воскресенье, 22 января 2017 г.

Саломон Конинк (1609 — 1656) - «Портрет Раввина»

Саломон Конинк (1609 — 1656). Портрет раввина. Исполнен в 1645/1650 гг. Дерево, масло. 60 х 48 см С 1737 г. в коллекции Савойской галереи
Из сборника "Великие музеи мира" № 23 "Савойская галерея. Турин":
В XVII веке в голландском искусстве наметилась растущая тенденция специализации. Это явление привело к чрезмерной технической виртуозности и значительному сокращению сюжетов, которые стали достоянием, в том числе, и коммерческим, отдельных художников или мастерских. Соломон Конинк, почти ровесник и большой поклонник Рембрандта, как и другие ученики и последователи мастера, принялся за развитие одной из многих тем, разработанных в его обширном творчестве. Темой, избранной Конинком, стал поясной старческий портрет, персонажей которого он по-разному характеризовал как философов, астрономов, отшельников, священнослужителей. Обычно рассматриваемый как имитатор, писавший серии портретов по этюдам старческих фигур, выполненных Рембрандтом в 30-е годы, Конинк демонстрирует в этой картине большую психологическую глубину. Пронзительные и внимательные глаза являются символом блестящего ума, запертого в хрупком и слабом теле. Первоначально атрибуированный Рембрандту, затем Говерту Флинку,и «Портрет раввина» является частью партии фламандских картин, купленных в Венеции в 1737 году королевским художником Клаудио Франческо Бомоном для герцога Карла Эммануила II. Работа была реквизирована в 1799 году и привезена в Париж членами французского правительства, а затем возвращена Людовико Коста в 1815 году.
Франческа Сальватори
Руки старика, лежащие на верхнем конце трости, представляют собой одну из тех деталей, которые вызывают в воображении зрителя характер, походку и целый образ жизни и существования персонажа. Раввин изображен сидя, но мы легко можем представить, как он медленно встает, и, сомневающийся, но умудренный опытом, направляется через неф синагоги к книгам Торы.

суббота, 21 января 2017 г.

Энди Уорхол - «Ленин»

Andy Warhol (1928-1986). Lenin . Painted in 1986. - Энди Уорхол (1928-1986). Ленин. Написано в 1986 году
Andy Warhol (1928-1986). Red Lenin.  Painted in 1987 - Энди Уорхол (1928-1986). Красный Ленин. 1987
Только не спрашивайте, почему картина была создана позже смерти автора. 

пятница, 20 января 2017 г.

Иоахим Патинир - «Крещение Христа»

Иоахим Патинир (1475/1480 — 1524). Крещение Христа. Исполнено около 1515 года. Дерево, масло 59,9 х 76,3 см. В собрание музея истории искусств в Вене из коллекции эрцгерцога Леопольда Вильгейма

Из сборника "Великие музеи мира" №19 "Музей истории искусств. Вена":
Иоахим родился в Бувиньи в 1485 году. Из его наследия известны только работы, написанные после 1515 года, когда он вступил в гильдию художников Антверпена. В 1521 году художник встретился с Альбрехтом Дюрером, который назвал его «хорошим художником-пейзажистом». Действительно, фламандский мастер напишет многочисленные фоновые пейзажи для картин других художников. Природа, однако, не является главной темой работ Патинира: это только ее контекст, изображенный с высоты птичьего полета, описанный в мельчайших подробностях и с подчеркнутым чувством фантазии, которая создаст много предпосылок для творчества Питера Брейгеля. В этом шедевре глаз отдыхает на необычно светлой скале посреди картины, отмечая белого голубя, символ Святого Духа, а над ним - образ Божий, принимающий участие в крещении Христа. Вся картина сыграна на оттенках серого, зеленого и синего. Смешиваясь, эти цвета дают бледный сюрреалистический свет, типично северный, окутывающий и выделяющий каждую деталь природы. Фигуры Иоанна Крестителя и Иисуса характеризуются почти архаичной жесткостью, контрастирующей с живостью фона. Кажется, что Патинир, однако, не желает упускать из виду религиозный сюжет, и точно описывает Иоанна, стоящего на берегу и льющего воду с рук на голову Иисуса, погруженного в Иордан.
Сильвия Боргезе

четверг, 19 января 2017 г.

Андреа дель Верроккьо и Леонардо да Винчи - «Крещение Христа»

Андреа дель Верроккьо (1435 — 1488) и Леонардо ди сер Пьеро да Винчи (1452 — 1519). Крещение Христа. Исполнено около 1470 г. Дерево, темпера и масло 180 х 152 см В коллекции галереи Уффици (Флоренция) с 1914 г.

Из сборника "Великие музеи мира" №11 "Галерея Уффици. Флоренция":
Доска с изображением Крещения Христа из флорентийского монастыря Сан-Сальви является единственным живописным произведением Вероккьо, дошедшим до нас. Начатая Вероккьо примерно в 1470 году, она была заброшена, а через несколько лет возобновлена и закончена Леонардо, который покрыл маслом некоторые места, ранее написанные темперой. Есть сведения, что Вероккьо часто бросал свои работы. Вазари, напротив, рассказывает о том, что мастер оставил работу над картиной, сраженный величием своего ученика Леонардо. Вероккьо был необычной личностью: ювелир, скульптор и художник, владелец преуспевающей мастерской во Флоренции, из которой вышли такие талантливые мастера, как Леонардо, Перуджино, Лоренцо ди Креди и Боттичелли. Нежность и необычайная выразительность, с которой написаны профиль ангела, Иисус и левая часть пейзажа, покрытая маслом на заднем плане, неоспоримо свидетельствуют об авторстве Леонардо. Скульптурная резкость фигуры Крестителя, изображений пальмы и скальной глыбы указывают на руку Вероккьо. Можно отметить также открытость формы, характерную для скульптур Вероккьо, которая будет неоднократно повторена с большим успехом в работах периода барокко.
Елена Джаннески
Поражает реализм, с которым написаны ноги Христа и Крестителя: виднеющиеся в чистой воде Иордана, они слегка искривлены от преломления света сквозь мелкую рябь реки.

