Работы Василия Васильевича Верещагина из собрания Киевского государственного музея русского искусства

Старик-молоканин в светлой сорочке. 1865 г. Киевский государственный музей русского искусства.

ВАСИЛЬ ВАСИЛЬОВИЧ ВЕРЕЩАГІН

*

(1842—1904)

В. В. Верещагін належить до числа найвидатніших російських художників-реалістів другої половини XIX століття. Його творчість, тісно пов’язана з передовими демократичними ідеями свого часу, принесла художнику світову славу. У своїх кращих батальних творах він виступав переконаним противником гноблення народів як у царській Росії, так і в інших країнах. Митець викривав мілітаризм і був невтомним пропагандистом ідей миру.

Василь Васильович Верещагін народився 1842 року, у м. Череповці, у дворянській родині. Захопившись мистецтвом і відчуваючи палкий потяг до нього, юнак наперекір батькам, що готували його до військової кар’єри, вступає до Академії художеств. Проте тогочасна система художньої освіти не могла задовольнити молодого художника, який прагнув до реалістичного мистецтва. Верещагін покинув академію, не закінчивши курсу навчання.

Велику роль у розширенні творчого діапазону Верещагіна відіграли його подорожі на Кавказ і в Середню Азію, здійснені у 60—70-і роки. Зроблені ним під час цих подорожей численні зарисовки і етюди з натури стали цінним матеріалом для створення полотен на теми життя і побуту різних народів.

Демократичні устремління Верещагіна, якого В. В. Стасов назвав «живописцем народних мас», особливо сильно виявились у батальному живопису. У цій галузі він виступив як сміливий новатор, що дав твори, характерні своєю суворою, безпощадною правдивістю і гуманістичною спрямованістю. Полотна художника, безпосереднього учасника ряду воєн того часу, глибоко переконливо відтворюють події війни з усіма її страхіттями. Вже рання його картина «Апофеоз війни» прозвучала як протест проти всіх завойовників та їх жахливих злодіянь.

Виступаючи проти загарбницьких війн, які несуть неймовірні страждання народним масам, художник, разом з тим, завжди захоплювався стійкістю і мужністю простого російського солдата, якого і зробив головним героєм своїх батальних картин.

В. В. Верещагін загинув у Порт-Артурі, на потопленому японцями броненосці «Петропавловськ», 1904 року.

У своїй творчості — у туркестанській серії, батальних картинах про російсько-турецьку війну, полотнах, зв’язаних з героїчною епопеєю 1812 року, у творах, присвячених Індії, та в багатьох інших, — Верещагін з властивою йому послідовністю зберігав вірність життєвій правді, відстоював принципи реалізму і народності в мистецтві.

 * * *

До комплекту листівок включено репродукції творів Верещагіна, які зберігаються у Київському державному музеї російського мистецтва.

Етюд молоканина у світлій сорочці і етюд казаха в хутряній шапці відносяться до ранніх живописних творів художника періоду подорожей по Кавказу і Середній Азії.

Великий інтерес викликають твори Верещагіна, присвячені своєрідній природі, самобутній архітектурі і народним типам Індії. Художник палко співчував боротьбі індійського народу за своє визволення від колонізаторів. Його індійські етюди відзначаються яскравими барвами, сміливим зіставленням контрастних тонів.

До комплекту включено також репродукції ряду картин художника з його широко відомої балканської серії. Учасник війни 1877—1878 рр. за визволення болгарського та інших народів від турецького ira, Верещагін глибоко і правдиво змалював її у численних картинах і етюдах.

Велике полотно «Переможці», яке відзначається драматизмом і психологічною виразністю, викриває жорстокість та мародерство турецької армії.

«Пікет у Балканах» написаний з натури під час героїчного зимового переходу російської армії через Балкани.

Картина «Поранений», виконана художником під час подорожей на Філіппіни та Кубу, належить до серії робіт про іспано-американську війну 1898 року.

З любов’ю відтворював митець рідну природу, старовинні пам’ятки російського зодчества. Цій темі присвячений етюд «Московський Кремль взимку».

Казах в меховой шапке. 1867-1868 гг. Киевский государственный музей русского искусства.

ВАСИЛИЙ ВАСИЛЬЕВИЧ ВЕРЕЩАГИН

*

(1842-1904)

В. В. Верещагин принадлежит к числу выдающихся русских художников-реалистов второй половины XIX века. Его творчество, тесно связана с передовыми демократическими идеями своего времени, принесла художнику мировую славу. В своих лучших батальных произведениях он выступал убежденным противником угнетения народов как в царской России, так и в других странах. Художник обличал милитаризм и был неутомимым пропагандистом идей мира.

Василий Васильевич Верещагин родился в 1842 году, в г. Череповце, в дворянской семье. Увлекшись искусством и чувствуя страстное влечение к нему, юноша наперекор родителям, что готовили его к военной карьере, поступает в Академию художеств. Однако тогдашняя система художественного образования не могла удовлетворить молодого художника, который стремился к реалистическому искусству. Верещагин покинул академию, не закончив курса обучения.

Большую роль в расширении творческого диапазона Верещагина сыграли его путешествия на Кавказ и в Среднюю Азию, осуществленные в 60-70-е годы. Сделанные им во время этих путешествий многочисленные зарисовки и этюды с натуры стали ценным материалом для создания полотен на темы жизни и быта разных народов.

Демократические устремления Верещагина, которого В. В. Стасов назвал «живописцем народных масс», особенно сильно проявились в батальной живописи. В этой области он выступил как смелый новатор, дал произведения, характерны своей суровой, беспощадной правдивостью и гуманистической направленностью. Полотна художника, непосредственного участника ряда войн того времени, глубоко убедительно воссоздают события войны со всеми ее ужасами. Уже ранняя его картина «Апофеоз войны» прозвучала как протест против всех завоевателей и их ужасных злодеяний.

