: лишь красная лента с висящим на ней орденом, кольцо на пальце и смятый платок в руке оживляют коричнево-черную гамму картины. Из этого темного пространства светлым, розово-охристым тоном вырывается лицо Льоренте — мягкой лепки, с живыми темными глазами и приветливо-улыбчивым ртом
Портрет занимает особое место в творчестве Гойи. В последний период жизни художник писал только близких ему по душевному складу людей. К таким портретам относится и «Портрет дона Хуана Антонио Льоренте» — священника-энциклопедиста, друга художника, так же как и он, страдавшего из-за несовершенства политической и культурной жизни страны, задавленной реакцией. В этом портрете Гойя уходит от изображения аксессуаров, мешающих передаче психологии модели: лишь красная лента с висящим на ней орденом, кольцо на пальце и смятый платок в руке оживляют коричнево-черную гамму картины. Из этого темного пространства светлым, розово-охристым тоном вырывается лицо Льоренте — мягкой лепки, с живыми темными глазами и приветливо-улыбчивым ртом
© «Изобразительное искусство». Москва. 1988 9-2076. 130000. 1837. 5 к.
ОТПРАВЛЯТЬ ПО ПОЧТЕ ТОЛЬКО В КОНВЕРТЕ
См. также:
ФРАНСИСКО ДЕ ГОЙЯ (1746—1828)
среда, 7 июля 2010 г.
ВИНСЕНТ ВАН ГОГ (1853—1890) - «Прогулка в сумерках»
Голландская школа
«Прогулка в сумерках». 1889
Холст, масло. 49 X 45
Музей искусств в Сан-Паулу. Бразилия
В бразильском музее хранятся три полотна трагического арльского периода в творчестве замечательного голландского живописца Винсента Ван Гога, которого по праву считают своим художником и французы.
Винсент Ван Гог родился в Голландии в семье сельского пастора. Умер художник на юге Франции. В шестнадцать лет Ван Гог покинул родной дом, поступив продавцом в гаагский художественный салон, затем некоторое время был воспитателем в частной школе в Англии, продавцом книжного магазина в Дортрехте и проповедником Евангелия в Боринаже, угольном районе Бельгии. Именно здесь он начал делать зарисовки, упорно овладевая мастерством рисунка. В 1885 году появились первые живописные произведения Ван Гога. В 1886 году художник приехал в Париж.
Полотно «Прогулка в сумерках», написанное во время пребывания в больнице Сен-Реми, относится к серии пейзажей с оливковыми деревьями. Стремление передать состояние наступающей ночи, порождающей беспокойство и тревогу, отчетливо звучит в напряженном пафосе оранжево-синего колорита, неустойчиво повисшем, как бы затянутом вуалью серпе луны, в притаившихся купах деревьев, в нервной жестикуляции рук идущей пары, как будто ускорившей шаги. Сопоставлением двух основных цветов — желтого и синего — и промежуточного — зеленого — художник добивается высшей степени эмоционального накала. Одержимость, с какой Ван Гог отдавался живописи, звучит в его словах: «... я заплатил жизнью за свою работу, и она стоила мне половины моего рассудка»
Гюстав Курбе (1819—1877) - «Портрет Зелии Курбе»
Французская школа
«Портрет Зелии Курбе». Около 1846
Холст, масло. 56 X 46
Музей искусств в Сан-Паулу. Бразилия
Великий французский художник-реалист Жан Дезире Гюстав Курбе родился в Орнане в семье богатого винодела. В 1840 году он приезжает в Париж и начинает посещать Академию Сюиса. Все свободное время Курбе проводит в Лувре, где усиленно копирует старых мастеров. Ранние работы Курбе отмечены чертами романтизма, но уже начиная с 1850-х годов он явно отдает предпочтение правдивому изображению действительности, намечается острый конфликт живописца с официальными художественными кругами. Целью жизни Курбе становится борьба за реализм против академического искусства. Гюстав Курбе был активным участником Парижской ^оммуны: он возглавлял организацию художников Парижа. Разгром коммуны чуть не стоил Курбе жизни, художник вынужден был эмигрировать в Швейцарию, где он и скончался.
«Портрет Зелии Курбе» относится к числу сравнительно ранних произведений мастера, в нем заметны отголоски увлечения Курбе его любимыми голландцами. Зелия — старшая сестра Гюстава Курбе. На портрете ей всего восемнадцать лет, но тяжелое физическое недомогание наложило свой отпечаток на лицо девушки. Зелия умерла рано, и художник тяжело пережил потерю близкого ему человека. Портрет носит интимный камерный характер, он достаточно традиционен и сентиментален, все в нем сдержанно и серьезно: и композиция, и цветовая гамма, и освещение. Кружево воротника и манжеты выделяет из темного окружения руку, которая поддерживает устало склоненную голову; обращенный к зрителю грустный взгляд отмечен печатью скорби и какой-то тихой неземной печали. Хочется без конца смотреть на это милое лицо, вызывающее щемящее чувство жалости, словно художник хотел поделиться с нами своим состоянием, заставил нас сопереживать ему.
© «Изобразительное искусство». Москва. 1988 9-2076. 130000. 1837. 5 к.«Портрет Зелии Курбе» относится к числу сравнительно ранних произведений мастера, в нем заметны отголоски увлечения Курбе его любимыми голландцами. Зелия — старшая сестра Гюстава Курбе. На портрете ей всего восемнадцать лет, но тяжелое физическое недомогание наложило свой отпечаток на лицо девушки. Зелия умерла рано, и художник тяжело пережил потерю близкого ему человека. Портрет носит интимный камерный характер, он достаточно традиционен и сентиментален, все в нем сдержанно и серьезно: и композиция, и цветовая гамма, и освещение. Кружево воротника и манжеты выделяет из темного окружения руку, которая поддерживает устало склоненную голову; обращенный к зрителю грустный взгляд отмечен печатью скорби и какой-то тихой неземной печали. Хочется без конца смотреть на это милое лицо, вызывающее щемящее чувство жалости, словно художник хотел поделиться с нами своим состоянием, заставил нас сопереживать ему.
ОТПРАВЛЯТЬ ПО ПОЧТЕ ТОЛЬКО В КОНВЕРТЕ
См. также:
Гюстав Курбе (1819—1877)
вторник, 6 июля 2010 г.
АНРИ МАТИСС (1869—1954) - «Гипсовый торс»
Французская школа
«Гипсовый торс»
Холст, масло. 113x87
Музей искусств в Сан-Паулу. Бразилия
Анри Матисс принадлежит к числу крупнейших мастеров нашего века, сыгравших огромную роль в становлении современного искусства. В его творчестве нашло отражение стремление сохранить и донести до людей радость, гармонию и красочность мира, хотя на долю мастера выпали не только безоблачные дни, но и минуты скорби и отчаяния: во время второй мировой войны дочь Матисса, участница движения Сопротивления, была в концентрационном лагере.
Анри Матисс родился в небольшом городке Като-Кабре-чи. Сначала он поступил в Академию Жюлиана в Париже, в мастерскую салонного живописца Бугро, но вскоре ушел оттуда в школу изящных искусств к Гюставу Моро, а затем стал посещать Академию Карьера. В «Осеннем салоне» Матисс выставил свои произведения наряду с Руо, Дюфи, Ван Донгеном, Марке, Дереном, Фриезом. Один из критиков назвал художников «дикими» (по-французски fauve). Матисс стал главой фовистов — объединения, просуществовавшего до 1907 года. Талант Матисса очень точно охарактеризовал В. Маяковский: «Если взять свет в его основе, не загрязненной случайностями всяких отражений и полутеней, если взять линию как самостоятельную орнаментальную силу, сильнейший — Матисс».
Полотно «Гипсовый торс» из музея в Сан-Паулу выдержано в холодной гамме бело-синих тонов, которую оживляют пятна розового, желтого и тепло-коричневого. Пластика гипсового торса перекликается с позой женской фигуры на рисунке, висящем на стене, и арабесками любимого Матиссом восточного ковра, часто появляющегося в его картинах
Анри Матисс родился в небольшом городке Като-Кабре-чи. Сначала он поступил в Академию Жюлиана в Париже, в мастерскую салонного живописца Бугро, но вскоре ушел оттуда в школу изящных искусств к Гюставу Моро, а затем стал посещать Академию Карьера. В «Осеннем салоне» Матисс выставил свои произведения наряду с Руо, Дюфи, Ван Донгеном, Марке, Дереном, Фриезом. Один из критиков назвал художников «дикими» (по-французски fauve). Матисс стал главой фовистов — объединения, просуществовавшего до 1907 года. Талант Матисса очень точно охарактеризовал В. Маяковский: «Если взять свет в его основе, не загрязненной случайностями всяких отражений и полутеней, если взять линию как самостоятельную орнаментальную силу, сильнейший — Матисс».