среда, 18 января 2017 г.

Андреа дель Сарто - «Святой Иоанн Креститель»

Андреа дель Сарто (1486/87 — 1531)  Святой Иоанн Креститель. Исполнено около 1522 г.  Доска, темпера; 94 х 68 см  Палаццо Питти.,Флоренция (дар заказчика Джованни Мария Бенинтенди Козимо I Медичи, 1553 г.) 
Из сборника "Великие музеи мира" №24 "Палаццо Питти. Флоренция":
Ослепительная мощь красного плаща подчеркивает красоту «Святого Иоанна Крестителя», который в мудро скомпонованной позе заполняет замкнутое пространство между темными скалами. Яркий свет падает слева и отбрасывает патетические тени на лицо и торс юноши, чем приводит в соответствие с образом Предтечи Христа классические формы фигуры античного копьеносца Поликлета. Картина была задумана как основной элемент декоративного цикла, порученного нескольким художникам, связанным с Андреа, от Франчабиджо до Понтормо. Полотно вновь обрело большую часть своих первоначальных достоинств, благодаря реставрации, произведенной в 1984 году в преддверии выставки в рамках празднования пятисотлетия со дня рождения художника, состоявшейся в Белом зале палаццо Питти в 1986 году. 
 Сильвестра Биетолетти

Фредерик Симпсон Коберн (1871 - 1960) - «Лесозаготовка»

Frederick Simpson Coburn (1871 - 1960). LOGGING THROUGH THE WOODS. 1934 - Фредерик Симпсон Коберн (1871 - 1960) - «Лесозаготовка». Исполнено в 1934 году

См. также:

Фредерик Симпсон Коберн (1871 - 1960) - «Пейзаж с санями»

вторник, 17 января 2017 г.

Педро Берругете (ок. 1450 — 1503/1504) — «Святой Доминик на аутодафе»

Педро Берругете (ок. 1450 — 1503/1504). Святой Доминик на аутодафе. Исполнено в 1495 г. Дерево, темпера и масло 154 х 92 см Музей Прадо. Мадрид. В коллекцию поступила в 1867 году из церкви Сан-Томмазо в Авиле
Из сборника "Великие музеи мира" №1 "Музей Прадо. Мадрид":

Картина была частью алтарного образа с житием святых в ризнице Сан-Томмазо в городе Авиле, где художник провел последние годы своей жизни. Работа являет собой пример перехода готической испано-фламандской традиции в конце XV века к новым тенденциям итальянского Возрождения. С ними Берругете знакомится во время своего пребывания на полуострове. И действительно, с 1474 года он принимал участие в украшении кабинета и библиотеки Федерико да Монтефельтро в герцогском дворце в Урбино. Изображаемый эпизод произошел в Тулузе около 1208 года. Святой Доминик председательствует на аутодафе еретиков-альбигойцев. На реалистическую ткань картины фламандского происхождения наложена система перспективы с диагоналями и убегающими вглубь лестницами. Рассеянное освещение - это отзвук влияния Пьеро делла Франческа и Луки Синьорелли.
Даниэла Тарабра
Сидя на высокой кафедре, под балдахином, в окружении судей и знаменосца инквизиции, св. Доминик милует еретика Раймонда, который отрекся от своих идей.
Берругете населяет сцену множеством фигур, одушевленных физическим движением и мимикой. Таким образом, художник лишает изображение казни какого-либо драматизма и жестокости, что можно увидеть на примере двух еретиков, сжигаемых заживо перед судом Инквизиции.

понедельник, 16 января 2017 г.

Художник из Шотландии Джек Веттриано (1951 г.р.)

Jack Vettriano (1951). THE LONGING - Джек Веттриано (1951 г.р.). Тоска
Jack Vettriano (1951). THE MAN WHO DANCED ALONE - Джек Веттриано (1951 г.р.). Одинокий танцующий мужчина
Мужчина танцует сам с собой. Это что-то из ряда вон! Может быть где-нибудь за океаном такое возможно, но не в Москве, где открылся новый ночной клуб для мужчин "Мачо" (macho moscow), с самой разнообразной программой на всю ночь, которая гарантирует отсутствие каких-либо признаков тоски и желания вздремнуть.
Jack Vettriano (1951). THE TATTOED LADY - Джек Веттриано (1951 г.р.). Леди в татуировках

Александр Максович Шилов (1943 г.р.) - Портрет Народной артистки СССР Людмилы Семеняка

Александр Максович Шилов (1943 г.р.). Портрет Народной артистки СССР Людмилы Ивановны Семеняка (16.01.1952 г.р.). Исполнено в 1980 г.

воскресенье, 15 января 2017 г.