Выступая против захватнических войн, которые несут невероятные страдания народным массам, художник, вместе с тем, всегда восхищался стойкостью и мужеством простого русского солдата, которого и сделал главным героем своих батальных картин.

В. В. Верещагин погиб в Порт-Артуре, на Потонувшем японцами броненосце «Петропавловск», 1904 года.

В своем творчестве - в Туркестанской серии, батальных картинах о русско-турецкую войну, полотнах, связанных с героической эпопеей 1812 года, в произведениях, посвященных Индии и во многих других, - Верещагин со свойственной ему последовательностью хранил верность жизненной правде, отстаивал принципы реализма и народности в искусстве.

***

В комплект открыток включены репродукции произведений Верещагина, которые хранятся в Киевском государственном музее русского искусства.

Этюд молоканина в светлой рубашке и этюд казаха в меховой шапке относятся к ранним живописных произведений художника периода путешествий по Кавказу и Средней Азии.

Большой интерес вызывают произведения Верещагина, посвященные своеобразной природе, самобытной архитектуре и народным типам Индии. Художник горячо сочувствовал борьбе индийского народа за свое освобождение от колонизаторов. Его индийские этюды отмечаются яркими красками, смелым сопоставлением контрастных тонов.

В комплект входят также репродукции ряда картин художника с его широко известной балканской серии. Участник войны 1877-1878 гг. за освобождение болгарского и других народов от турецкого ига, Верещагин глубоко и правдиво изобразил ее в многочисленных картинах и этюдах.

Большое полотно «Победители», который отмечается драматизмом и психологической выразительностью, разоблачает жестокость и мародерство турецкой армии.

«Пикет на Балканах» написан с натуры во время героического зимнего перехода русской армии через Балканы.

Картина «Раненый», выполненная художником во время путешествий на Филиппины и Кубу, относится к серии работ о испано-американскую войну 1898.

С любовью воспроизводил художник родную природу, старинные памятники русского зодчества. Этой теме посвящен этюд «Московский Кремль зимой».

Внешний вид здания Бирбаля в Фатехпур-Сикри (памятник индомавританской архитектуры вблизи Агры). Киевский государственный музей русского искусства

Совар - правительственный посыльный. 1874-1876 гг. Дерево, масло. 21,7х15,6. Киевский государственный музей русского искусства

Минарет Кутуб-Минар и ворота. Старый Дели. 1874-1876 гг. Киевский государственный музей русского искусства

Кули (носильщик) 1874-1876 г. Киевский государственный музей русского искусства

Победители. 1878-1879 гг. Киевский государственный музей русского искусства

Пикет на Балканах. 1878-1879 гг. Киевский государственный музей русского искусства

Пикет на Дунае. 1878-1879 гг. Киевский государственный музей российского искусства.

Шпион. 1878-1879 гг. Киевский государственный музей русского искусства

Раненный. 1901 г. Киевский государственный музей русского искусства

Московский Кремль зимой. Киевский государственный музей русского искусства.

А.М. Васнецов (1856-1933) - «После дождя»

Художник А.М. Васнецов (1856-1933). «После дождя». Киевский государственный музей русского искусства

См. также:

 Аполлинарий Михайлович Васнецов

Украинская портретная живопись первой половины XIX века

Новим етапом у розвитку українського портретного живопису стало XIX століття, коли під впливом значних суспільних зрушень, з утвердженням естетичних ідей сентименталізму і романтизму усталюється новий погляд на людину. Вже в перші десятиріччя помітно простежуються тенденції реалістичного осмислення образу людини, її достоїнств, що втілюються тепер у творах, вільних від релігійних канонів і умовностей. Художники все частіше зосереджуються на відтворенні людських почуттів, душевних порухів моделі. Портретний образ відчутно оживає, стає конкретнішим у передачі не лише зовнішності, а й внутрішніх настроїв. Стають популярними невеликі картини з крупним зображенням, що створює враження наближення портретованого до глядача. Водночас розширюється типологія портрета: з'являються автопортрети, родинні, дитячі. Поглиблюється процес демократизації портрета: в усіх його галузях зростає увага до простої людини з народу. Найпопулярнішими стають погрудні зображення, вся увага в яких приковується до обличчя.

Однак інтерес до психологічного стану людини неоднаково відбивався у творчості різних майстрів, які працювали в цей час на Україні. Серед портретистів цієї доби були цехові майстри «живописних справ», іконописці, «домашні маляри» — здебільшого кріпаки-самоуки, а також мандрівні художники. Ці живописці, що майже повністю залежали від замовників, повільніше долають звичну площинність, візерунчастість і статичн} застиглість постаті на полотні. Поєднання рис, характерних для давньоукраїнського портрета, з новими ознаками надає творам народних майстрів особливої принадності.

Згодом все більше стає портретистів-професіоналів. Через від сутність на той час мистецьких закладів на Україні це були пе реважно вихованці Петербурзької академії мистецтв або, коли мова йде про західноукраїнських живописців,— Віденської. Кра ківської, Римської академій мистецтв.

У даному комплекті представлені твори як відомих майстрів портрета, які працювали на Україні, так і живописців маловив-чених, але надзвичайно цікавих творчість яких також відіграла певну роль у розвитку портретного малярства тієї доби.

...На звороті «Портрета М. Ханенка» є напис: «Портрет Н. И. Ханенко в натуральную пропорцію писан в 1809 году священником Гавріилом Кушлянским». Сам факт такого напису свідчить про зросле самоусвідомлення автора. Цікаво, що, вихований на традиціях іконопису, він звертається до цілком світського портрета.