Полотно «Гипсовый торс» из музея в Сан-Паулу выдержано в холодной гамме бело-синих тонов, которую оживляют пятна розового, желтого и тепло-коричневого. Пластика гипсового торса перекликается с позой женской фигуры на рисунке, висящем на стене, и арабесками любимого Матиссом восточного ковра, часто появляющегося в его картинах
© «Изобразительное искусство». Москва. 1988 9-2076. 130000. 1837. 5 к.'
ОТПРАВЛЯТЬ ПО ПОЧТЕ ТОЛЬКО В КОНВЕРТЕ
См. также:
Матисс
Анри Тулуз-Лотрек (1864-1901) - «Господин Фурсад на балу в Опере»
Художник АНРИ ДЕ ТУЛУЗ-ЛОТРЕК (1864—1901)
Французская школа«Господин Фурсад на балу в Опере». Около 1889
Холст, масло. 77 X 63
Музей искусств в Сан-Паулу. Бразилия
Известный французский живописец и график Анри де Тулуз-Лотрек принадлежит к числу так называемых постимпрессионистов. Жизнь Анри де Тулуз-Лотрека глубоко трагична, недаром в некрологе в «Лион Републикэн» было сказано: «Грустный конец грустной жизни». Потомок крестоносцев, он родился в городке Альби в фамильном замке дю Боек. В возрасте двенадцати лет он стал калекой, единственным развлечением которого было рисование. Первые уроки Тулуз-Лотрек брал у художника Рене Пренсето, часто водившего его в цирк, который своей пестротой, внешним блеском и закулисными трагедиями стал в значительной степени отправной точкой для последующего творчества художника с Монмартра, воспевшего в своих картинах богему и полусвет Парижа. Всю свою недолгую жизнь Тулуз-Лотрек боролся с тяжелым недугом, что не могло не наложить отпечаток на его творчество, в котором часто — сквозь смех и веселье — проступает жестокая реальность. Сарказм и тонкая ирония видны в его даже самых безобидных картинах. Отточенность линии, умение найти неожиданный ракурс, подметить мельчайшие характерные детали и удивительный колорит отличают произведения художника, в которых перед нами встает образ эпохи.
На полотне из музея в Сан-Паулу изображен один из довольно известных персонажей того времени, завсегдатай заведений ночного Парижа банкир Фурсад. Острым взглядом художник выхватывает его из толпы лиц в маскарадных костюмах: блестящие стекла пенсне, нафабренные усы и раскованность движений создают образ типичного французского буржуа конца XIX века
На полотне из музея в Сан-Паулу изображен один из довольно известных персонажей того времени, завсегдатай заведений ночного Парижа банкир Фурсад. Острым взглядом художник выхватывает его из толпы лиц в маскарадных костюмах: блестящие стекла пенсне, нафабренные усы и раскованность движений создают образ типичного французского буржуа конца XIX века
© «Изобразительное искусство». Москва. 1988 9-2076. 130000. 1837. 5 к.
ОТПРАВЛЯТЬ ПО ПОЧТЕ ТОЛЬКО В КОНВЕРТЕ
См. также:
Анри Тулуз-Лотрек (1864-1901)
понедельник, 5 июля 2010 г.
ХАНС МЕМЛИНГ (Около 1435—1494) - «Богоматерь, Иоанн Евангелист и св. жены»
Нидерландская школа
«Богоматерь, Иоанн Евангелист и св. жены»
Дерево, масло. 51 X 40
Музей искусств в Сан-Паулу. Бразилия
Творчество Ханса Мемлинга наряду с искусством его великого соотечественника Иеронима Босха, по мнению большинства исследователей, завершает блестящий расцвет нидерландской живописи XV века.
Мемлинг родился в Зелигенштадте на Майне, но затем переехал в Брюгге, где и работал до конца жизни. Он прекрасно усвоил уроки Рогира ван дер Вейдена и Гуго ван дер Гуса, что проявилось в мастерстве его композиций и чувстве цвета. Произведения Мемлинга привлекают великолепно продуманной композицией, красотой колорита, изяществом линий. Светская трактовка религиозных сюжетов дает зрителю возможность прикоснуться к эпохе, в которую творил мастер. Богоматерь и святые Мемлинга воспринимаются нами как современники художника: их облик и одежда дают представление о моде того времени.
Таково и произведение из Сан-Паулу. Драматизм ситуации — после распятия Христа — передан здесь намеренно обостренно, как в древнегреческих трагедиях, где каждая поза и каждый жест несли смысловую нагрузку. Особой выразительностью в картинах Мемлинга отличаются лица персонажей. Мы ясно читаем на них следы перенесенных страданий: сведенные в тоске брови, пересохшие губы, покрасневшие от слез глаза — все говорит о доведенном до предельной иллюзорности реализме искусства нидерландского художника
Мемлинг родился в Зелигенштадте на Майне, но затем переехал в Брюгге, где и работал до конца жизни. Он прекрасно усвоил уроки Рогира ван дер Вейдена и Гуго ван дер Гуса, что проявилось в мастерстве его композиций и чувстве цвета. Произведения Мемлинга привлекают великолепно продуманной композицией, красотой колорита, изяществом линий. Светская трактовка религиозных сюжетов дает зрителю возможность прикоснуться к эпохе, в которую творил мастер. Богоматерь и святые Мемлинга воспринимаются нами как современники художника: их облик и одежда дают представление о моде того времени.
Таково и произведение из Сан-Паулу. Драматизм ситуации — после распятия Христа — передан здесь намеренно обостренно, как в древнегреческих трагедиях, где каждая поза и каждый жест несли смысловую нагрузку. Особой выразительностью в картинах Мемлинга отличаются лица персонажей. Мы ясно читаем на них следы перенесенных страданий: сведенные в тоске брови, пересохшие губы, покрасневшие от слез глаза — все говорит о доведенном до предельной иллюзорности реализме искусства нидерландского художника
© «Изобразительное искусство». Москва. 1988 9-2076. 130000. 1837. 5 к.
ОТПРАВЛЯТЬ ПО ПОЧТЕ ТОЛЬКО В КОНВЕРТЕ
См. также:
РАФАЭЛЬ САНТИ (1483—1520) - «Воскресение Христа»
Итальянская школа
«Воскресение Христа». 1501/02
Холст, масло. 52 X 44
Музей искусств в Сан-Паулу. Бразилия
Творчество Рафаэля наряду с творчеством Леонардо да Винчи и Микеланджело знаменует собой тот период высочайшего расцвета эпохи Возрождения, который принято называть Высоким Возрождением. Гений Рафаэля, уже при жизни снискавший ему славу непревзойденного мастера, проявился рано. Немаловажную роль в этом сыграл его отец —живописец и поэт Джованни Санти, приближенный двора урбинских герцогов, славящегося своим строгим этикетом и одновременно блестящим кругом гуманистически настроенных высокообразованных людей. Первые уроки рисования юному Рафаэлю дал отец. Затем несколько лет он, очевидно, обучался живописи в мастерской Тимотео Вити в своем родном Урбино, а с 1499 года начал работать в Перудже в мастерской известного умбрийского художника Пьетро Перуджино. Здесь он пребывал до 1504 года, и творчество Перуджино, несомненно, оказало на сложение собственной манеры Рафаэля огромное влияние. Помимо замечательных росписей в Ватикане и знаменитой «Сикстинской мадонны» Рафаэль за свою недолгую жизнь создал множество картин религиозного содержания и портретов.
Полотно «Воскресение Христа» относится к раннему периоду творчества Рафаэля, ко времени его пребывания в мастерской Перуджино, и несет на себе очевидные следы влияния искусства учителя. Особенно это обнаруживается в трактовке пейзажа — глубокой перспективе долин и холмов с отдельно стоящими кое-где как символ хрупкости человеческого бытия тонкими деревьями. Однако это небольшое полотно из Сан-Паулу многоплановостью композиции, четким построением пространства, расположением фигур, а также ярким, звонким колоритом уже предвосхищает будущие монументальные произведения Рафаэля
Полотно «Воскресение Христа» относится к раннему периоду творчества Рафаэля, ко времени его пребывания в мастерской Перуджино, и несет на себе очевидные следы влияния искусства учителя. Особенно это обнаруживается в трактовке пейзажа — глубокой перспективе долин и холмов с отдельно стоящими кое-где как символ хрупкости человеческого бытия тонкими деревьями. Однако это небольшое полотно из Сан-Паулу многоплановостью композиции, четким построением пространства, расположением фигур, а также ярким, звонким колоритом уже предвосхищает будущие монументальные произведения Рафаэля
© «Изобразительное искусство». Москва. 1988 9-2076. 130000. 1837. 5 к.