Орацио Джентилески (1563-1639) - «Мадонна с младенцем и святой Франциской Римской»

Орацио Джентилески (1563-1639). Мадонна с Младенцем и святой Франциской Римской. Исполнено в 1615-1618 гг. Холст, масло, 270 х 157 см. Национальная галерея Марке (Урбино), куда поступила в 1941 году из церкви святой Екатерины в Фабриано
Из сборника "Великие музеи мира" №17 "Национальная гаререя Марке. Урбино":
Творчество Орацио Джентилески в Марке представлено фресками в капелле Страстей Господних в соборе Фабриано. Такой престижный заказ определил длительное пребывание пизанского художника в «бумажном городе» (1615 -1620), наполненное шедеврами, такими, как «Кающаяся Магдалина» (для церкви Картам или церкви Магдалины), «Святой Карл Борромео в молитве» (церковь святого Бенедикта), «Мадонна Розария» (бывшая церковь святой Люсии), и это «Видение святой Франциски Римской» (для монахинь-оливетанок Святой Екатерины), которое по многим критериям считается одним из самых высоких достижений его долгой карьеры. Святая жила в Риме на рубеже XIV- XV веков, основала орден Облаков святого Бенедикта, в 1608 году была канонизирована папой Павлом V. Картина Джентилески освящает иконографическую тему «видения» Девы Марии, которая передает святой Младенца Иисуса, основывающуюся на исторических описаниях, рассказанных Франциской ее духовнику после ухода в монастырь Тор-де-Спекки. Однако художник переводит сверхъестественное событие в контекст семейной, повседневной жизни, о чем свидетельствуют натуралистические детали в манере Караваджо (например, тапочки у ног святой и поцарапанные ступеньки лестницы), которые удивляют и очаровывают любого зрителя.

Детали:
Яркость и густые тени контрастируют в картине для воссоздания обстановки,соответствующей передаче сверхъестественного события. В верхней части золотой свет, который прорывается слева и материализуется в венцах ангельских головок, преследуемый пушистыми грозовыми облаками, ясно символизирует вторжение божественного в нашу темную земную историю.
Непередаваемое лицо Богородицы является одним из самых возвышенных преображений женской красоты в иконе своей вечной и нетленной молодостью женщины, предназначенной стать Матерью Спасителя, и, следовательно, избавленной с момента зачатия от первородного греха и его последствий, которые воплощаются в хрупкой природе человека.
Небесное «видение» материализуется в мягкой, приглушенной беседе между святой, которая заботливым материнским жестом принимает Младенца в белоснежное монашеское покрывало, и маленьким Иисусом, который любовно поглаживает ее лицо и скользит рукой между складок покрывала, излучающего жемчужный свет, отражающийся на их лицах.
См. также:

Орацио Джентилески (1563-1639) - «Мадонна с младенцем» 

 Артемизия Джентилески (1593 -1652/1653)


суббота, 14 января 2017 г.

Питер Брейгель (1525-1569) - «Мизантроп»

Питер Брейгель (1525-1569). Мизантроп. Исполнено в 1568 г. Холст, темпера. 86 х 85 см. Национальный музей Каподимонте. Неаполь.  Из коллекции Фарнезе
Из сборника "Великие музеи мира" №14 "Национальный музей Каподимонте. Неаполь" : Загадочная картина, «Мизантроп» принадлежала, как и «Слепые», коллекции графа Козимо Мази, секретаря кондотьера Алессандро Фарнезе во Фландрии, где и была приобретена. Вышеуказанная коллекция была конфискована в 1612 году Рануччо I после раскрытия заговора пармских феодатариев. Ключом к смыслу картины являются слова под фигурами, которые в переводе с фламандского значат: «Поскольку мир так коварен, я - в трауре». Эта фраза и образ приобретают больше определенности в гравюре Жана Виери из серии «Двенадцать фламандских пословиц». Темой картины, является, следовательно, стремление к изоляции от обманчивого мира, населенного испорченными людьми, в духе Тимона Афинского или более современного автора - Эразма Роттердамского. Подразумевается, что человек в капюшоне, изображенный на картине, в прошлом был лицемером или отшельником, следовательно, он не является объектом обвинения художника. В таком случае, название «Мизантроп», возможно, не совсем точное. Зато в картине достаточно много ссылок на мир и его жестокость: стеклянный шар, в котором заключен вор, срезающий кошелек, похожий на сердце, колючки на пути у главного героя, его одежда, напоминающая плащи плакальщиков с готических могил, и даже пастух, невозмутимо пасущий стадо овец. Круговая форма сцены, наконец, также типична для изображения сюжетов пословиц. Подпись и дата внизу справа «1568», возможно, сделаны не самим художником. Однако, суть композиции и стиль уверенно помещают эту работу среди последних произведений Брейгеля, умершего в 1569 году.
Гротескный и сюрреалистический образ воришки вызывает в памяти «Фламадские пословицы» из Берлинского музея. Он близок кошмарно фантастическим персонажам с полотен Босха.
Маттиа Гаэта


пятница, 13 января 2017 г.

ДИЕГО РОДРИГОС ДЕ СИЛЬВА И ВЕЛАСКЕС (1599—1660) - «Сдача Бреды»

Диего Веласкес. Сдача Бреды. Исполнено в  1634-1635 гг. Холст, масло 307 х 367 см. Полотно создано по заказу Филиппа IV для дворца Буэн Ретиро в Мадриде, с 1819 г. в Мадридском музее Прадо
Из сборника "Великие музеи мира" №1 "Музей Прадо. Мадрид":
Известнейшая из картин на историческую тему для королевского зала дворца Буэн-Ретиро в Мадриде напоминает десять лет спустя о сдаче голландской крепости Бреда испанцам, имевшей место 2 июня 1625 г. (В Википедии указано другое число - 5 июня). Веласкес изобразил в центре главных героев дня: победителя - генуэзца Амброджо Спинола, командира испанских войск, и побежденного - Юстина Нассауского, вручающего ему ключи от города. Бреда виднеется на заднем плане в дыму, тумане и пожарах, под небом, исполосованным холодными облаками, на фоне которых выделяются древки копий. Вокруг - суета, толкотня, дружеские беседы победителей и проигравших в пышных или поношенных военных одеяниях. Художник тщательно проработал материал, в частности, голландский пейзаж, которого сам не видел, и который, изучив эстампы, передал в мельчайших подробностях. Мотив копий взят из картин пятнадцатого века, при посредничестве Тициана и Тинторетто. Из великой венецианской живописи проистекает широта и правдоподобность неба в разнообразии облаков и вспышек света. Потрясает замечательная галерея воинских портретов, созданных острым глазом и свободной, но твердой, рукой. Создается ощущение, будто касание кисти придало легкое движение каждой фигуре. Так историческое полотно становится похожим на оживленную сцену из фильма благодаря неподражаемой ловкости рук мастера.
Даниэла Тарабра