«Чоловічий портрет» пензля Й. Вільчопольського нагадує твори цехових майстрів, до яких, певно, і належав маляр. Риси парсунності превалюють і в «Портреті М. Пташевського» — «именитого козелецького громадянина», який був нагороджений золотою медаллю і годинником. Про це дізнаємося з докладної розповіді у листі, зображеному внизу ліворуч. Хоча постать подана площинно, у трактуванні характерного обличчя вже застосоване об'ємне моделювання. Сміливішим і обумовленішим воно стає у «Портреті Марії Галаган» чернігівського майстра Конона Федоровича. У змалюванні образу тут вбачаються одночасно й ознаки традиційності.

Ці твори — свідчення того, як нове бачення людини видозмінює традиційні зображення, сповнює новим змістом старі портретні схеми.

На розвиток демократичного напрямку в українському портретному малярстві вплинули твори В. Тропініна, творчість якого, як і К. Павлова, І. Зайцева,—свідчення плідних мистецьких взаємозв'язків українського і російського народів, зв'язків, що особливо зміцніли в XIX ст.

«Дівчина з Поділля» В. Тропініна — зразок органічної поетизації народного образу, джерела якого лежать у фольклорній творчості України. Кріпаком, як і довгий час В. Тропінін, буй Слюсаренко. Але йому напевно, не пощастило звільнитись, і він змарнував у неволі свій мистецький хист, уособленням якого може бути невеличкий «ЖІНОЧИЙ портрет».

Емоційна наснаженість «Жіночого портрета» (в газовому зеленому шарфі), «Портрета невідомої» (в очіпку) розкривають динаміку жіночого характеру в портретному живописі, коли не тільки станова належність і зовнішність володіють увагою митця, а й душевний стан зображуваних. Такі твори, як «Портрет П. Паславського» І. Миклосиця, «Автопортрет» І. Зайцева/ «Портрет невідомої» К. Павлова, а також «Портрет юнака» невідомого художника знаходяться у руслі романтичного портрета, що мав широкий спектр образів, від піднесено-натхненних до поглиблено драматизованих.

У «Портреті Ференца Ліста» М. Яблонського образ композитора при зовнішній стриманості виразу обличчя набуває відчутного напруження у зіткненні кольорів, у контрасті плавних обрисів погруддя, у повороті голови до глядача.

До народних джерел творчості тяжіє автор «Портрета українського парубка», переконлива достовірність у зображенні якого поєднується з рисами дещо іронічної героїзації образу. Новими рисами у творі, поряд із звичним зображенням постаті на зріст, з шапкою і шаблею на лівому боці, є потяг до відтворення простору навколо портретованого, намагання дати об'ємне зображення за допомогою світлотіні.

Розгляд портретного живопису першої половини сторіччя показує значні зрушення у трактуванні образу людини. Нові тенденції притаманні як творчості професіоналів з академічною освітою, так і народним майстрам, у творах яких своєрідно відбивалися загальні процеси, характерні для української художньої культури початку нового сторіччя.

В. РУБАН

Неизвестный художник. Женский портрет. 1810-е. Холст, масло. Государственный исторический  музей

Новым этапом в развитии украинской портретной живописи стало XIX века, когда под влиянием значительных общественных сдвигов, с утверждением эстетических идей сентиментализма и романтизма упрочивается новый взгляд на человека. Уже в первые десятилетия заметно прослеживаются тенденции реалистического осмысления образа человека, ее достоинств, которые воплощаются теперь в произведениях, свободных от религиозных канонов и условностей. Художники все чаще сосредотачиваются на воспроизведении человеческих чувств, душевных движений модели. Портретный образ ощутимо оживает, становится более конкретным в передаче не только внешности, но и внутренних настроений. Становятся популярными небольшие картины с крупным изображением, создает впечатление приближения портретируемого к зрителю. Одновременно расширяется типология портрета: появляются автопортреты, семейные, детские. Углубляется процесс демократизации портрета: во всех его отраслях растет внимание к простому человеку из народа. Самыми популярными становятся погрудно изображения, все внимание в которых приковывается к лицу.

Однако интерес к психологического состояния человека неодинаково отражался в творчестве различных мастеров, которые работали в это время на Украине. Среди портретистов этого периода были цеховые мастера «живописных дел», иконописцы, «домашние маляры» - в основном крепостные самоучки, а также путешествующие художники. Эти живописцы, почти полностью зависели от заказчиков, медленнее преодолевают привычную плоскостность, узорчатость и статические} застылость фигуры на полотне. Сочетание черт, характерных для древнеукраинской портрета, с новыми признаками придает произведениям народных мастеров особой прелести.

Впоследствии все больше становится портретистов-профессионалов. Через от сущность в то время художественных заведений на Украине это были пе реважно воспитанники Петербургской академии искусств или, когда речь идет о западноукраинских живописцев, - Венской, Краковской, Римской академий искусств.

В данном комплекте представлены произведения как известных мастеров портрета, которые работали на Украине, так и живописцев маловив-ленных, но чрезвычайно интересных творчество которых также сыграла определенную роль в развитии портретной живописи того времени.

... На обороте «Портрета М. Ханенко» есть надпись: «Портрет Н. И. Ханенко в натуральную пропорцию написано в 1809 году священником Гавриилом Кушлянским». Сам факт такой надписи свидетельствует о возросшее самосознание автора. Интересно, что, воспитанный на традициях иконописи, он обращается к вполне светского портрета.

