Франческо Гварди (1712-1783) - итальянский мастер городского пейзажа.

Франческо Гварди (1712-1783). Венецианская школа. Венецианский дворик. Холст, масло. 38х26 см. Государственный музей изобразительных искусств им. А.С. Пушкина

Открытка из набора "Итальянская живопись. Государственный музей изобразительных искусств имени А.С. Пушкина, Москва"

Франческо Гварди (1712-1783). Вид площади с дворцом. Исполнено между 1775 и 1780 годом. Холст, масло. 27х23 см. Государственный Эрмитаж, Санкт-Петербург

Среди многих венецианских пейзажистов XVIII века особенно выделяется Франческо Гварди - художник, как никто другой воплотивший в своих камерных картинах многочисленные улочки и окраины Венеции. Все эти уголки, переданные с особенной теплотой и любовью, населены людьми, и они не являются декорацией или дополнением к пейзажу. Картину можно отнести к «каприччо» - так называемым фантазиям художника на архитектурную тему.

В небольшой картине «Вид площади с дворцом» во дворе и под аркой видно множество людей, занятых своими повседневными делами, которых живописец представил в движении. Зритель наблюдает за ними сквозь широкую арку большого старинного здания. Гварди всегда интересовался проблемой передачи освещения. В представленном произведении он блестяще справился с задачей, показав контраст затененного пространства под аркой, где свет борется с темнотой, и залитого солнцем палаццо в глубине двора.
Любимыми объектами творчества Франческо были заброшенные, часто - полуразрушенные строения, которые он изображал в своих  «каприччо».  Встретить такие строения непросто, так как имеется хорошая возможность сдать помещение в аренду и  оно не только перестанет разрушаться от времени, но и будет приносить неплохой доход.  

Франческо Гварди (1712-1783). Мол, набережная Скьявони и лагуна у Сан-Марко. 1760-1765. Холст, масло. 122х1 52,S. Метрополитен, Нью-Йорк.

Венецианец Гварди почти все свое творчество посвятил «ведуте» - изображению городских пейзажей. Главной героиней его картин была Венеция. Он часто рисовал какие-либо уголки своего любимого города и реже - панорамы,подобные той, что представлена на этом полотне.

На переднем плане показана лагуна с кораблями, лодками и людьми в них, а вдали, за всей этой кипящей жизнью, видны Дворец дожей, площадь Сан-Марко и Торре дель Оролоджо - Башня с часами, и надо всем раскинулось огромное небо с плывущими по нему облаками. Все три стихии, царствующие в этом городе, - вода, земля и небо занимают в картине Гварди равное положение.

Особенностью живописи художника было еще и то, что он умел передавать влажный венецианский воздух,окутывающий здания и людей и придающий им зыбкие, слегка плывущие очертания. Гварди хорошо знал законы пленэрной живописи, в его время мало кем постигнутые.

Ян Вермеер Дельфтский (1632—1675) - "Молодая женщина с кувшином"

Художник Ян Вермеер Дельфтский (1632—1675), Голландская школа. Молодая женщина с кувшином. Ок. 1650/60 г. Холст, масло. 46х41 см. Нью-Йорк, Музей Метрополитен

После победы буржуазной революции национальное искусство Голландии почти целиком обратилось к миру обычного человека. Одним из тех, кто воспевал радости частного существования, стал Вермер, всю жизнь проживший В родном Делфте среди людей, которых хорошо знал и любил. Он нередко изображал женщин за каким-нибудь домашним занятием, причем в одном и том же антураже: белая стена, на ней карта, окно, стол, покрытый ковром. Персонажи при этом совершают такие простые действия, как на представленной картине: женщина открывает окно, придерживая другой рукой кувшин. 

Рассеянный дневной свет, льющийся в комнату, делает мягкими черты лица и контуры предметов, наполняет глубиной краски. Ка к писал Ва н Гог, « ... надо всем дивно синий небосвод и солнце, которое струит сия н ие светлого зеленоватожелтого цвета; это мягко и чарующе, как сочетание небесно-голубых и желтых на картине Вермера Делфтского». Вермер был внимателен к подробностям: кувшин отражает голубую драпировку, а поверхность таза - ковер. Чешский писатель Карел Чапек отзывался о виденных им картинах мастера: « ... никто другой не сумел так подметить этот ясный, прозрачный, словно омытый росой свет Голландии, эту тишину, светлое достоинство и интимную святость домашнего очага, где пахнет утюгом, мылом и женственностью».