Детали:
Копья, поднятые победоносными испанскими солдатами, создают ограду, отделяющую пейзаж на заднем плане, подчеркивая его пространственную глубину. Более чем реалистичны несколько наклоненных копий. Они параллельны друг другу и являются признаком твердой дисциплины в батальоне.
За Юстином Нассауским беспорядочно стоят присутствующие при сдаче голландские солдаты с опущенными пиками и алебардами. Это состояние смешения подчеркивается контрастами света и поз, как, например, позой лошади побежденного, морда которой свешивается на белый кафтан одного из военных
Корпус коня победителя повернут к зрителям спиной, зеркально отображая положение коня Юстина Нассауского. Два животных обозначают замкнутое пространство в границах более обширного поля, в центре которого разыгрывается важное историческое событие. Сцена являет собой не условное и риторическое восхваление испанской победы, а момент реальной жизни, проникнутый взаимным уважением враждебных армий.
Черты, весьма похожие на свои собственные, художник придал офицеру в высоких сапогах, повернутого лицом к зрителям в правом углу

Из послесловия к роману Артуро Перес-Реверте "Испанская ярость": 
К вопросу о присутствии капитана Алатристе на картине Диего Веласкеса «Сдача Бреды» Вопрос о том, имеется ли в числе персонажей картины Веласкеса «Сдача Бреды» капитан Диего Алатристе-и-Тенорио, дебатируется уже на протяжении значительного времени. Опираясь на свидетельство Иньиго Бальбоа, непосредственного очевидца создания картины, который без колебаний утверждал (причем дважды – на стр. 10 «Капитана Алатристе» и на стр. 217 «Испанской ярости»), что его хозяин является одним из персонажей этой композиции, удалось установить путем изучения голов в правой части полотна, что центральный образ, бесспорно, принадлежит генералу Спиноле и – с меньшей степенью уверенности – идентифицировать находящихся рядом с ним лиц, как соответственно – Карлоса Колому, маркизов Леганеса и Эспинара, а также принца Нойбургского. Исследования профессоров Хусти, Альенде Салазара, Санчеса Кантона и Тембури Альвареса показывают, что одна из голов на картине носит явные черты сходства с наружностью капитана Алатристе, описанной Иньиго Бальбоа. Ни прапорщик с древком знамени на плече, ни безбородый и безусый мушкетер на дальнем плане слева не могут быть Диего Алатристе. Отпадают также бледный кабальеро с непокрытой головой, стоящий под знаменем рядом с конем, и тучный офицер без шляпы, виднеющийся под горизонтальным стволом аркебузы – в последнем профессор Севильского университета Серхио Саморано идентифицировал капитана Кармело Брагадо. Некоторые ученые выдвинули предположение, что Диего Алатристе – это стоящий на переднем плане справа офицер, повернутый лицом к зрителям, тогда как целый ряд специалистов – и среди них Тембури – считают, что в этом образе Веласкес запечатлел самого себя, как бы уравновесив автопортретом изображение своего друга Алонсо Кано, представленного в виде голландского аркебузира на переднем плане слева. Как указывает профессор Саморано в своем труде «Бреда – реальность и легенда», черты Диего Алатристе могут совпадать с чертами офицера, стоящего справа, хотя нельзя не признать, что черты этого персонажа мягче, нежели черты капитана Алатристе, знакомые нам по описанию Иньиго Бальбоа. Однако, по наблюдению барселонского исследователя и переводчика Мигеля Антона, изложенному в его работе «Капитан Алатристе и взятие Бреды», возраст его, не превышая тридцати лет, не совпадает с возрастом Алатристе в 1625 году и уж тем более – в 1634–1635 гг., когда и создавалось полотно, не говоря уж о том, что Алатристе, хотя и командовал взводом, оставался рядовым солдатом и, следовательно, не мог носить знаки различия офицера, которые мы видим на картине. Возможность того, что Алатристе, не представленный в правой группе персонажей, помещается среди других испанцев, стоящих на самом заднем плане, за протянутой рукой генерала Спинолы, отвергается после тщательного анализа, произведенного специалистом из «Фигаро Магазэн» Этьеном де Монтети. Но как же быть с утверждением Иньиго Бальбоа, приведенном в первом томе настоящей серии на стр. 10: «…ибо когда при штурме бастиона Юлих отца моего прошила аркебузная пуля – отчего он и не попал на картину „Сдача Бреды“, не в пример своему другу и тезке Алатристе, которого-то художник Веласкес как раз запечатлел на ней справа, прямо за лошадиным крупом…»? Эти не слишком связные слова в течение длительного времени было принято считать лишь игрой воображения, данью благодарной памяти капитану Алатристе, не выдерживающей никакой критики с точки зрения исторической достоверности. Даже сам Артуро Перес-Реверте, в пору работы над «Приключениями капитана Алатристе» использовавший в качестве документального источника воспоминания Иньиго Бальбоа, который служил солдатом во Фландрии и Италии, участвовал уже в чине прапорщика в битве при Рокруа, затем был лейтенантом королевского почтового ведомства, затем – капитаном испанской гвардии, по достижении пятидесятилетнего возраста (в 1660 году) вышел в отставку вскоре после своей женитьбы на донье Инее Альварес де Толедо, вдове маркиза де Алыуасаса, – считал утверждения Иньиго Бальбоа не соответствующими действительности. Счастливый случай позволил раскрыть эту тайну, приняв в расчет данные, мимо которых прошли все исследователи, включая и самого создателя серии, базирующейся практически целиком на рукописи Бальбоа.[29] В августе 1998 года, когда я по делам издательским посетил Переса-Реверте у него дома возле Эскориала, писатель поведал мне, сам еще не вполне оправясь от глубокого изумления, о своем случайном открытии, произошедшем при изучении документов для создания эпилога третьего тома. Накануне, сверяясь с монографией «Веласкес», принадлежащей перу Хосе Камона Аснара, одного из крупнейших знатоков творчества нашего гения, Перес-Реверте на стр. 508–509 первого тома (Мадрид, «Эспаса Кальпе», 1964) обнаружил, что профессор Аснар на основании рентгенологического изучения полотна «Сдача Бреды» нашел подтверждения некоторым утверждениям Иньиго Бальбоа, до сей поры представлявшимся, мягко говоря, противоречивыми: так например, знамена на заднем плане в самом деле были «записаны» и заменены копьями. Что же, с художником, известным своими «раскаяньями», подобное случалось не раз – он уничтожал уже написанные фигуры и предметы, изменял черты, отыскивал иное композиционное решение. Но, помимо знамен, уступивших место копьям, – согласимся, что, не будь этого, картина производила бы совсем иное впечатление! – выяснилось, что конь был прежде написан в трех различных видах; что на самом заднем плане, в точном соответствии с действительностью, угадывается некое водное пространство с плывущим кораблем; что в первоначальном варианте Спинола держался прямее; и что справа можно различить «записанные» впоследствии головы и шеи в валлонских воротниках. По неизвестным нам причинам Веласкес в окончательной версии картины уничтожил двух персонажей. Относительно же местонахождения Диего Алатристе, которое указано Иньиго Бальбоа с большой точностью – «…пространство между головами двух военачальников, отчеркнутое стволом аркебузы, лежащей на плече безусого и безбородого солдата…», – то зритель видит лишь пустое место над головой стоящего к нам спиной пикинера в синем колете. Однако истинная неожиданность – лишнее доказательство тому, что живопись, как и литература, есть цепь задач-головоломок, – поджидала нас в нескольких словах, притаившихся на странице 509 книги профессора Аснара, относящихся к этому пресловутому пустому месту, где просвечивание в рентгеновских лучах обнаружило, что «…за этой головой угадывается голова еще одного персонажа, похожего в профиль на орла». И, как нередко бывает, реальность подтверждает то, что нам казалось вымыслом. Мы никогда не узнаем, почему Веласкес решил «записать» эту голову, но, быть может, новые тома серии о приключениях отважного капитана откроют нам эту тайну.[30] Единственное, в чем мы можем быть уверены сейчас, по прошествии четырех столетий, – Иньиго Бальбоа не солгал: Диего Алатристе в самом деле был – и есть – на картине Веласкеса «Сдача Бреды».
Своего друга, художника Алонсо Кано, Веласкес написал в виде голландца-аркебузира, стоящего слева