ОТПРАВЛЯТЬ ПО ПОЧТЕ ТОЛЬКО В КОНВЕРТЕ
См. также:
РАФАЭЛЬ САНТИ (1483—1520)
МОРИС УТРИЛЛО (1883—1955) - «Вид на Сакре-Кёр на Монмартре»
Художник МОРИС УТРИЛЛО (1883—1955)
Французская школа«Вид на Сакре-Кёр на Монмартре». Около 1934
Холст, масло. 81 X 60
Музей искусств в Сан-Паулу. Бразилия
Морис Утрилло родился в Париже. Его матерью была известная натурщица Мари-Клементин Валадон, ставшая впоследствии художницей, принявшей псевдоним Сюзанны Валадон. С детства оказавшийся в окружении художников, Утрилло пришел к живописи стихийно, под давлением матери, не представлявшей для своего сына иного пути. Почти самоучка, Утрилло сохранил в своем искусстве ту непосредственность, которая роднит его с мастерами наивного реализма и художниками «воскресного дня», занимающимися творчеством в свободное от других занятий время. Утрилло начал с подражания импрессионистам: в его ранних работах заметны следы увлечения городскими пейзажами Клода Моне и Камиля Писсарро. Влюбленный в Париж, Утрилло создал целую серию пейзажей, посвященных городу, манившему его своим вечно изменчивым обликом. Художник писал Париж весной и летом, осенью и зимой. Особенно нежно он любил Монмартр, его узкие улочки и спуски, кабачки и кофейни и величественный, как бы парящий вверху, господствующий над этой частью Парижа белый, увенчанный высоким круглым куполом собор Сакре-Кёр. Зимний пейзаж Монмартра, хранящийся в музее Сан-Паулу, относится к позднему периоду творчества художника: в основной белый цвет, характерный для ранних пейзажей Утрилло, вторгаются золотисто-розовый и красно-коричневый. Охра, сиена и умбра спорят здесь с белилами. На знакомый нам по другим картинам Утрилло белый пейзаж словно наброшена цветная ажурная сетка тончайшего рисунка, сотканная из силуэтов домов и ветвей деревьев. Маленькие фигурки спешащих прохожих похожи на оживших марионеток
© «Изобразительное искусство». Москва. 1988 9-2076. 130000. 1837. 5 к.
ОТПРАВЛЯТЬ ПО ПОЧТЕ ТОЛЬКО В КОНВЕРТЕ
См. также:
Морис Утрилло (1883-1955) - «Le Lapin Agile»
Морис Утрилло (1883-1955) - «Улица Мон-Сени на Монмартре»
суббота, 3 июля 2010 г.
БЕРНАРДО ДАДДИ (около 1290 — после 1355) - «Мадонна с младенцем»
Бернардо Дадди — младший современник своего гениального земляка Джотто. Его творчество относится к флорентийской (тосканской) школе живописи, но ряд черт сближает искусство мастера с произведениями художников другой процветавшей в то время школы — сиенской. Дадди воспринял у Джотто то мировоззрение, которое лежало в основе творчества и других знаменитых деятелей культуры Проторенессанса, в первую очередь великого поэта Данте Алигьери. Оно заключалось в перенесении поисков истины в пределы нравственных человеческих категорий. В творчестве Дадди заметны, однако, и готизиру-ющие тенденции, на какое-то время захватившие вновь художников некоторых итальянских городов первой половины XIV века, и главным образом Сиены.
В «Мадонне с младенцем» эти две особенности искусства Дадди особенно отчетливы. Изысканный поворот головы, удлиненный разрез глаз, типичный для образов сиенских мастеров — Пьетро Лоренцетти и Симоне Мартини, — нейтральный золотой фон и тонкий орнаментальный узор в одеждах Марии и младенца Христа — характерные черты готизирующей аристократической линии в итальянском искусстве треченто. Но одновременно произведение Дадди сохраняет все завоевания Джотто. Прекрасно построенная композиция, в которой Мадонна с младенцем являют собой единое целое, согрета теплотой чисто человеческого общения двух любящих существ — матери и ребенка. Она передана в жестах их рук, но главное в улыбке губ и глаз, обращенных друг к другу. Этот диалог взглядов — прямое наследие Джотто
В «Мадонне с младенцем» эти две особенности искусства Дадди особенно отчетливы. Изысканный поворот головы, удлиненный разрез глаз, типичный для образов сиенских мастеров — Пьетро Лоренцетти и Симоне Мартини, — нейтральный золотой фон и тонкий орнаментальный узор в одеждах Марии и младенца Христа — характерные черты готизирующей аристократической линии в итальянском искусстве треченто. Но одновременно произведение Дадди сохраняет все завоевания Джотто. Прекрасно построенная композиция, в которой Мадонна с младенцем являют собой единое целое, согрета теплотой чисто человеческого общения двух любящих существ — матери и ребенка. Она передана в жестах их рук, но главное в улыбке губ и глаз, обращенных друг к другу. Этот диалог взглядов — прямое наследие Джотто
© «Изобразительное искусство». Москва. 1988 9-2076. 130000. 1837. 5 к.
ОТПРАВЛЯТЬ ПО ПОЧТЕ ТОЛЬКО В КОНВЕРТЕ
ХАНС ХОЛЬБЕЙН МЛАДШИЙ (1497—1543) - «Портрет Генри Говарда, графа де Серрей»
Художник ХАНС ХОЛЬБЕЙН МЛАДШИЙ (1497—1543), Немецкая школа. «Портрет Генри Говарда, графа де Серрей». Дерево, масло. 53 X 42. Музей искусств в Сан-Паулу. Бразилия
Творчество Ханса Хольбейна Младшего определило тот уровень немецкого Возрождения в его завершающей фазе, которую ученые считают Высоким, или Развитым, Возрождением.
Ханс Хольбейн, прозванный Младшим в отличие от не менее великого отца Ханса Хольбейна Старшего, родился в Аугсбурге в семье потомственных живописных дел мастеров: его дед, отец, дядя, брат, а впоследствии сын и внук были художниками. Отец прославился как мастер алтарей, а старший брат Амброзиус, как и Ханс, был талантливым портретистом. В 1516 году Хольбейн вместе с братом поселяется в Базеле, где живет до 1525 года. Затем по совету Эразма Роттердамского переезжает в Лондон, где после долгих лет творчества умирает от холеры в возрасте сорока шести лет.
Несравненный портретист Ханс Хольбейн Младший сохранил для нас облик своей эпохи, увековечив черты многих прославленных современников. Портреты, созданные в Англии, отличаются особенной глубиной характеристик, так как именно там искусство Хольбейна достигло совершенства. На репродуцированном портрете изображен известный английский поэт и дипломат Генри Говард, граф де Серрей (около 1513—1547). Тонкое лицо, тревожный взгляд больших темных глаз, обращенный куда-то за пределы доступного нам мира, сухие губы, словно повторяющие про себя слова только что рожденного поэтического творения, нервные пальцы руки, как будто отмеряющие ритм стихотворения, сдерживаемые волей привыкшего владеть собой дипломата, — все создает реалистический образ большой духовной силы
© «Изобразительное искусство». Москва. 1988 9-2076. 130000. 1837. 5 к.Ханс Хольбейн, прозванный Младшим в отличие от не менее великого отца Ханса Хольбейна Старшего, родился в Аугсбурге в семье потомственных живописных дел мастеров: его дед, отец, дядя, брат, а впоследствии сын и внук были художниками. Отец прославился как мастер алтарей, а старший брат Амброзиус, как и Ханс, был талантливым портретистом. В 1516 году Хольбейн вместе с братом поселяется в Базеле, где живет до 1525 года. Затем по совету Эразма Роттердамского переезжает в Лондон, где после долгих лет творчества умирает от холеры в возрасте сорока шести лет.
Несравненный портретист Ханс Хольбейн Младший сохранил для нас облик своей эпохи, увековечив черты многих прославленных современников. Портреты, созданные в Англии, отличаются особенной глубиной характеристик, так как именно там искусство Хольбейна достигло совершенства. На репродуцированном портрете изображен известный английский поэт и дипломат Генри Говард, граф де Серрей (около 1513—1547). Тонкое лицо, тревожный взгляд больших темных глаз, обращенный куда-то за пределы доступного нам мира, сухие губы, словно повторяющие про себя слова только что рожденного поэтического творения, нервные пальцы руки, как будто отмеряющие ритм стихотворения, сдерживаемые волей привыкшего владеть собой дипломата, — все создает реалистический образ большой духовной силы
ОТПРАВЛЯТЬ ПО ПОЧТЕ ТОЛЬКО В КОНВЕРТЕ
См. также:
Ганс Хольбейн (Гольбейн) Младший (1497/8-1543)
пятница, 2 июля 2010 г.
Музей искусств в Сан-Паулу
Музей искусств в Сан-Паулу, одном из самых больших и красивых городов Бразилии, обладает уникальной коллекцией произведений западноевропейского и латиноамериканского искусства, что позволило причислить его не только к крупнейшим музеям Латинской Америки, но и к ведущим музеям мира. Однако в отличие от большинства других этот музей еще очень молод. Идея его создания возникла летом 1946 года. Она принадлежала Франсиску ди Ассизу Шатобриану (1892—1968), бразильскому журналисту, правоведу и дипломату, всесторонне образованной личности, как бы воскресившей традиции великих гуманистов, чье наследие не прошло даром для культуры Латинской Америки. По замыслу Шатобриана, патриота и гражданина своей страны, и его соратников, музей должен был стать в первую очередь культурно-просветительным учреждением, где посетители смогут получить необходимые знания об изобразительном искусстве и других видах художественной культуры. В своей статье, посвященной Музею искусств в Сан-Паулу, французский критик Андре Пери-но остроумно перефразировал известную поговорку: «Скажи мне, каков ваш музей, и я скажу, кто вы», считая, что музеи — в значительной степени лицо наций. Очевидно, эта мысль владела и Шатобрианом. Был снят этаж строящегося здания, и вскоре благодаря таланту архитектора Лины Бо он был прекрасно переоборудован под музейное помещение. Впоследствии для музея были приспособлены и другие этажи, и здание органично вписалось в окружающую среду шумного, многоэтажного, индустриального Сан-Паулу, став вместе с окружающими его газонами и скульптурой своего рода оазисом.