«Мужской портрет» кисти И. Вильчопольського напоминает произведения цеховых мастеров, к которым, вероятно, и принадлежал художник. Черты парсунности превалируют и в «Портрете М. Пташевського» - «именитого козелецкого гражданина», который был награжден золотой медалью и часами. Об этом узнаем из подробного рассказа в письме, изображенному внизу слева. Хотя фигура представлена ​​плоскостно, в трактовке характерного лица уже применено объемное моделирование. Смелым и обумовленишим оно становится в «Портрете Марии Галаган» черниговского мастера Конона Федоровича. В изображении образа здесь усматриваются одновременно и признаки традиционности.

Эти произведения - свидетельство того, как новое видение человека видоизменяет традиционные изображения, наполняет новым содержанием старые портретные схемы.

На развитие демократического направления в украинском портретном живописи повлияли произведения В. Тропинина, творчество которого, как и К. Павлова, И. Зайцева,-свидетельство плодотворных художественных взаимосвязей украинского и русского народов, связей, особенно окрепли в XIX в.

«Девушка с Подолья» В. Тропинина - образец органического поэтизации народного образа, истоки которого лежат в фольклорной творчества Украины. Крепостным, как и долгое время В. Тропинин, был Слюсаренко. Но ему наверняка, не повезло освободиться, и он потерял в неволе свой художественный талант, олицетворением которого может быть небольшой «Женский портрет».

Эмоциональная насыщенность «Женского портрета» (в газовом зеленом шарфе), «Портрета неизвестной» (в чепце) раскрывают динамику женского характера в портретной живописи, когда не только сословная принадлежность и внешность обладают вниманием художника, но и душевное состояние изображаемых. Такие произведения, как «Портрет П. Паславского» И. Миклосиця, «Автопортрет» И. Зайцева / «Портрет неизвестной» К. Павлова, а также «Портрет юноши» неизвестного художника находятся в русле романтического портрета, имел широкий спектр образов, от возвышенно-одухотворенных к углубленно драматизированные.

В «Портрете Ференца Листа» М. Яблонского образ композитора при внешней сдержанности выражения лица приобретает ощутимый напряжение в столкновении цветов, в контрасте плавных очертаний бюст, в повороте головы к зрителю.

К народным истокам творчества тяготеет автор «Портрета украинских парня», убедительная достоверность в изображении которого сочетается с чертами несколько ироничной героизации образа. Новыми чертами в произведении, наряду с привычным изображением фигуры роста, с шапкой и саблей на левом боку, есть тяга к воссозданию пространства вокруг портретируемого, попытки дать объемное изображение с помощью светотени.

Рассмотрение портретной живописи первой половины столетия показывает значительные сдвиги в трактовке образа человека. Новые тенденции присущи как творчества профессионалов с академическим образованием, так и народным мастерам, в произведениях которых своеобразно отражались общие процессы, характерные для украинской художественной культуры начала нового столетия.

В. Рубан

Неизвестный художник. Портрет Михаила Пташевского. 1833. Холст, масло. Киевский государственный музей украинского искусства

Неизвестный художник. Портрет мужчины с девочкой. 1820-е. Холст, масло. Государственный истореский музей

Неизвестный художник. Портрет неизвестной. Начало XIX века. Холст, масло. Государственный музей украинского искусства, г.  Киев

Неизвестный художник. Портрет украинского парня Первая половина XIX века. Холст, масло. Государственный музей украинского искусства, г.  Киев

Неизвестный художник. Портрет юноши. Начало XIX века. Холст, масло. Одесский художественный музей

Тропинин В.А. (1776-1857). Девушка из Подолья. Начало XIX века. Холст, масло. Государственный музей украинского искусства, г.  Киев

Т.Г. Шевченко (1814-1861). - два портрета

Т.Г. Шевченко (1814-1861). Портрет Е. Кейкуатовой. Исполнен в 1847 году. Холст. масло. Государственный музей Т.Г. Шевченко. Киев

Т.Г. Шевченко (1814-1861). Портрет маевской. Исполнен в 1843 году. Холст. масло. Государственный музей Т.Г. Шевченко. Киев

Из "Нового полного биографического словаря русских художников" Э.Г. Коновалова:

Шевченко, Тарас Григорьевич (1814-1861) - украинский поэт и художник. До 1838 г. - крепостной помещика П.В. Энгельгарда. Выкуплен В.А. Жуковский, К.П. Брюлловым, А.Г. Венециановым и другими русскими деятелями и определён в Академию художеств, где учился (1838-1845) у К.П. Брюллова. С 1860 г. - академик гравирования. Работал как живописец, акварелист, рисовальщик и гравёр. Реалистическая направленность его творчества проявилась уже в ранних работах ("Катерина", 1842, Музей Т.Г. Шевченко; серия офортов "Живописная Украина", 1844) и достигла обличительной силы в ссылке ("Наказание шпицрутенами", 1857, тушь, бистр). автор ряда глубоких психологических портретов ("Автопорет", 1841, Киевский музей Т.Г. Шевченко), эмоциональных пейзажей Украины и Казахстана. Его работы имеются также в Государственном Русском музее, Музее украинского искусства и других. 

Открытки из набора: "Украинская портретная живопись. Середина XIX  века"

Украинский художник первой половины 20-го века Фёдор Григорьевич Кричевский (1879-1947)

 Творчість заслуженого діяча мистецтв УРСР Федора Григоровича Кричевського (1879—1947) — яскраве і самобутнє явище в українській радянській культурі. І у дореволюційний, і в радянський час його неоціненний внесок зіграв важливу роль у розвитку українського мистецтва. Творчий шлях цього великого майстра, блискучого живописця відзначається цільністю, вірністю високим реалістичним принципам. 