См. также:

 ДИЕГО РОДРИГОС ДЕ СИЛЬВА И ВЕЛАСКЕС (1599—1660)

четверг, 12 января 2017 г.

Анжелика Кауфман (1741-1807) - «Читающая Сивилла»

Анжелика Кауфман (1741-1807). Читающая Сивилла. Исполнено в 1780-1785 гг. Холст, масло. 81х65 см. Савойская галерея. Турин. В коллекции с 1833 г.
Из сборника "Великие музеи мира" №23 "Савойская галерея. Турин":
Анжелика Кауфман, художница родом из Швейцарии, стала весьма заметной личностью среди капитолийского высшего света. Ее салон на Сикстинской улице был оживленным местом встречи культурной элиты. Популярность Анжелики в таком обществе очень помогла ей заявить о себе в кругах крупных заказчиков из числа знати. Ее стиль характеризуется нежным сфумато, который несет на себе отпечаток ее ломбардского формирования, характеризуясь присутствием сентиментальной меланхолии, накладывающей на фигуры отпечаток романтизма. Тема Сибиллы была очень популярна в XVIII веке, и в качестве образца были приняты болонские модели Гверчино, Доменикино и Рени (которые сама Анжелика скопировала в свои альбомы эскизов). «Читающая Сивилла» - это парная картина полотну «Сивилла, снимающая покровы». На картине девушка держит открытым текст, написанный от руки. Возможно, здесь представлена Сивилла из Эритреи, которая, согласно легенде, с самого рождения начала давать пророчества в стихах. Речь идет о сцене, в большой степени декоративной, которая не ставит задачу потрясти или взволновать, но просто изящно обобщить эстетические идеалы томного неоклассицизма, где конфликты и дисгармония ослабляются во имя напряженного поиска прелести и грации. 
Франческа Сальвадори

Вполне вероятно, что композиция содержит ссылку на легенду о «Сивиллиных текстах», о девяти сборниках прорицаний, которые Сивилла из Эритреи пыталась продать римскому императору Тарквинию. Дважды ее предложение отклонялось, затем были уничтожены шесть сборников, а последние три помещены в храм Юпитера Капитолийского.

См. также:



среда, 11 января 2017 г.