Первые годы работы музея требовали от его организаторов поистине неудержимой увлеченности. В основу коллекции Музея искусств было положено собрание старой пинакотеки города, в которой хранились картины, воскрешавшие историю Бразилии. Для обогащения коллекции было решено начать закупки на аукционах и в музеях Европы. Пострадавшие во время второй мировой войны европейские государства не всегда могли выделить необходимые средства на содержание национальных музеев, что вынуждало их подчас расставаться с рядом прекрасных произведений. Вскоре после организации музея в Сан-Паулу Пьетро Мариа Бранди, ставший его директором, отправился в Лондон, не рассчитывая на особый успех. Однако в эту первую поездку ему удалось приобрести за сравнительно невысокую цену «Портрет графа Оливареса» Веласкеса, а также картины Тициана, Перуджино и Пикассо. К 1953 году собрание Музея искусств стало представлять настолько высокую ценность, что Дворец Тюильри в Париже предоставил свои залы для проведения выставки, которая носила название «Шедевры пинакотеки в Сан-Паулу». С этого момента Музей в Сан-Паулу приобретает международное признание. За четверть века до появления Музея искусств, в 1922 году, именно в Сан-Паулу в муниципальном театре была проведена так называемая Неделя современного искусства, имевшая для культуры страны огромное значение. В ней приняли участие молодые живописцы, музыканты, литераторы, ставшие родоначальниками современного искусства Бразилии. Выставленные произведения были призваны познакомить местную публику с достижениями европейской культуры. Несмотря на то что в основе выпущенного вскоре манифеста лежали главным образом доктрины футуризма, молодые художники, ратовавшие за появление нового бразильского искусства, не забывали и достижений национальной культуры. Эти начинания продолжили и создатели Музея искусств, образование которого способствовало появлению в 1951 году знаменитых теперь Биеннале в Сан-Паулу, ставших регулярным смотром не только латиноамериканского, но и мирового искусства.
В настоящий момент Музей искусств в Сан-Паулу является одним из крупнейших центров бразильской культуры. Здесь ведется интенсивная научная, реставрационная и популяризаторская работа. Посетителей неизменно привлекает замечательно продуманная экспозиция залов, где наряду с произведениями той или иной школы, того или иного мастера помещены стенды, рассказывающие не только об истории и культуре, но и географии страны, искусство которой представлено в зале. Сотрудники Музея стремятся ввести зрителя в самую гущу проблем не только изобразительного искусства, но и культуры в целом. Регулярно проводятся «Музыкальные субботы», где даются концерты как классической, так и авангардистской музыки. Постоянно организуется выставки, которые заставляют зрителя творчески подходить к процессу восприятия искусства. Но главное внимание уделяется самим произведениям. Гордостью Музея является его картинная галерея, коорая постоянно обогащается за счет закупок на знаменитых мировых аукционах, в других музеях, в мастерских современных художников и у частных владельцев. В Музее несколько отделов, но среди них выделяются два — западноевропейской и латиноамериканской живописи.
Настоящий комплект открыток посвящен западноевропейской живописи, представленной в Музее искусств в Сан-Паулу множеством школ, произведениями мастеров разных эпох, начиная с итальянского Возрождения и кончая современностью. Одной из самых ранних живописных работ в Музее является «Мадонна с младенцем», созданная художником итальянского Проторенессанса Бернардо Дад-ди. В коллекции пинакотеки Сан-Паулу находятся прекрасные произведения и других известных живописцев итальянского Ренессанса —Андреа Мантеньи, Джованни Беллини, Тициана, Тинторетто и даже раннего Рафаэля, чье полотно «Воскресение Христа» репродуцировано в этом комплекте.
Замечательными произведениями представлены и другие живописные школы Европы: нидерландская — творением Ханса Мемлинга «Мадонна со св. Иоанном и св. женами»; голландская — полотном Рембрандта «Автопортрет с отрастающей бородкой»; немецкая — «Портретом Генри Говарда, графа де Саррей», написанным Хансом Хольбей-ном Младшим; английская — полотнами Гейнсборо «Пейзаж Дринкстоун-парка» (на обложке) и Тернера «Замок Кэрнарвон»; испанская — «Портретом дона Хуана Ан-тонио Льоренте» кисти Франсиско Гойи. Особый раздел составляет живопись XIX—XX веков. Музей располагает произведениями мастеров ряда школ, и в первую очередь французской. В коллекции Музея хранятся картины Эжена Делакруа, Доминика Энгра, Гюстава Курбе, Эдуарда Мане, Клода Моне, Огюста Ренуара, Эдгара Дега, Поля Сезанна, Пьера Боннара, Эдуарда Вюйара, Анри Матисса, Фернана Леже, Мориса де Вламинка и Мориса Утрилло. Среди работ мастеров других национальных школ выделяются полотна Винсента Ван Гога, Амедео Модильяни, Пабло Пикассо, а также произведения латиноамериканских художников, и прежде всего бразильских.
Музей искусств в Сан-Паулу мало знаком широким кругам советских любителей живописи, поэтому комплект открыток, посвященный этому музею, вызовет у них несомненный интерес.
Первые годы работы музея требовали от его организаторов поистине неудержимой увлеченности. В основу коллекции Музея искусств было положено собрание старой пинакотеки города, в которой хранились картины, воскрешавшие историю Бразилии. Для обогащения коллекции было решено начать закупки на аукционах и в музеях Европы. Пострадавшие во время второй мировой войны европейские государства не всегда могли выделить необходимые средства на содержание национальных музеев, что вынуждало их подчас расставаться с рядом прекрасных произведений. Вскоре после организации музея в Сан-Паулу Пьетро Мариа Бранди, ставший его директором, отправился в Лондон, не рассчитывая на особый успех. Однако в эту первую поездку ему удалось приобрести за сравнительно невысокую цену «Портрет графа Оливареса» Веласкеса, а также картины Тициана, Перуджино и Пикассо. К 1953 году собрание Музея искусств стало представлять настолько высокую ценность, что Дворец Тюильри в Париже предоставил свои залы для проведения выставки, которая носила название «Шедевры пинакотеки в Сан-Паулу». С этого момента Музей в Сан-Паулу приобретает международное признание. За четверть века до появления Музея искусств, в 1922 году, именно в Сан-Паулу в муниципальном театре была проведена так называемая Неделя современного искусства, имевшая для культуры страны огромное значение. В ней приняли участие молодые живописцы, музыканты, литераторы, ставшие родоначальниками современного искусства Бразилии. Выставленные произведения были призваны познакомить местную публику с достижениями европейской культуры. Несмотря на то что в основе выпущенного вскоре манифеста лежали главным образом доктрины футуризма, молодые художники, ратовавшие за появление нового бразильского искусства, не забывали и достижений национальной культуры. Эти начинания продолжили и создатели Музея искусств, образование которого способствовало появлению в 1951 году знаменитых теперь Биеннале в Сан-Паулу, ставших регулярным смотром не только латиноамериканского, но и мирового искусства.
В настоящий момент Музей искусств в Сан-Паулу является одним из крупнейших центров бразильской культуры. Здесь ведется интенсивная научная, реставрационная и популяризаторская работа. Посетителей неизменно привлекает замечательно продуманная экспозиция залов, где наряду с произведениями той или иной школы, того или иного мастера помещены стенды, рассказывающие не только об истории и культуре, но и географии страны, искусство которой представлено в зале. Сотрудники Музея стремятся ввести зрителя в самую гущу проблем не только изобразительного искусства, но и культуры в целом. Регулярно проводятся «Музыкальные субботы», где даются концерты как классической, так и авангардистской музыки. Постоянно организуется выставки, которые заставляют зрителя творчески подходить к процессу восприятия искусства. Но главное внимание уделяется самим произведениям. Гордостью Музея является его картинная галерея, коорая постоянно обогащается за счет закупок на знаменитых мировых аукционах, в других музеях, в мастерских современных художников и у частных владельцев. В Музее несколько отделов, но среди них выделяются два — западноевропейской и латиноамериканской живописи.
Настоящий комплект открыток посвящен западноевропейской живописи, представленной в Музее искусств в Сан-Паулу множеством школ, произведениями мастеров разных эпох, начиная с итальянского Возрождения и кончая современностью. Одной из самых ранних живописных работ в Музее является «Мадонна с младенцем», созданная художником итальянского Проторенессанса Бернардо Дад-ди. В коллекции пинакотеки Сан-Паулу находятся прекрасные произведения и других известных живописцев итальянского Ренессанса —Андреа Мантеньи, Джованни Беллини, Тициана, Тинторетто и даже раннего Рафаэля, чье полотно «Воскресение Христа» репродуцировано в этом комплекте.