 Ф. Г. Кричевський народився 10 травня 1879 року в м. Лебедині на Харківщині (тепер Сумська область) у родині земського фельдшера. Ще в дитинстві, яке майбутній художник провів у селі Ворожба, що зберігало народні звичаї і традиції, у нього виник інтерес до народного побуту і природи. Початкову художню освіту Кричевський одержав у Московському училищі живопису, скульптури та архітектури (1896—1901), а потім продовжив її у Петербурзькій академії мистецтв (1907—1910) у відомого баталіста Ф. Рубо. Програмна академічна картина «Наречена» принесла йому великий успіх і ствердила його творчу індивідуальність. У ній художник розкрив велику силу і значимість народних образів, що стало характерним і для всього подальшого творчого шляху. Традиційному жанровому сюжету народного побуту він надавав форму монументального узагальнення. 

 Свої творчі пошуки і спостереження Кричевський пов'язав із селом Шишаки на Полтавщині, яке було для художника невичерпним джерелом натхнення. Тут він довго жив і творив. У безпосередній близькості до народного побуту, в оточенні мальовничої природи в уяві митця народжувались теми і сюжети найкращих картин. 

 Після закінчення Академії мистецтв Кричевського призначають директором Київського художнього училища, де й почалась його багатолітня і плідна педагогічна діяльність. У ці роки творчість художника наповнюється силою художньої виразності, відточуються його індивідуальні особливості і риси. Багато творів митця тих років («Портрет хлопчика», «Автопортрет», «Три віки», «Портрет Л. Я. Старицької на золотому тлі») пройняті прагненням до монументальності, декоративного звучання живопису. 

 Події Великої Жовтневої соціалістичної революції надихнули Ф. Кричевського на здійснення його творчих ідеалів і прагнень. Художник активно включився у процес створення нової, соціалістичної культури. Він був одним з організаторів художнього інституту в Києві, багато сил і енергії віддав справі вищої художньої освіти на Україні. 

 Творчість Кричевського у 1920-ті рр. набуває нового розмаху і масштабності. Відстоюючи тривалі основи реалізму, художник збагачує засоби живописної пластики, творчість його наповнюється новим змістом і значимістю монументального художнього втілення. Написані в ці роки твори — триптих «Життя», «Свати», «Мати» — вражають сміливістю, новизною, виразністю монументального стилю. 

 Центральна тема творчості Кричевського — тема народу — зазвучала у ці роки ширше, вагоміше, значніше. Справжньої епічності і монументальності досяг він у великому історичному полотні «Довбуш». Зображений у картині епізод національно-визвольної боротьби опришків на чолі з легендарним Довбушем з пригноблювачами трактований як народний епос. Мужня краса гуцулів, своєрідність народних типів передані художником з великою художньою силою і майстерністю. 

 Етапним твором у розвитку історико-революційного жанру в українському радянському живописі стала картина Ф. Кричевського «Переможці Врангеля» (1935). Він створює величні узагальнені образи героїв громадянської війни, надаючи картині масштабності та епічної сили втілення історичних подій. 

 У 1930-ті рр. художник все більше захоплюється темою сучасності. Його картини «Шахтарське кохання», «Веселі доярки», «Дівчата», «Квітуча Україна», «Свято колгоспного врожаю», створені у передвоєнні роки, пройняті світлим, життєрадісним настроєм, почуттям бадьорості й оптимізму, які відображались у творчому ритмі нової перетвореної дійсності. 

 У передвоєнні роки Кричевський з великим захопленням працював над композиціями за мотивами поеми Т. Г. Шевченка «Катерина». Вони збагатили уявлення про творчий діапазон художника, талановитого інтерпретатора поезії Шевченка. Поетичний образ Катерини, сповнений чи то світлої радості, чи то трагізму,— шедевр художника, високе творіння майстра, який глибоко проникнув у задум Кобзаря. 

 Усе творче життя Кричевський особливу увагу приділяв портрету. Цей жанр якнайкраще відображав індивідуальні властивості живописної манери художника, його гуманізм, цільність сприйняття дійсності Тут, як і в усій творчості, Кричевський звеличував людину, свого сучасника, силу і красу людської особистості. 

 Свої художні принципи Кричевський стверджував і в педагогічній діяльності. Виховуючи у своїх учнів творчі основи, він передавав їм високу майстерність, строгі реалістичні принципи, його вихованці, серед яких такі визначні художники, як А. Петрицький, С. Григоп'єв, В. Костецький, Т. Яблонська, Г. Меліхов, Є. Волобуєв, зробили значний внесок у розвиток українського радянського мистецтва. 

 Л. Членова

Ф.Г. Кричевський (1879-1947). Три віки. 1913. Дерево, олія. 18,6х49 см. Сумський художній музей -  Ф.Г. Кричевский (1879-1947). Три возраста. 1913. Дерево, масло. 18,6х49 см. Сумской художественный музей -  Fedir Krichevsky (1879-1947). Three Ages. 1913. Oil on wood. 18,6x49 cm. Sumy Art Museum

Ф.Г. Кричевський (1879-1947). Голівка дівчини в хустинці. Портрет Галі Старицької.1906-1907.Дерево, олія.28х32 см. Державний музей українського образотворчого мистецтва УРСР -  Ф.Г. Кричевский (1879-1947). Головка девочки в платочке.Портрет Гали Страцкой.1906-1907. Дерево, масло. 28х32 см. Государственный музей украинского изобразительного искусства УССР -  Fedir Krichevsky (1879-1947). Head of girl in a Kerchief. Portrait of Halya Staritska. 1906-1907. Oil on wood. 28x32 cm. State Museum of Ukrainian Art USSR