Энди Уорхолл - Красный и синий автомобили

Энди Уорхолл. Красный автомобиль. Исполнено в 1959 году
 Вот странно, рисунок, небрежно сделанный знаменитостью, размером 37,5, 58,4 см может стоить дороже изображённого автомобиля. А ведь каждый такой автомобиль за свой век успевает совершить большое путешествие по миру. Помнится подобный автомобиль был в фильме "Разиня" с Луи де Финнесом и Бурвилем. Сейчас же британскими киношниками снят  сериал "Большое путешествие" про разъезжающее по всему миру автошоу. Первый сезон Гранд Тур смотреть онлайн обязательно должны любители автомобилей, так как ведущие автошоу не только развлекают, но и знакомят зрителей с самыми современными машинами
Энди Уорхолл. Синий автомобиль. Исполнено в 1961 году

Даниэле да Вольтерра - «Усекновение главы святого Иоанна Крестителя»

Даниэле да Вольтерра (Даниэле Риччарелли) (1509 — 1566). Усекновение главы святого Иоанна Крестителя. Исполнено в 1546-1549 гг. Дерево-темпера. 177х141 см. Савойская галерея. Турин. Приобретено в 1840 г.
Из сборника "Великие  музеи мира" №23 "Савойская галерея. Турин":
Картина «Усекновение главы», написанная зрелым художником, хранит память о длительном обучении у Микеланджело, учеником и другом которого был Даниэле. Между ними существовала такая эмоциональная близость, что именно он был вызван папой Пием IV, чтобы прикрепить знаменитые «драпировки» для прикрытия наготы тел в «Страшном Суде» Сикстинской капеллы (это вмешательство способствовало появлению у художника неприятного прозвища «штанописец»). В работе из Савойской галереи заметна тенденция к абстракции и стилизации микеланджеловской пластичности, а также отголоски флорентийского опыта Россо и Понтормо, особенно в образе принцессы Саломеи в ярко-голубой одежде. Картина свидетельствует о поиске более индивидуальной, гибкой манеры, в которой монументальность форм, заимствованных у Микеланджело, приобретает черты иератической торжественности, чуждой учителю. Холст, первоначально появившийся в 1667 году во Флоренции в палаццо Николини, был куплен в 1840 году для Королевской пинакотеки бароном Гектором Гарриодом.
Франческа Сальваторе

Сцена в точности соответствует повествованию от Марка (6,17-29), где он говорит, что Иоанн был убит в тюрьме охранником Ирода, вручившим его голову Саломее, которая, в свою очередь преподнесла жуткий трофей подстрекательнице убийства, своей матери Иродиаде. Очень оригинальным и символически эффектным является композиционное решение художника, делающее принцессу, ожидающую с подносом за решеткой тюрьмы, свидетельницей и молчаливой соучастницей преступления (заметим, что эта деталь отсутствует в евангельском тексте).

вторник, 10 января 2017 г.

Фредерик Симпсон Коберн (1871 - 1960) - «Пейзаж с санями»

Frederick Simpson Coburn (1871 - 1960). LANDSCAPE WITH HORSES DRAWING LOGS. 1946 - Фредерик Симпсон Коберн (1871 - 1960). Пейзаж с конными санями, перевозящими дрова.  исполнено в 1946 году
См. также:

Фредерик Симпсон Коберн (1871 - 1960) - «Поездка в городок»

понедельник, 9 января 2017 г.

Василий Кандинский (1866-1944) - «КОМПОЗИЦИЯ №8»

Василий Кандинский (1866-1944). КОМПОЗИЦИЯ №8. Исполнено в 1923 г. 140х201 см; масло холст. Музей Гуггенхайма, Нью-Йорк 
Из книги "Великие художники" Роберта Камминга:
Василий Кандинский (1866-1944) одним из первых начал создавать по-настоящему абстрактное искусство, где форма и цвет живут своей жизнью. Он родился в зажиточной семье в Москве и сначала изучал право. В 30 лет он отправился в Мюнхен учиться живописи. В 1911 г. Кандинский основал общество авангардистов "Синий всадник". С началом Первой мировой войны он вернулся в Россию и попытался управлять художественной жизнью нового государства, но его  мечты рухнули, он вернулся в Германию, где стал преподавать в "Баухаузе". Когда нацисты закрыли "баухауз", он перебрался во Францию, где продолжил развивать свой крайне индивидуальный стиль абстрактной живописи. Способный на сложные концептуальные размышления, он развивал свои идеи не только в живописи, но и на письме. Особенно его увлекала связь живописи и музыки, поскольку он был необычайно чувствителен к звуку и мог буквально "слышать" цвета - эта способность называться "синестезией".

Эту картину, написанную на пике своей карьеры, Кандинский считал одной из главных - точным выражением своей теории об эмоциональных свойствах формы. линии и цвета.
В период её завершения он преподавал в "Баухаузе" и работал над книгой "точкак и линия на плоскости", вышедшей в 1926 г.
Такая картина требует от зрителя кардинально иного подхода, чем традиционная живопись. Для начала лучше стать вблизи, чтобы цвета заполнили  всё поле зрения. Расслабление глаз и мыслей позволяет увиденному проникнуть в ту часть мозга, что реагирует на музыку. Анализ и попытки увидеть здесь дизайн разрушают весь весь эффект.