Замечательными произведениями представлены и другие живописные школы Европы: нидерландская — творением Ханса Мемлинга «Мадонна со св. Иоанном и св. женами»; голландская — полотном Рембрандта «Автопортрет с отрастающей бородкой»; немецкая — «Портретом Генри Говарда, графа де Саррей», написанным Хансом Хольбей-ном Младшим; английская — полотнами Гейнсборо «Пейзаж Дринкстоун-парка» (на обложке) и Тернера «Замок Кэрнарвон»; испанская — «Портретом дона Хуана Ан-тонио Льоренте» кисти Франсиско Гойи. Особый раздел составляет живопись XIX—XX веков. Музей располагает произведениями мастеров ряда школ, и в первую очередь французской. В коллекции Музея хранятся картины Эжена Делакруа, Доминика Энгра, Гюстава Курбе, Эдуарда Мане, Клода Моне, Огюста Ренуара, Эдгара Дега, Поля Сезанна, Пьера Боннара, Эдуарда Вюйара, Анри Матисса, Фернана Леже, Мориса де Вламинка и Мориса Утрилло. Среди работ мастеров других национальных школ выделяются полотна Винсента Ван Гога, Амедео Модильяни, Пабло Пикассо, а также произведения латиноамериканских художников, и прежде всего бразильских.
Музей искусств в Сан-Паулу мало знаком широким кругам советских любителей живописи, поэтому комплект открыток, посвященный этому музею, вызовет у них несомненный интерес.
Н. Шелешнева
Художник Огюст Ренуар (1841-1919). Французская школа. «Девочка с охапкой травы». Музей искусств в Сан-Паулу
Художник Томас Гейнсборо (1727 -1788), Английская школа. «Пейзаж Дрингстоун-парка» Музей искусств в Сан-Паулу.
См. также: Сан-Паулу
См. также: Сан-Паулу
четверг, 1 июля 2010 г.
АНДРЕА ДЕЛЬ САРТО (Андреа д`Аньоло ди Франческо, 1486—1530) - «Святое семейство»
Художник АНДРЕА ДЕЛЬ САРТО (Андреа д`Аньоло ди Франческо, 1486—1530) - «Святое семейство». Около 1530 Дерево, масло 140Х104. Национальная галерея. Рим. Итальянская школа
Андреа д'Аньоло родился во Флоренции в семье портного, откуда и произошло его прозвище «Сарто» (то есть портной). Он учился в мастерской Пьеро ди Козимо. В дальнейшем его художественное развитие проходило под влиянием Леонардо да Винчи и Ми-келанджело. В 1518 году по приглашению Франциска I работал во Франции, но вскоре вернулся на родину. Андреа дель Сарто в полной мере проявился как художник эпохи Высокого Возрождения. Его произведениям свойственны изящество, простота и ясность композиционных построений. Сарто предстает перед нами прекрасным колористом, что вообще было редкостью для флорентийской школы живописи. Он был первым из флорентийских художников, кто поддался очарованию сфумато — светотени великого Леонардо да Винчи.
«Святое семейство» относится к числу интереснейших работ Сарто. В религиозном сюжете раскрыты глубокие человеческие чувства. На фоне вечернего неба изображены мадонна с младенцем и Иосиф. Прекрасен и полон жизненной убедительности образ Марии. Он& сидит слегка наклонившись и обхватив руками ребенка. Все три персонажа погружены в раздумье. Здесь нет безмятежного покоя и радости. В лицах всех троих чувствуются глубокая серьезность и грусть, словно все ощущают предстоящую трагическую судьбу младенца Христа. Композиция картины хорошо продумана и отличается строгостью.
«Святое семейство» относится к числу интереснейших работ Сарто. В религиозном сюжете раскрыты глубокие человеческие чувства. На фоне вечернего неба изображены мадонна с младенцем и Иосиф. Прекрасен и полон жизненной убедительности образ Марии. Он& сидит слегка наклонившись и обхватив руками ребенка. Все три персонажа погружены в раздумье. Здесь нет безмятежного покоя и радости. В лицах всех троих чувствуются глубокая серьезность и грусть, словно все ощущают предстоящую трагическую судьбу младенца Христа. Композиция картины хорошо продумана и отличается строгостью.
© «Изобразительное искусство. Москва. 1988 9-2075. 119 ООО. 946. 5 к.
ОТПРАВЛЯТЬ ПО ПОЧТЕ ТОЛЬКО В КОНВЕРТЕ
См. также:
Андреа дель Сарто (1486—1531) - «Юный Иоанн Креститель»
Андреа дель Сарто (1486—1531) - «Святое семейство»
ДЖОВАННИ ДЖИРОЛАМО САВОЛЬДО (1480/85—1548) - «Товий и ангел»
Джованни Савольдо родился в Брешии. Он работал в основном в городах Северной Италии и, по-видимому, умер в Венеции. Есть предположение, что, работая в Милане, он имел возможность познакомиться с произведениями Леонардо да Винчи.
Савольдо относится к наиболее выдающимся и самобытным художникам террафермы — материковой части суши, подвластной Венеции. Большое влияние на его творчество оказало искусство Северной Италии, полное интереса к простому человеку. Однако если художников террафермы привлекают занимательные детали, то Савольдо интересует более всего образ человека. Будучи последователем Джорджоне, Савольдо воспринял от него черты романтизма, придающие жанровым сценам особую одухотворенность.
В стремлении к показу людей из народа творчество Савольдо предвосхищает искусство XVII века, и его влияние на формирование творчества Караваджо несомненно.
Картина «Товий и ангел» написана на библейский сюжет. Изображен момент, когда Товий по указанию ангела ловит рыбу, желчью которой должен излечить слепого отца. Полны поэзии образы Товия и ангела. Этому немало способствует прекрасный пейзаж, залитый лунным светом. Такое лунное освещение, часто встречающееся в полотнах Савольдо, было большой редкостью в живописи того времени. Его холодная серебристая палитра не имеет ничего общего с венецианским колоритом.
Савольдо относится к наиболее выдающимся и самобытным художникам террафермы — материковой части суши, подвластной Венеции. Большое влияние на его творчество оказало искусство Северной Италии, полное интереса к простому человеку. Однако если художников террафермы привлекают занимательные детали, то Савольдо интересует более всего образ человека. Будучи последователем Джорджоне, Савольдо воспринял от него черты романтизма, придающие жанровым сценам особую одухотворенность.
В стремлении к показу людей из народа творчество Савольдо предвосхищает искусство XVII века, и его влияние на формирование творчества Караваджо несомненно.
Картина «Товий и ангел» написана на библейский сюжет. Изображен момент, когда Товий по указанию ангела ловит рыбу, желчью которой должен излечить слепого отца. Полны поэзии образы Товия и ангела. Этому немало способствует прекрасный пейзаж, залитый лунным светом. Такое лунное освещение, часто встречающееся в полотнах Савольдо, было большой редкостью в живописи того времени. Его холодная серебристая палитра не имеет ничего общего с венецианским колоритом.
© «Изобразительное искусство». Москва. 1988
9-2075. 119 000. 946. 5 к.
ОТПРАВЛЯТЬ ПО ПОЧТЕ ТОЛЬКО В КОНВЕРТЕ
среда, 30 июня 2010 г.
ТИНТОРЕТТО (Якопо Робусти, 1518—1594) - «Христос и грешница»
Совершенно особое место в искусстве Высокого Возрождения занимает творчество венецианского живописца Якопо Тинторетто. Он первый в живописи того времени создал образ народной толпы, охваченной общим единым и сложным психологическим состоянием. Тинторетто был художником переходного времени. Искусство его, еще ренессансное по своему характеру, отмечено уже чертами зарождающегося кризиса. Всю боль, порожденную крушением гуманистических идеалов, бедами, обрушившимися на Италию, художник выразил в своих полотнах, полных драматического пафоса.
В картине «Христос и грешница» изображен момент, когда Христос в ответ на обвинение женщины в грехопадении, предлагает бросить в нее камнем тому, кто безгрешен. Эти слова начертаны на плитах мраморного пола у ног Христа.
Художника интересует здесь не столько изображение самого события, сколько передача состояния тревоги и волнения, охватившего людей. Композиция, полная беспокойства, построена на стремительном движении одних фигур и кажущемся покое других. Общему тревожному настроению созвучен и пейзаж. Хотя действие происходит в ограниченном пространстве, создается впечатление, что оно разворачивается в бескрайних просторах. В создании общего ощущения напряженности и тревоги большую роль играет темный колорит картины с яркими вспышками оранжево-красного и зеленого цветов.
В картине «Христос и грешница» изображен момент, когда Христос в ответ на обвинение женщины в грехопадении, предлагает бросить в нее камнем тому, кто безгрешен. Эти слова начертаны на плитах мраморного пола у ног Христа.