Ф.Г. Кричевський (1879-1947). Портрет хлопчика. 1910. Полотно, олія. 212х107 см. Державний музей українського образотворчого мистецтва УРСР -  Ф.Г. Кричевский (1879-1947). Портрет мальчика. 1910. Холст, масло. 212х107 см. Государственный музей украинского изобразительного искусства УССР -  Fedir Krichevsky (1879-1947).  Portrait of  a boy. 1910 Oil on canvas. 212x107 cm. State Museum of Ukrainian Art USSR

Ф.Г. Кричевський (1879-1947).  Портрет П.Г. Кричевської, матері художника. 1903-1904. Полотно, олія. 149,5х112,5 см. Державний музей українського образотворчого мистецтва УРСР -  Ф.Г. Кричевский (1879-1947). Портрет П.Г.Кричевской,матери художника.1903-1904. Холст, масло. 149,5х112,5 см. Государственный музей украинского изобразительного искусства УССР -  Fedir Krichevsky (1879-1947).  Portrait of P.H. Krichevska, the Artist`s Mather. 1903-1904. Oil on canvas. 149,5x112,5 cm. State Museum of Ukrainian Art USSR

Ф.Г. Кричевський (1879-1947). Мар`яна Кричевська у мордовському костюмі. 1939. Полотно, олія. 184,5х95,5 см. Державний музей українського образотворчого мистецтва УРСР -  Ф.Г. Кричевский (1879-1947). марьяна Кричевская в мордовском костюме. 1939. Холст, масло. 184,5х95,5 см. Государственный музей украинского изобразительного искусства УССР -  Fedir Krichevsky (1879-1947).  Maryana Krichevska in Mordovian Costume. 1939. Oil on canvas. 184,5x95,5 cm. State Museum of Ukrainian Art USSR

Ф.Г. Кричевський (1879-1947). Наречена. Конкурсна академічна програма 1910. Полотно, олія. 210х292 см. Державний музей українського образотворчого мистецтва УРСР -  Ф.Г. Кричевский (1879-1947). Невеста. Конкурсная академическая программа. 1910. Холст, масло. 210х292 см. Государственный музей украинского изобразительного искусства УССР -  Fedir Krichevsky (1879-1947).  Bride. Competitive academic programme. 1910 Oil on canvas. 210x292 cm. State Museum of Ukrainian Art USSR

Ф.Г. Кричевський (1879-1947). Т.Г.Шевченко. 1928-1929. Полотно, олія. 154х160 см. Державний музей Т.Г. Шевченка в Києві -  Ф.Г. Кричевский (1879-1947). Т.Г.Шевченко. 1928-1929. Холст, масло. 154х160 см. Государственный музей Т.Г.Шевченко в Киеве -  Fedir Krichevsky (1879-1947). Taras Shevchenko. 1928-1929. Oil on canvas. 154x160 cm. State Museum of Taras Shevchenko in Kiev

Ф.Г. Кричевський (1879-1947). Дівчата. 1937. Полотно, олія. 150х178 см. Державний музей українського образотворчого мистецтва УРСР -  Ф.Г. Кричевский (1879-1947). Девчата. 1937. Холст, масло. 150х178 см. Государственный музей украинского изобразительного искусства УССР -  Fedir Krichevsky (1879-1947).  Girls. 1937. Oil on canvas. 150x178 cm. State Museum of Ukrainian Art USSR

См. также:

Украинский художник первой половины 20-го века Фёдор Григорьевич Кричевский (1879-1947)

Питер-Пауль Рубенс (1577—1640)

Художник ПИТЕР ПАУЛЬ РУБЕНС (1577—1640). «Бог реки Шельды, Кибела и богиня города Антверпена». Эскиз.  Дерево, масло. 28х37 см. Фламандская школа.  Киевский музей западного и восточного искусства

Художник ПИТЕР ПАУЛЬ РУБЕНС (1577—1640) «Портрет Елены Фоурмен с детьми». Ок. 1637 Париж. Лувр
«Изобразительное искусство». Москва. 1973 9-378. Ц. 3 к. Т. 35 ООО. 5-я т. 3. 1392. 2 1 2 1 2 8 1

В последнее десятилетие жизни великого художника настает период высшей зрелости и совершенства его художественного мастерства. Несмотря на тяжелую болезнь, его художественная деятельность не теряет своей напряженной интенсивности. Он выполняет большие заказы, целые серии картин для Испании и Англии, создает в эскизах грандиозный проект праздничного оформления Антверпена. Но вместе с тем его все более привлекает интимная, лирическая сторона жизни, красота человеческих взаимоотношений. Тема любви и счастья в творчестве Рубенса звучит с новой силой и вызвана отчасти страстной привязанностью к его второй жене, прелестной Елене Фоурмен. Несмотря на разницу возрастов, поздний брак Рубенса был счастливым союзом красоты и таланта. Художник оставил много портретов этой белокурой цветущей красавицы с полным нежным телом, воплощение здоровья, женской прелести, душевной безмятежности. Своей волшебной кистью великий живописец стремился передать как бы само благоухание ее дивной атласной кожи, теплоту легкого розового румянца, пушистую россыпь коротких золотистых волос.

«Портрет Елены Фоурмен с детьми» может быть отнесен к подлинным шедеврам европейской живописи. Молодая женщина сидит в кресле, обнимая маленького сына, старшая девочка стоит около ее колен, следя за порхающей птичкой, привязанной за веревочку. Портрет остался незаконченным — намеренно или случайно, мы не знаем.