"Цвет - это клавиатура, глаза - это молоточки, а душа - пиано со множеством струн. Художник - это играющий оркестр, который касается той или иной клавиши, чтобы вызвать колебания в душе". Кандинский

О деталях картины:
Круги
В картине исследуются многие теоретические выкладки Кандинского. В 1926 г. он писал: "Угол заключает в себе нечто бездумно юношеское, кривизна - зрелую ... энергию... точка - это малый мир, со всех сторон более или менее равномерно ограждённый". 
Жёлтый. По Кандинскому жёлтый "обладает способностью подниматься выше и выше, достигая высот, невыносимых для глаза и духа". Синий "опускается в бездонные глубины".  Голубой "развивает звук флейты".
Цвет и духовность
По Кандинскому "зелёный уравновешен и соответствует тонким звукам скрипки", красный "может создавать впечатление сильного барабанного боя", а синий присутствует "в глубине органа".
Треугольники и круг
Кандинский считал, что абстракционизм может быть не менее глубоким, чем образная живопись. Он писал: "Влияние острого угла треугольника на круг даёт не меньший эффект, чем палец Бога, касающийся пальца Адама у Микеланжело".
Линии и углы
По Кандинскому, горизонтали звучат "холодно и минорно", а вертикали - "тепло и высоко". Острые углы - "теплы, остры, активны и желты", а прямые - "холодны, сдержанны и красны".

Интересно, как бы абстракционисты начала прошлого века отреагировали на абстракции нашего времени: на интернет и смартфоны, благодаря которым жизнь становится всё более и более виртуальной.  Во всяком случае британские кинематографисты уже задумались над этим и показали в сериале "Чёрное зеркало", который можно увидеть вот тут, как изменилась наша жизнь, в которой алтарь социальных сетей заменяет жертвенник. Характерной чертой данного сериала является то, что серии в нём никак не связаны между собой ни действием, ни персонажами. 

Аньоло Бронзино (1503-1572) и его мастерская - Портрет Козимо I де Медичи

Аньоло Бронзино (1503-1572) и его мастерская.  Портрет Козимо I де Медичи, Великого герцога Тосканы. Исполнено около 1555 г. Холст, масло 81 х 68 см В коллекции Савойской галереи с 1566 г.
Из подписки "Великие музеи мира" №23  "Савойская галерея. Турин":
Портрет Козимо I, который смолоду отличался «высоким ростом, сильными членами» (согласно биографии герцога Филиппа Кавриана), очень хорошо иллюстрирует и качества художника как портретиста, и твердый характер персонажа. Именно благодаря способности передавать изображения, отражающие идеал династического абсолютизма, представляющего собой суть политики Козимо, Бронзино стал официальным художником при дворе Медичи. Черты изящества, достоинства, спокойного бесстрастия его произведений возвели его творчество до уровня образца придворного портрета в Европе. Объемные решения отмечены изучением работ Микеланджело, а стилизация линий заимствована у Понтормо. Типичный стиль Бронзино также является анализом мельчайших деталей и реализма в передаче материала (здесь это заметно по блеску шелка, вышивке батистового носового платка, кольцу с рубином). В интерпретации художника даже небольшое косоглазие Козимо приобретает значение стигмы аристократа. Фрагмент письма от 31 октября 1566 года удостоверяет, что картина была подарена самим герцогом Эммануилу Филиберту Савойскому. Эта работа фигурировала в инвентарных описях замка Риволи в 1635 году как работа Себастьяно дель Пьомбо. 


 См. также:

 Аньоло Бронзино - Портрет молодого человека с книгой 

воскресенье, 8 января 2017 г.

Рогир ван дер Вейден - «Триптих Святой голубки»

Рогир ван дер Вейден Триптих Святой голубки. Сполнен в 1455 г. Дерево, масло Центральная панель 138 х 153 см, Боковые створки 138 х 70 см.  Старая пинакотека в Мюнхене. Из коллекции Буассерье; Фонд Виттельсбахов, Мюнхен
Из сборника "Великие музеи мира" №16 "Старая пинакотека. Мюнхен": 

Эта работа - один из самых выдающихся шедевров зрелого периода творчества художника. Первоначально она находилась в небольшой капелле церкви Святой голубки в Кельне. В центре - «Поклонение волхвов», где три короля в роскошных одеяниях с пышной свитой предстают как образ аристократии и олицетворяют три возраста жизни человека: молодость, зрелость и старость. Юношу с борзой, стоящего справа, отождествляют с Карлом Смелым, ставшим впоследствии курфюрсом Бургундии. В левом углу, за спиной Иовифа, стоит безымянный заказчик с четками в руке. Сквозь аркады здания на центральную сцену поступает четкий свет, делаю- щий яркими мельчайшие детали: кубки волхвов, богатую вышивку одежд, тончайше выписанную растительность на первом плане. Боковые створки отображают, соответственно, «Благовещение» и «Принесение во храм». На левой створке Мария внимает словам ангела, держащего скипетр, знак своей божественной миссии. На правой створке Мария и Иосиф показывают Младенца первосвященнику. Ван дер Вейден, который считается одним из основателей великой фламандской школы XV века, в произведениях на религиозную тематику сумел превзойти своих учителей, Яна ван Эйка и Робера Кампена, способностью передать человеческие чувства
Сильвия Боргезе
Детали:

Фигура Марии, нежная и хрупкая, яркий пример усердия, с которым художник описывает гармонию линий и безукоризненную красоту форм. Здесь проявляется также опыт, приобретенный при феррарском и флорентийском дворах, где Ван дер Вейден научился передавать это религиозное волнение, что вызвало большой отклик в религиозных орденах большей части Европы.

Центральная сцена «Поклонения» происходит на фоне руин, которые символизируют, вероятно, храм иудеев. Как и в других картинах того периода, Рождество Христово на фоне руин обозначает конец древнего мира и зарождение на его руинах эры христианства. Распятие на центральной колонне символизирует смерть Иисуса на кресте.

Иисуса в храме принимает Симеон, благочестивый человек, которому было открыто, что перед смертью он встретит мессию. Персонажи изображены в момент глубокой взаимной сопричастности, напряженного испытания, в которое вовлечены как их тела, так и их души. Свет и чистота красок находятся в гармонии с духовной сущностью форм.

См. также:


РОГИР ВАН ДЕР ВЕЙДЕН (около 1400—1464)


суббота, 7 января 2017 г.