Художника интересует здесь не столько изображение самого события, сколько передача состояния тревоги и волнения, охватившего людей. Композиция, полная беспокойства, построена на стремительном движении одних фигур и кажущемся покое других. Общему тревожному настроению созвучен и пейзаж. Хотя действие происходит в ограниченном пространстве, создается впечатление, что оно разворачивается в бескрайних просторах. В создании общего ощущения напряженности и тревоги большую роль играет темный колорит картины с яркими вспышками оранжево-красного и зеленого цветов.
«Изобразительное искусство». Москва. 1988 9-2075. 119 ООО. 946. 5 к.
ОТПРАВЛЯТЬ ПО ПОЧТЕ ТОЛЬКО В КОНВЕРТЕ
См. также:
Якопо Тинторетто (1518-1594)
ФРАНЧЕСКО АЛЬБАНИ (1578—1660) - «Триумф Дианы»
Франческо Альбани, прославленный мастер полотен на мифологические сюжеты, отразил в своем искусстве взгляды и вкусы аристократической верхушки итальянского общества XVII века.
Ученик Болонской Академии, в частности Аннибале Каррачи, Альбани несколько отходит от традиций академического искусства. Его мифологические картины с пикантной развлекательностью сюжета отличаются большей интимностью и камерностью.
Пейзаж, играющий в живописи художника значительную роль, трактуется в несколько ином русле, чем это было принято у болонских академистов. Облик природы, которому свойствен героизм в пейзажах Каррачи, приобретает здесь большую лиричность.
«Триумф Дианы» относится к знаменитой серии «История любви», состоящей из четырех картин на сюжеты античной мифологии. В «Триумфе Дианы» рассказывается о наказании амуров. На переднем плане изображены спящие амуры, у которых нимфы похищают их коварное оружие — стрелы. Справа горит костер, в котором нимфы сжигают стрелы и луки. Наверху, в облаках, виднеется торжествующая Диана.
Превосходно найденное, гармоничное размещение групп, великолепное живописное мастерство и утонченная красота колорита делают это произведение одним из лучших в творчестве Франческо Альбани.
Ученик Болонской Академии, в частности Аннибале Каррачи, Альбани несколько отходит от традиций академического искусства. Его мифологические картины с пикантной развлекательностью сюжета отличаются большей интимностью и камерностью.
Пейзаж, играющий в живописи художника значительную роль, трактуется в несколько ином русле, чем это было принято у болонских академистов. Облик природы, которому свойствен героизм в пейзажах Каррачи, приобретает здесь большую лиричность.
«Триумф Дианы» относится к знаменитой серии «История любви», состоящей из четырех картин на сюжеты античной мифологии. В «Триумфе Дианы» рассказывается о наказании амуров. На переднем плане изображены спящие амуры, у которых нимфы похищают их коварное оружие — стрелы. Справа горит костер, в котором нимфы сжигают стрелы и луки. Наверху, в облаках, виднеется торжествующая Диана.
Превосходно найденное, гармоничное размещение групп, великолепное живописное мастерство и утонченная красота колорита делают это произведение одним из лучших в творчестве Франческо Альбани.
С, «Изобразительное искусство». Москва. 1988 9-2075. 119 000. 946. 5 к.
ОТПРАВЛЯТЬ ПО ПОЧТЕ ТОЛЬКО В КОНВЕРТЕ
ЭЛЬ ГРЕКО - «Поклонение пастухов»
Доменико Теотокопули, родившийся на острове Крит, был греком по происхождению, отсюда его имя. Там он получил свое первоначальное образование у местных иконописцев. В двадцать пять лет он приехал в Венецию, где, очевидно, работал в мастерской Тициана и испытал влияние Тинторетто и Бассано. Затем художник переехал в Рим, а в 1576 году навсегда покинул Италию и поселился в Испании. Искусство Эль Греко, впитавшее византийские традиции, живописную манеру венецианцев и некоторые черты испанской живописи, характеризуется своеобразным пониманием формы, изломанностью линий и удлиненностью пропорций фигур, идущими от маньеризма. Становясь с годами все более отвлеченным, его искусство по-прежнему сохраняет глубину эмоциональной насыщенности и повышенной одухотворенности. В этом и заключается сила обаяния художественного гения Эль Греко.
«Поклонение пастухов» из Национальной галереи является, скорее всего, эскизом к картине, выполненной в конце 1690-х годов для церкви августинцев в Мадриде.
Ночная сцена поклонения исполнена таинственности. Она происходит на фоне загадочного пейзажа с руинами и темным небом, покрытым облаками, через которые пробивается свет. Колорит картины, построенный на сопоставлении контрастных тонов, сохраняет общую золотистую гамму, идущую от венецианцев. Краски, то гаснущие, то как бы вспыхивающие, достигают наибольшего сияния в центре композиции.
© «Изобразительное искусство». Москва. 1488 9-2075. 119 ООО. 946. 5 к.
ОТПРАВЛЯТЬ ПО ПОЧТЕ ТОЛЬКО В КОНВЕРТЕ
См. также:
вторник, 29 июня 2010 г.
ДОМЕНИКИНО (Доменико Цампьери, 1581 — 1641). «Охота Дианы»
Доменикино получил художественное образование в Болонской Академии. Его учителем был Аннибале Каррачи. Доменикино много работал в технике фрески в Риме и Неаполе, писал картины на мифологические и религиозные сюжеты.
К лучшим его полотнам относится «Охота Дианы». Причина ее успеха в необычайной для того времени свежести и правдивости исполнения. На картине изображен момент появления Актеона во время отдыха и игр нимф с богиней охоты Дианой. Образы нимф полны жизненной убедительности. Особенно прелестны две совсем юные нимфы с замашками шаловливых детей, купающиеся в реке. Рядом с Дианой, в немом удивлении всплеснув руками, замерла нимфа, заметившая в кустах Актеона.
На первый взгляд кажется странным, что это произведение могло выйти из среды болонских академистов. Ведь главным принципом их искусства было следование идеалу прекрасного. Однако в систему художественного обучения Академии входило и изучение природы. Именно опыт изучения природы и его использования дали возможность художнику создать одно из наиболее поэтических и правдивых живописных полотен среди всех его работ. В пейзаже картины художник достигает особой пространственной глубины. В этом произведении Доменикино заложил основы классицистического пейзажа, получившего дальнейшее развитие в творчестве выдающегося французского живописца XVII века Пуссена.
К лучшим его полотнам относится «Охота Дианы». Причина ее успеха в необычайной для того времени свежести и правдивости исполнения. На картине изображен момент появления Актеона во время отдыха и игр нимф с богиней охоты Дианой. Образы нимф полны жизненной убедительности. Особенно прелестны две совсем юные нимфы с замашками шаловливых детей, купающиеся в реке. Рядом с Дианой, в немом удивлении всплеснув руками, замерла нимфа, заметившая в кустах Актеона.
На первый взгляд кажется странным, что это произведение могло выйти из среды болонских академистов. Ведь главным принципом их искусства было следование идеалу прекрасного. Однако в систему художественного обучения Академии входило и изучение природы. Именно опыт изучения природы и его использования дали возможность художнику создать одно из наиболее поэтических и правдивых живописных полотен среди всех его работ. В пейзаже картины художник достигает особой пространственной глубины. В этом произведении Доменикино заложил основы классицистического пейзажа, получившего дальнейшее развитие в творчестве выдающегося французского живописца XVII века Пуссена.
«Изобразительное искусство». Москва. 1988 9-2075. 119 000. 946. 5 к.
ОТПРАВЛЯТЬ ПО ПОЧТЕ ТОЛЬКО В КОНВЕРТЕ
ТИЦИАН ВЕЧЕЛЛИО (1485 / 90—1576)
Тициан — величайший живописец эпохи Высокого Возрождения в Венеции. Учился у Джованни Беллини. Тициан прожил долгую, полную труда и удач жизнь. С годами мастерство художника возрастало и достигло несравненного совершенства. Он был великим портретистом и создателем множества картин на мифологические и религиозные сюжеты. Он был величайшим колористом.
«Любовь небесная и Любовь земная» написана Тицианом в ранний период творчества. Расшифровке сюжета этой картины посвящено много литературы. Одни ученые связывают его с античной мифологией, другие — с личными переживаниями художника. В облике Любви земной некоторые видят красавицу Виоланту, возлюбленную Тициана.
Две прекрасные женщины, сидящие на саркофаге, представлены на фоне широкой панорамы пейзажа. Колористический талант Тициана раскрывается здесь прежде всего в изображении прекрасного нагого женского тела и оттеняющих его одежд. Пейзаж с густыми кронами деревьев и плывущими по небу облаками гармонирует с пышной красотой женщин. Правда, он несет в себе еще повествовательность. Художник не ограничивается изображением города, деревни, моря. Вот на поляну выскочил заяц, за ним гонятся охотники, на опушке леса пастух пасет стадо овец, рядом под тенью деревьев целуются влюбленные. Но вся композиция очень целостна. Все объединено теплым единым дыханием природы, потоком лучей заходящего вечернего солнца.