Пленительная красота и святость материнства впервые раскрыты художником в образе земной женщины, а не мадонны. На фоне портрета видна колонна, частый атрибут в парадных портретах Рубенса, но по всей видимости, нежная трогательность сцены заставила художника отказаться от обычных приемов завершения картины, оставив все недосозданным, недосказанным, в чуть мечтательной дымке.

Художник ПИТЕР ПАУЛЬ РУБЕНС (1577—1640). «Умирающая Клеопатра». Фламандская школа.  Потсдам. Дворец Сан-Суси

Художник ПИТЕР ПАУЛЬ РУБЕНС (1577—1640). «Пастушечья сцена». 1636-1638 гг.   Холст, масло. 114х91 см. Фламандская школа. Государственный Эрмитаж.

См. также
Питер-Пауль Рубенс (1577—1640)

Гейсбрехт Лейтенс (1586— после 1643) - «Зимний пейзаж»

Художник Гейсбрехт Лейтенс (1586— после 1643), Нидерландская школа, Голландская школа. «Зимний пейзаж». Дерево, масло. 49х64 см.  Киевский музей западного и восточного искусства

Василий Григорьевич ПЕРОВ (Криденер) - русский художник-передвижник

Художник Василий Григорьевич Перов (1834—1882), один из основателей знаменитого Товарищества передвижников, педагог, писатель, по праву занимает одно из центральных мест в истории отечественного искусства XIX века. Некоторые из жанровых работ Перова («Проводы покойника», 1865; «Тройка. Ученики-мастеровые везут воду», 1866, и другие) с давних пор принадлежат к наиболее популярным, «хрестоматийным» произведениям русской реалистической живописи. Широко известен и дар Перова-портретиста. Однако далеко не всегда ценители живописи в полной мере представляют себе действительное богатство образов, созданных им за четверть века интенсивной работы в искусстве.

Перов получил художественное образование в Арзамасской школе А. В. Ступина (1846— 1849, с перерывом) и в Московском училище живописи и ваяния (1852—1861). В «ученических» картинах Перова уже чувствовалось то новое, что нес его талант, — живое, сочувственное внимание к жизни народа, способность максимально приблизиться к действительности, не утрачивая возвышенности идеалов. Эти че^ты присущи и картине «Сцена на могиле» (1859), в которой молодой художник стремился, по его словам, воплотить разные «степени горя» (написана на слова народной песни: «Мать плачет, как река льется; сестра плачет, как ручей течет; жена плачет, как роса падает, — взойдет солнышко, росу высушит»).

В начале 1860-х годов Перов получил широкую известность как автор смелых «обличительных» полотен, в которых нашел отражение столь характерный для демократической культуры России того времени пафос протеста против засилья лжи и несправедливости (например, «Первый чин», 1861; «Чаепитие в Мытищах», 1862). Отчасти к числу подобных работ относится и небольшая картина «Дилетант» (1862). Художник создал здесь едкий сатирический образ, позволяющий ощутить, с какой иронией относился он к барству, к людям, делающим из искусства, говоря словами В. Белинского, «предмет сибаритского наслаждения, игрушку праздных ленивцев».

В 1863—1864 годах Перов жил и работал в Париже, куда был послан «для усовершенствования в мастерстве». В картинах, написанных во Франции, ярко воплотился демократизм художника, его внимание к жизни прежде всего «отверженных», беднейших классов французского общества. В одной из лучших работ этого времени «Парижские тряпичники» (1863— 1864) Перов как бы монументализировал одного из почитаемых им людей «с заскорузлыми руками, но великой душой» (слова художника). В трактовке этого образа он перекликается с творчеством французских писателей и поэтов «поколения 1848 года» (Ф. Пиа, Ш. Бодлер и другие).

Картины, исполненные Перовым в первые годы по возвращении в Россию, стали сильнейшим живописным воплощением социальной атмосферы, «духа» того времени. Отмена в 1861 году крепостного права фактически давала свободу лишь корыстным устремлениям буржуазии. тнюдь не облегчив положения народа. Горе, полнившее тогда российские города и села, «мучительные думы о невыносливых плечах, о погибших жизнях» (А. Левитов и составляют содержание большинства картин Перова второй половины 1860-х годов. В картине О ередная у бассейна» (1865) художник запечатлел бедняков, мерзнущих в очереди за водой у ампирного фонтана (Москва тогда плохо снабжалась водой, и ее добывание становилось для обездоленных подлинной мукой). Некоторые персонажи здесь как бы с укором и болью смотрят на зрителя, взывая к его «сердцу».

В известной работе «Приезд гувернантки в купеческий дом» (1866) живописец саркастически охарактеризовал семейство одного из богачей-«самодуров», стремившихся подчинить себе и культуру. Беспомощно застыла среди купеческих покоев поникшая фигурка интеллигентной девушки, не смеющей и глаз поднять на «самого», бесцеремонно разглядывающего ее как вещь, как товар.

Неоднократно обращался Перов к такому типичному для тогдашней России и «вопиющему к небу» явлению, как непосильный детский труд, нищее сиротство. Какой-то суровой нежности и пронзительной жалости полна картина «Спящие дети» (1870), заставляющая -споминать близкие образы Ф.М.Достоевского, для которого безвинные детские страдания были самым красноречивым свидетельством обвинения зла, царящего в несовершенной действительности. А в одном из лучших портретов художник создал замечательный образ самого великого писателя, запечатленного как бы в момент мучительных размышлений о «проклятых вопросах» жизни, наедине со своей совестью (1872).

Драматизм существования мыслящей личности в полном жгучих противоречий мире передан Перовым и в портрете купца и либерального публициста Н. П. Ланина (1869). А исполненный какого-то «тихого» лиризма, женственный образ Е. Е. Перовой (1868) заставляет особенно наглядно ощутить важность для художника уроков «старых мастеров», в частности голландских и испанских живописцев XVI—XVII веков.