Ганс Хольбейн (Гольбейн) Младший (1497/8-1543) - «Дирк Берк»

Художник Ганс Хольбейн (Гольбейн) Младший (1497/8-1543), Немецкая школа. «Дирк Берк». Нью-Йорк. Музей "Метрополитен"

Питер Брейгель-старший или «Мужицкий» (1525-1569) - «Жатва (июль)»

Художник Питер Брейгель-старший или «Мужицкий» (1525-1569), Нидерландская школа. «Жатва (июль)». Из серии Времена года. Дерево, масло. 118х160,7 см. 1565 год. Метрополитен-музей в Нью-Йорке.

Известно пять картин Брейгеля, посвященных временам года, и одна из них - находящаяся в музее Метрополитен «Жатва». Она, как и остальные, была выполнена по заказу многолетнего патрона художника Никласа Йонгелинка для его дома под Антверпеном.

В этой серии нашла свое отражение средневековая традиция украшать календари изображениями человеческих занятий, относящихся к определенному месяцу года. «Жатве», как считается, соответствует август. В то же время это уже чисто ренессансное произведение, в нем заметно влияние итальянской живописи Возрождения, богатство которой Брейгель мог видеть во время своего путешествия. Однако все воспринятое было им сильно переработано, и на первый план выступает уже его собственное, брейгелевское, восприятие мира. Взять хотя бы то, что никто из его современников не создавал таких пейзажей и панорамных картин крестьянского труда. Привольно раскинувшийся пейзаж - золотое море пшеницы, деревня и желтые поля вдали - уходит в туманную дымку, к далекому озеру. Это пространство обжито людьми, которые жнут, вяжут снопы, везут огромный воз пшеницы, едят и спят под деревом и там, в деревне, тоже занимаются хозяйственными делами. Неизвестно, где родился Брейгель, но он часто бывал в сельской местности и хорошо знал крестьянскую жизнь. Она была для него постоянным источником вдохновения, за что он и получил прозвище «Мужицкий». Умевший беспощадно обнажать дурные стороны человеческой природы, Брейгель изображал крестьян с симпатией и любованием их трудом и отдыхом.

Здесь, как и в остальных произведениях цикла, подчеркнуто то равновесие природы и человека, которое достигается только достойной жизнью. К выводу о том, на каком договоре между человеком и природой - читай Богом - держится мир, Брейгель ненавязчиво подводит своей картиной.

Поль Гоген (1848-1903)

ПОЛЬ ГОГЕН (1848—1903). Французская школа. «Две таитянки». Холст, масло. 94x72,4. Нью-Йорк. Музей Метрополитен

Один из крупнейших художников поколения, следующего за импрессионистами и потому довольно произвольно названного постимпрессионистами, был Поль Гоген. Живописные полотна Гогена принадлежат к лучшим достижениям искусства конца XIX — начала XX века, периода, когда появляется множество различных течений и веяний, складывается символизм, рождается новый стиль модерн.

Необычна судьба Гогена, этого бунтаря, преобладающей чертой которого современники называли «аристократическую надменность». Только нерушимая вера в свой талант и призвание, твердое убеждение, что он — великий художник, позволили Гогену выстоять и с неистребимым оптимизмом поступать наперекор всем устоявшимся мнениям. В сорок лет, после десятилетия любительских занятий живописью, Гоген прерывает свою долгую карьеру биржевого маклера и пытается прокормить жену и пятерых детей заработками свободного художника. После необычайно суровой зимы 1885—1886 года в Париже, когда ему еле удалось выжить, перебиваясь на жалкие гроши, заработанные расклейкой афиш, Гоген приходит к решению уехать как можно дальше сначала от Парижа, а затем и от Европы. В 1891 году он уезжает на Таити, и здесь складывается его стиль, который он сам называл синтетическим, определяется его неповторимая живописная манера: монументальная ясность композиции и простота линейного контура, подчеркнутая обобщенность форм и орнаментальная декоративность цветовых сочетаний, плоскостность цветового пятна и блеск чистых и ярких красок передают скорее мысль художника, нежели реальность окружающего мира

Хуго ван дер Гус (ок. 1435 г. — 1482)

Художник Хуго ван дер Гус. Мужской портрет. Дерево. Около 1480. Метрополитен-музей. Нью-Йорк.

Рогир ван дер Вейден - "Портрет Франческо де Эсте"

Художник РОГИР ВАН ДЕР ВЕЙДЕН (1399/1400-1464) . Нидерландская школа. "Портрет Франческо де Эсте". Нью-Йорк. Метрополитен-музей искусств.