Федерико Бароччи (1526/1535 — 1612) - «Рождество»

Федерико Бароччи (1526/1535 — 1612). Рождество. Исполнено в 1597 г. Холст. масло. 134 х 105 см. Коллекция музея Прадо в Мадрид, куда картина попала из коллекции Карла IV
Из сборника "Великие музеи мира" №1 "Музей Прадо. Мадрид":
Картина была написана в 1597 году для герцога урбинского Франческо Мария делла Ровере, главного покровителя художника. Характерная для манеры Бароччи картина относится к последнему периоду его творчества, когда он покинул Рим и удалился в Урбино, больной и напуганный соперниками, якобы пытавшимися отравить его. Фигуры святого Иосифа, жестом протянутой руки приглашающего пастухов войти в хлев, и Девы Марии, неподвижно созерцающей младенца, создают диагональную композицию, навеянную великими мастерами Возрождения. Контраст между тенью и светом, льющимся из божественного чудесного источника, и интимная семейная обстановка придают картине сентиментальную повествовательность. Хотя стиль ее написания во многом напоминает барокко, утонченная изысканность деталей и звенящая красочность присущи маньеризму. Оригинальное использование палитры, легкая размытость и световые эффекты, подхваченные следующим поколением художников, были высоко оценены современными критиками.
Даниэла Тарабра

Деталь
Эскизы и наброски, рассеянные по разным музеям, свидетельствуют о кропотливой графической работе Бароччи, известного медленностью исполнении. Примером выдающегося реализма служит фрагмент с ослом и быком, которые освещены в темноте бедного хлева божественным чудесным светом,

Джорджоне де Кастельфранко - «Поклонение пастухов»

Джорджоне де Кастельфранко (1476/77 - 1510).  Поклонение пастухов.  Исполнено в 1505-1510 гг. Дерево, масло; 90,8 х 110,5 см Картина хранится в Национальной галерее искусств в Вашингтоне, куда поступила из коллекции Сэмюэля X. Кресса (ранее была в коллекции Аллендале)
Из сборника "Великие музеи мира" №9 "Национальная галерея искусств. Вашингтон":
Высокая художественная ценность картины подтверждает авторство Джорджоне, единодушно принятое искусствоведами. Поэзия композиции полностью духовна, она приближает зрителя к главной сцене поклонения Младенцу со стороны Девы Марии, старого святого Иосифа и двух пастухов, один из которых уже благоговейно опустился на колени, а второй склонился в знак почтения. Повествование поклонения ведется с исключительным вниманием к отображению персонажей, сути их жестов, количества, роли. В глубине пещеры чуть виднеются, согласно традициям иконографии, осел и бык, в то время как святой Иосиф, со своей густой белоснежной бородой, скромно помещен на второй план с руками, соединенными в молитве. Над его фигурой видны проблески света, выделяющие из темноты его одежду, которая своей красотой подчеркивает различие с рваным платьем пастухов. Нежный пейзаж, которым пронизана вся композиция, не достиг еще эффекта картины «Гроза» (около 1506 г., Венеция, Галерея Академии), оставаясь близким к манере Джованни Беллини, от которого исходит прочная основа рисунка, и изображение холмов, которые теряются у линии горизонта в почти что сумеречном свете.
Роза Джорджи

Две пары ангельских головок херувимов «парят» в воздухе над входом в темноту пещеры и над головами пастухов: единственная сверхъестественная деталь всей композиции. Как крохотные небесные творения перед грандиозной поэзией природы, они реально и скромно присутствуют в ней, и кажется, что никто этого не замечает.

В пейзаже, сквозь гряду холмов просматриваются высокие постройки, сооружения, несомненно, известные художнику и его современникам-зрителям: такой пейзаж делает священную сцену более домашней. Деревья и кустарники, которые с двух сторон обрамляют сцену, тщательной прорисовкой деталей напоминают манеру Леонардо.

Младенец Иисус не лежит больше в яслях (знак, который ангел дал пастухам, чтобы те могли узнать его), но на земле, на белой ткани, покрывающей мешок и край накидки Богородицы. Он обнажен, он беднее бедных пастухов, которые пришли поклониться ему; кажется, что он непринужденно забавляется с краешком белой ткани.


См. также: 




пятница, 6 января 2017 г.

Г. Верейский - Портрет И. И. Бродского

Г. Верейский.  Портрет Исака Израилевича Бродского [25.12.1883 г. (6.01.1884 г.) - 14.08.1939 г.]. Исполнено в 1931 г.

четверг, 5 января 2017 г.

Фредерик Симпсон Коберн (1871 - 1960) - «Поездка в городок»

Frederick Simpson Coburn (1871 - 1960). GOING TO TOWN, WINTER, QUEBEC. 1926 - Фредерик Симпсон Коберн (1871 - 1960). Поездка в городок, зима, Квебек. исполнено в  1926 году
См. также:

Фредерик Симпсон Коберн (1871 - 1960) - «Разговор на дороге»



среда, 4 января 2017 г.

Конг Сяоюй (1899-1984) - НОВОГОДНИЕ ПОЗДРАВЛЕНИЯ!

Kong Xiaoyu (1899-1984). NEW YEAR BLESSINGS. 1945 - Конг Сяоюй (1899-1984). НОВОГОДНИЕ ПОЗДРАВЛЕНИЯ. 1945

понедельник, 2 января 2017 г.

Александр Максович Шилов (1943 г.р.) - Портрет Народной артистки СССР И. К. Архиповой

Александр Максович Шилов (1943 г.р.). Портрет Народной артистки СССР Ирины Константиновны Архиповой (2.01.1925 г. - 11.02.2010 г.). Исполнено в 1975 году