Один из лучших в портретном творчестве Перова — проникновенный образ А. К. Саврасова (1878) — близкого друга художника, помогавшего ему, по некоторым сведениям, советами при написании знаменитых «охотничьих» полотен. С большой симпатией представил в них Перов — сам страстный любитель природы — образы «чудаков», находящих отраду то на таинственной лесной опушке («Птицелов». 1870), то на берегу реки («Рыболов». 1871). В картине «Голубятник* (1874) на крыше на фоне синего неба с глазами, устремленными ввысь, он изобразил юношу, воодушевленно занимающегося «птичьей охотой».

В целом искусство Перова 1870 — начала 1880-х годов очень многообразно. Но основное внимание живописца привлекают прежде всего те моменты и типы прошлого и настоящего, в которых проявляется живущая в народе духовная жажда. Неоднократно воплощает он образы скитающихся правдоискателей, странников («Странник», 1870; «Прием странника-семинариста», 1873). В иных работах Перов обращается к активным формам протеста против угнетения. В картине «Отпетый» (1873) он показал связанного бунтаря, с такой отвагой и гибельным восторгом бросающего вызов «лютой и пропащей жизни», что и охраняющие его «серокафтанники», по выражению благонамеренного критика, «заполонены циничною речью и похвальбою молодецкою».

Обращался Перов и к историческим эпизодам кровавой борьбы «двух Россий» («Суд Пугачева», варианты 1873—1879; «Никита Пустосвят. Спор о вере», 1880—1881). В последней картине он запечатлел момент «раскольничьего бунта» 1682 года, когда последователи «огнепального» протопопа Аввакума навязали представителям власти диспут в Грановитой палате, после которого вожаку протеста против «толстобрюхих» — священнику Никите Добрынину отрубили голову.

Есть в позднем творчестве Перова и иные — легендарно-поэтические варианты обращения к истории. Так, в картине «Первые христиане в Киеве» (1880) отразились возвышенные представления Перова о «неиспорченном» раннем христианстве на Руси. В картине «Плач Ярославны» (1880) и ряде других работ Перов близко соприкасается с устремлениями В. М. Васнецова и некоторых молодых художников того времени, в поисках красоты и поэзии нередко обращавшихся к образам фольклора и древнерусской литературы.

В. Петров

и

«Портрет Николая Петровича Ланина». 1869 г. Холст, масло. 83,5х68,8. Государственный музей латышского и русского искусства Латвийской ССР. Рига

«Приём странника-семенариста». 18749 г. Холст, масло. 93х78. Кировский областной художественный музей имени А.М. Горького
 

«Сцена на могиле». 1859 г. Холст, масло. 58х69. Государственная Третьяковская галерея

«Первые христиане в Киеве». 1880 г. Холст, масло. 156х243. Государственный Русский музей

«Портрет художника Алексея Кондратьевича Саврасова». 1878 г. Холст, масло. 71х57. Государственная Третьяковская галерея

«Очередная у бассейна». 1865 г. Холст, масло. 49,5х61. Государственный художественный музей БССР, Минск

«Никита Пустосвят. Спор о вере». 1880-1881 г. Холст, масло. 336,5х512. Государственная Третьяковская галерея

«Пластуны под Севастополем». 1874 г. Холст, масло.

Тема воинского подвига, совершенного русским народом в годы Крымской войны, оказалась не безразличной для передвижников.
Еще в 1871—1872 годах И.М. Прянишников и В.Е. Маковский создали серию небольших полотен, посвященных севастопольской эпопее, а на второй передвижной выставке И.Г. Мясоедов экспонировал картину «В осажденном городе».
Однако произведение Перова, задуманное им к 20-летию обороны Севастополя, в наибольшей степени, нежели все эти работы, свидетельствует о том, что художники-демократы видели в событиях 1854— 18о5 годов яркое проявление народного героизма. Перов в своем произведении не изобразил на сложных оборонительных сооружений, ни «отцов-командиров» — он показал солдат-разведчиков («охотников»), притаившихся в засаде. Глядя на них, нельзя невольно не вспомнить выдержки из «Севастопольских рассказов» участника сражений Л. Н. Толстого: «Главное, отрадное убеждение, которое вы вынесли,— это убеждение в невозможности... поколебать, где бы то ни было, силу русского народа,— и эту невозможность видели вы не в эгом множестве траверсов, хитросплетенных траншей, мин и орудий, ...но видели ее в глазах, речах, приемах, в том, что называется духом защитников Севастополя».

На третьей передвижной выставке картина была экспонирована под названием «Охотники в засаде»

Картон, наклеенный на холст. 130х196 см Киевский государственном музей русского искусства
Из подборки «Художники-передвижники». Выпуск III

 

«Портрет Елизаветы Егоровны Перовой, жены художника». 1868 г. Холст, масло. 57х46. Государственная художественный музей БССР. Минск

«Казнённые пугачёвцы». 1878 г. Рисонок карандашом и пером. Государственная Третьяковская галерея

«Суд Пугачёва». Эскиз картины 1873 г. Государственная Третьяковская галерея

«Возвращение жниц с поля в рязанской губернии». 1874 г. Холст, масло. 25,8х65. Государственная Третьяковская галерея

См. также:

Василий Григорьевич ПЕРОВ (Криденер) - русский художник-передвижник-4

Василий Григорьевич ПЕРОВ (Криденер) - русский художник-передвижник-3

Василий Григорьевич ПЕРОВ (Криденер) - русский художник-передвижник-2

Василий Григорьевич ПЕРОВ (Криденер) - русский художник-передвижник-1