«Любовь небесная и Любовь земная» написана Тицианом в ранний период творчества. Расшифровке сюжета этой картины посвящено много литературы. Одни ученые связывают его с античной мифологией, другие — с личными переживаниями художника. В облике Любви земной некоторые видят красавицу Виоланту, возлюбленную Тициана.
Две прекрасные женщины, сидящие на саркофаге, представлены на фоне широкой панорамы пейзажа. Колористический талант Тициана раскрывается здесь прежде всего в изображении прекрасного нагого женского тела и оттеняющих его одежд. Пейзаж с густыми кронами деревьев и плывущими по небу облаками гармонирует с пышной красотой женщин. Правда, он несет в себе еще повествовательность. Художник не ограничивается изображением города, деревни, моря. Вот на поляну выскочил заяц, за ним гонятся охотники, на опушке леса пастух пасет стадо овец, рядом под тенью деревьев целуются влюбленные. Но вся композиция очень целостна. Все объединено теплым единым дыханием природы, потоком лучей заходящего вечернего солнца.
© «Изобразительное искусство». Москва. 1988 9-2075. 119 000. 946. 5 к.
ОТПРАВЛЯТЬ ПО ПОЧТЕ ТОЛЬКО В КОНВЕРТЕ
Последний период творчества великого венецианца падает на годы католической реакции. Однако до конца своих дней Тициан сохраняет незыблемую веру в героизм и величие человека, остается верен жизнеутверждающим идеям гуманизма. В этот период им были написаны самые замечательные, самые эмоциональные полотна, полные напряженного драматизма. К числу бесспорных шедевров мастера, созданных им на склоне лет, относится картина «Венера, завязывающая глаза Амуру». Здесь, так же как и в «Любви небесной и Любви земной», Тициан обращается к мифологии. Но картина проникнута совсем иным мироощущением.
По-прежнему художник воспевает красоту человека, но нет уже того безмятежного покоя, которым пронизана «Любовь небесная и Любовь земная». Пейзаж насыщен драматизмом, активная жизнь природы созвучна переживаниям героев. Фигуры женщин кажутся окутанными какой-то тревожной, грозовой атмосферой. Этому способствует как колорит картины, так и необычная манера письма, к которой художник пришел почти в восьмидесятилетнем возрасте. Он лепит теперь форму широкими энергичными мазками, отказавшись от прежней тональной моделировки. Форма возникает на его полотнах из сплава мазков различных оттенков, образующих вибрирующую красочную стихию.
По-прежнему художник воспевает красоту человека, но нет уже того безмятежного покоя, которым пронизана «Любовь небесная и Любовь земная». Пейзаж насыщен драматизмом, активная жизнь природы созвучна переживаниям героев. Фигуры женщин кажутся окутанными какой-то тревожной, грозовой атмосферой. Этому способствует как колорит картины, так и необычная манера письма, к которой художник пришел почти в восьмидесятилетнем возрасте. Он лепит теперь форму широкими энергичными мазками, отказавшись от прежней тональной моделировки. Форма возникает на его полотнах из сплава мазков различных оттенков, образующих вибрирующую красочную стихию.
© «Изобразительное искусство». Москва. 1988 9-2075. 119 000. 946. 5 к.
ОТПРАВЛЯТЬ ПО ПОЧТЕ ТОЛЬКО В КОНВЕРТЕ
См. также:
ТИЦИАН ВЕЧЕЛЛИО (1485 / 90—1576)
понедельник, 28 июня 2010 г.
САНДРО БОТТИЧЕЛЛИ (Алессандро ди Мариано Филипепи, 1444/45—1510) - «Мадонна с младенцем, Иоанном Крестителем и ангелами»
Художник САНДРО БОТТИЧЕЛЛИ (Алессандро ди Мариано Филипепи, 1444/45—1510) и ученики. «Мадонна с младенцем, Иоанном Крестителем и ангелами». Дерево, темпера. Диаметр 170. Галерея Боргезе. Рим. Итальянская школа
Сандро Боттичелли — один из самых значительных и своеобразных художников Возрождения. Его творчество, чарующее своей поэтической взволнованностью, несет печать особой индивидуальной неповторимости. По силе эмоционального воздействия полотна Боттичелли почти не имеют себе равных. Сочетая поэтический вымысел с реальностью, художник сосредоточил свое внимание на передаче сложных человеческих переживаний. Он открыл неведомый до него мир чувств. Главным средством выражения у него становится линия.
Сандро Боттичелли был связан с гуманистическими кругами, группировавшимися вокруг двора Лоренцо Медичи. В конце жизни попав под влияние проповедей Савонаролы, требовавшего отказа от светской живописи, он пережил глубокую трагедию.
Картина является произведением зрелого мастерства Боттичелли. Величественная и нежная, склонившись к младенцу, сидит мадонна. Синий плащ, мягкими линиями струящийся с плеч, заканчивается неожиданно жесткими складками у ее ног. Мадонну окружают поющие ангелы. Их нежные и одухотворенные головы увенчаны венками изысканных цветов. В утонченных чертах лиц мы узнаем созданный Боттичелли тип. Этот тип красоты, скорее духовной, чем телесной, встречается во всех произведениях Боттичелли. Исследователи считают, что картина исполнена при участии учеников художника. В ритмической игре линий, утонченном колорите, печальной задумчивости чувствуется участие самого Боттичелли.
Сандро Боттичелли был связан с гуманистическими кругами, группировавшимися вокруг двора Лоренцо Медичи. В конце жизни попав под влияние проповедей Савонаролы, требовавшего отказа от светской живописи, он пережил глубокую трагедию.
Картина является произведением зрелого мастерства Боттичелли. Величественная и нежная, склонившись к младенцу, сидит мадонна. Синий плащ, мягкими линиями струящийся с плеч, заканчивается неожиданно жесткими складками у ее ног. Мадонну окружают поющие ангелы. Их нежные и одухотворенные головы увенчаны венками изысканных цветов. В утонченных чертах лиц мы узнаем созданный Боттичелли тип. Этот тип красоты, скорее духовной, чем телесной, встречается во всех произведениях Боттичелли. Исследователи считают, что картина исполнена при участии учеников художника. В ритмической игре линий, утонченном колорите, печальной задумчивости чувствуется участие самого Боттичелли.
«Изобразительное искусство». Москва. 1988 9-2075. 119 ООО. 946. 5 к.
ОТПРАВЛЯТЬ ПО ПОЧТЕ ТОЛЬКО В КОНВЕРТЕ
См. также:
Сандро Боттичелли. (1444—1510)
РАФАЭЛЬ САНТИ (1483—1520). «Портрет молодой женщины с единорогом»
Художник РАФАЭЛЬ САНТИ (1483—1520). «Портрет молодой женщины с единорогом» . 1505—1506. Дерево, масло 65х51 Галерея Боргезе. Рим. Итальянская школа
Рафаэль — один из величайших живописцев Высокого Возрождения. Он воплотил в своих произведениях наиболее зрелые художественные искания своего времени. Простота замысла, уравновешенность композиционных построений, гармоничный колорит сочетаются в произведениях Рафаэля в строгом единстве. В области композиции и в чувстве гармонии целого художник не знал себе равных.
Творчество Рафаэля было разносторонним. Он работал в области монументальной росписи и был архитектором, портретистом, превосходным рисовальщиком, писал картины на сюжеты из христианской и античной мифологии. Прижизненная слава художника была так велика, что современники называли его «божественным Санцио».
Рафаэль родился в Урбино, первые уроки рисования получил от своего отца Джованни Санти, затем учился у Перуджино. В 1504—1508 годах жил во Флоренции. С 1508 года до самой смерти Рафаэль работал в Риме.
Рентген и последовавшая за ним реставрация в 1935 году подтвердили предположение, что за неприметной ранее картиной с изображением св. Екатерины, скрывается шедевр, принадлежащий кисти Рафаэля. После удаления позднейших записей перед зрителем предстал портрет молодой женщины с единорогом (символ чистоты и целомудрия).
Портрет был создан в первые годы пребывания художника во Флоренции и исполнен под влиянием знаменитой «Джоконды» Леонардо да Винчи. Здесь то же композиционное построение: поколенное изображение женщины с легким поворотом корпуса и лицом, данным в фас. Такое решение придавало изображению большую жизненность.
© «Изобразительное искусство». Москва. 1988 9-2075. 119 000. 946. 5 к.
ОТПРАВЛЯТЬ ПО ПОЧТЕ ТОЛЬКО В КОНВЕРТЕ
См. также:
РАФАЭЛЬ САНТИ (1483—1520)
ОРТОЛАНО (Джован Баттиста Бенвенути, 1487—1524) - «Снятие с креста»
Джован Баттиста Бенвенути родился в Ферраре в семье зеленщика, отсюда и его прозвище Ортолано (то есть огородник). Судьба долгое время была к нему не благосклонна: многие его произведения, и притом лучшие, приписывались другому феррарскому живописцу — Гарофало.
Ортолано формировался под воздействием Мариано Мариани, работавшего в Ферраре. Этот небольшой город играл заметную роль как в политической, так и культурной жизни Италии. И хотя при дворе герцогов д'Эсте процветала феодальная культура, сюда проникали и передовые гуманистические идеи Возрождения. С 1506 года в работах Ортолано явно ощущается знакомство с творчеством Рафаэля. Сильное влияние Рафаэля ощущается в картине «Снятие с креста», которая может служить примером применения принципов Высокого Возрождения в творчестве провинциального художника.
Охваченные общим чувством горя, все персонажи выражают скорбь чисто индивидуально — от тихой, сдержанной грусти мадонны до патетического жеста отчаяния Марии Магдалины. Пейзаж, полный покоя и тишины, контрастирует с отчаянием людей, оплакивающих Христа. Только три креста на Голгофе как бы намек на происшедшую трагедию. В деревне мирно и буднично течет жизнь. В изображении пейзажа Ортолано показал себя зрелым мастером, опередившим живопись своего времени и оказавшим влияние на художников болонской школы XVII века.
© «Изобразительное искусство». Москва. 1988 9-2075. 1 19 ООО. 946. 5 к.
воскресенье, 27 июня 2010 г.
ПЬЕРО ДИ КОЗИМО (около 1462 — около 1521) - «Поклонение младенцу»
Пьеро ди Козимо принадлежит к числу выдающихся флорентийских живописцев конца XV — первой четверти XVI века. Родился он в семье флорентийского ювелира. Учителем его был Козимо Россели, от которого Пьеро взял имя Козимо.
Испытав в юношеские годы влияние своего учителя, он не остался чужд и новым веяниям Высокого Возрождения. Пьеро ди Козимо был хорошо знаком с творчеством Леонардо да Винчи, и проблема светотени, занимавшая великого флорентийца, интересовала также и его. Большое место в своих картинах художник отводил пейзажу. В его интерпретации пейзажа чувствуется сильное влияние нидерландской школы живописи.
На переднем плане картины «Поклонение младенцу», в темном интерьере, изображены младенец Христос и Иоанн Креститель. Художник прибегает здесь к необычному освещению. Свет падает спереди и сзади в открытый проем двери. Вдали в голубой дымке тают строения селения. На его фоне идет крестьянин, ведущий корову, здесь же пасущийся ослик. Виднеются очертания замка на холме. С вершины холма сбегает вниз дорога. Художнику удается объединить пейзаж с происходящей в хижине сценой единым настроением. Полная тишины и покоя природа как бы аккомпанирует происходящему.
Испытав в юношеские годы влияние своего учителя, он не остался чужд и новым веяниям Высокого Возрождения. Пьеро ди Козимо был хорошо знаком с творчеством Леонардо да Винчи, и проблема светотени, занимавшая великого флорентийца, интересовала также и его. Большое место в своих картинах художник отводил пейзажу. В его интерпретации пейзажа чувствуется сильное влияние нидерландской школы живописи.
На переднем плане картины «Поклонение младенцу», в темном интерьере, изображены младенец Христос и Иоанн Креститель. Художник прибегает здесь к необычному освещению. Свет падает спереди и сзади в открытый проем двери. Вдали в голубой дымке тают строения селения. На его фоне идет крестьянин, ведущий корову, здесь же пасущийся ослик. Виднеются очертания замка на холме. С вершины холма сбегает вниз дорога. Художнику удается объединить пейзаж с происходящей в хижине сценой единым настроением. Полная тишины и покоя природа как бы аккомпанирует происходящему.
© «Изобразительное искусство». Москва. 1988 9-2075. 119 ООО. 946. 5 к.
ОТПРАВЛЯТЬ ПО ПОЧТЕ ТОЛЬКО В КОНВЕРТЕ
СИМОН МАРМИОН (1449/54—1489) «Распятие»
Художник СИМОН МАРМИОН (1449/54—1489) «Распятие». Дерево 45Х29. Французская школа. Национальная галерея. Рим
Симон Мармион был крупнейшим мастером раннего французского Возрождения. Это время зарождения ренессансной культуры во Франции, время формирования основ реалистического светского искусства. Точная дата рождения художника не известна; предполагают, что он родился между 1449 и 1454 годами в городе Амьене. Работал Мармион в Туре, Лилле и Валансьенне.
Мармион получил известность, работая в технике миниатюры, а затем стал писать картины. Миниатюры художника пользовались у современников популярностью. Его прекрасные иллюстрации «Большой французской хроники» хранятся в Государственной публичной библиотеке имени М. Е. Салтыкова-Щедрина в Ленинграде.
На заре французского Возрождения тенденции к реализму проявились прежде всего в миниатюре. На смену религиозным средневековым представлениям пришло новое жизнеутверждающее мировоззрение, пытливое и страстное изучение окружающего мира. Это новое отношение к миру ощущается и в «Распятии». Большое место в картине занимает прекрасно исполненный пейзаж. В его изображении чувствуется влияние нидерландской школы живописи. Сцена, представленная на переднем плане, воспринимается в единстве с пейзажем.
Тщательность манеры письма, любовь к деталям свидетельствуют об опыте работы Симона Мармиона в миниатюре.
Мармион получил известность, работая в технике миниатюры, а затем стал писать картины. Миниатюры художника пользовались у современников популярностью. Его прекрасные иллюстрации «Большой французской хроники» хранятся в Государственной публичной библиотеке имени М. Е. Салтыкова-Щедрина в Ленинграде.
На заре французского Возрождения тенденции к реализму проявились прежде всего в миниатюре. На смену религиозным средневековым представлениям пришло новое жизнеутверждающее мировоззрение, пытливое и страстное изучение окружающего мира. Это новое отношение к миру ощущается и в «Распятии». Большое место в картине занимает прекрасно исполненный пейзаж. В его изображении чувствуется влияние нидерландской школы живописи. Сцена, представленная на переднем плане, воспринимается в единстве с пейзажем.
Тщательность манеры письма, любовь к деталям свидетельствуют об опыте работы Симона Мармиона в миниатюре.
© «Изобразительное искусство». Москва. 1988 9-2075. 119 ООО. 946. 5 к.
ОТПРАВЛЯТЬ ПО ПОЧТЕ ТОЛЬКО В КОНВЕРТЕ
МИКЕЛАНДЖЕЛО МЕРИЗИ ДА КАРАВАДЖО (1573—1610)
Выдающийся итальянский живописец Микеланджело Меризи родился в городке Караваджо, отсюда и происходит его прозвище.
Караваджо явился родоначальником нового реалистического и демократического направления в итальянской, а затем и европейской живописи XVII века. Его последователей стали называть караваджистами. В период засилья в искусстве маньеризма и академизма Караваджо обращается к показу простых людей. Даже в картины на религиозные темы он вводит простонародные типы, часто изображает людей за их будничными делами. Такое демократическое искусство ошеломило современников. Обращение к «низкой действительности» вызывало острую неприязнь клерикалов и художников-академистов. Правда, сила таланта художника и жизненная убедительность образов снискали ему почитателей даже в этих кругах.
Картина «Больной Вакх» была выполнена художником в шестнадцатилетнем возрасте. Предполагается, что она является автопортретом художника, написанным в госпитале во время заболевания лихорадкой. Об этом свидетельствует болезненный вид юноши. Фигура Вакха вплотную придвинута к раме картины. Художник прибегает к этому, чтобы приблизить персонаж к зрителю, создать ощущение их общения.
Караваджо передает упругость молодой кожи юноши, бархатистость персика и янтарную спелость винограда. С большой убедительностью изображая материальный мир, художник избегает натурализма благодаря умению предметное изображение облечь в обобщенные формы.
Караваджо явился родоначальником нового реалистического и демократического направления в итальянской, а затем и европейской живописи XVII века. Его последователей стали называть караваджистами. В период засилья в искусстве маньеризма и академизма Караваджо обращается к показу простых людей. Даже в картины на религиозные темы он вводит простонародные типы, часто изображает людей за их будничными делами. Такое демократическое искусство ошеломило современников. Обращение к «низкой действительности» вызывало острую неприязнь клерикалов и художников-академистов. Правда, сила таланта художника и жизненная убедительность образов снискали ему почитателей даже в этих кругах.
Картина «Больной Вакх» была выполнена художником в шестнадцатилетнем возрасте. Предполагается, что она является автопортретом художника, написанным в госпитале во время заболевания лихорадкой. Об этом свидетельствует болезненный вид юноши. Фигура Вакха вплотную придвинута к раме картины. Художник прибегает к этому, чтобы приблизить персонаж к зрителю, создать ощущение их общения.
Караваджо передает упругость молодой кожи юноши, бархатистость персика и янтарную спелость винограда. С большой убедительностью изображая материальный мир, художник избегает натурализма благодаря умению предметное изображение облечь в обобщенные формы.
См. также:
МИКЕЛАНДЖЕЛО МЕРИЗИ ДА КАРАВАДЖО (1573—1610)
Подписаться на:
Сообщения (Atom)