Антуан Ватто (1684 — 1721)

Художник Антуан Ватто (полное Жан Антуан Ватто, Watteau) (1684 — 1721). Французская школа. Меццетен. 1717-1719 гг. Нью-Йорк, Метрополитен-музей

Антуан Ватто, один из тех, кто лучше всего выразил дух XVIII столетия - века игры, театра, жизни чувств, - обучался живописи у театральных мастеров. Он и сам любил театр, принимал участие в «галантных празднествах», которые устраивал его друг, банкир и коллекционер Пьер Кроза, поэтому большинство работ художника навеяно этим видом искусства. 

Одна из них - картина «Меццетен», на которой изображен персонаж итальянской комедии дель а рте, некогда популярной в Париже, хитрец и шут. Он одет в свой традиционный наряд - берет, полосатый жакет с белым гофрированным воротником и бриджи. Герой поет, аккомпанируя себе на гитаре, серенаду. Но чувство его безответно, на это намекает статуя в виде женской фигуры, повернутая спиной к несчастному влюбленному. Шутливая сценка полна, однако, тонких чувств, которые так ценил галантный век, и в совокупности с дивными оттенками красок и тончайшими лессировками полотно рождает то ощущение от живописи Ватто, о котором французские писатели братья Гонкуры сказали: «Это нечто едва уловимое, что кажется улыбкой черт, душой форм, духовным лицом материи». 

Картину, светящуюся счастьем, больной чахоткой художник написал незадолго до своей ранней смерти. Как и многие его образованные современники, он стремился разделять философию эпикурейцев, учивших не думать о страданиях. Но красивая мелодия Меццетена, которая слышится в этом произведении Ватто, все-таки грустная.

Клод Моне (1840-1926)

Художник Клод Моне (1840-1926) . Французская школа. Подсолнухи. 1881 г. Холст, масло. Нью-Йорк, Метрополитен-музей

Гюстав Курбе (1819-1877)

Художник Гюстав Курбе (1819-1877) . Французская школа. Купальщица. 1868 г. Холст, масло. Нью-Йорк, Метрополитен-музей

Франс Хальс (Гальс) (между 1581 и 1585-1666)

Художник Франс Хальс (Гальс) (между 1581 и 1585-1666). Нидерландская школа. Мужской портрет. Нью-Йорк. Метрополитен-музей.

Эдгар Дега (1834-1917)

Художник Эдгар Дега (1834-1917). Французская школа. Танцевальный класс. 1872 г. Холст, масло. Нью-Йорк, Метрополитен-музей

Эдгар Дега (1834-1917)

Художник Эдгар Дега (1834-1917). Французская школа. Туалет. 1885 г. Холст, масло. Нью-Йорк, Метрополитен-музей

РЕМБРАНДТ ХАРМЕНС ВАН РЕЙН (1606—1669) - «Знаменосец»

Художник РЕМБРАНДТ ХАРМЕНС ВАН РЕЙН (1606—1669). Голландская школа. «Портрет Флориса Соопа (Знаменосец)». Холст, масло. 140,ЗХ 114,9. Нью-Йорк. Музей Метрополитен

Гениальный голландский художник Рембрандт родился в Лейдене. После трехлетнего обучения у лейденского живописца Якоба ван Сваненбурга и затем в мастерской Питера Ластмана в Амстердаме Рембрандт за короткий срок приобретает славу великолепного портретиста, самого популярного в Голландии XVII века жанра. В ранний период творчества Рембрандт неудержимо демонстрировал свое блестящее владение кистью, с виртуозным совершенством передавая как облик модели, так и богатство фактуры одеяния преуспевающих бюргеров, заказывавших ему портреты: шелк, бархат, драгоценности.

«Портрет Флориса Соопа» написан уже зрелым живописцем, прожившим полную волнений трагическую жизнь. Художник как бы трансформирует в своем творчестве испытанные им сполна счастье и горе, мудрость и доброту, прошедшие через испытания. Рембрандт уже не получает заказов, он пишет в основном композиции на библейские темы и портреты близких ему людей. Амстердамский знаменосец Флорис Сооп, несомненно, был хорошо знаком художнику. Во взгляде пятидесятилетнего человека мы видим усталость и понимание жизни, проникновенную доброту и твердость. Рембрандта больше не интересует внешнее великолепие облика, он сосредоточивает все внимание на духовном состоянии человека. Ярким пятном на темном фоне выделяется пронизанное светом лицо знаменосца с мягкими тенями под бровями, в уголках глаз, у крыльев носа и четко прорисованные морщины — следы прожитых лет. Сияние металлических пуговиц камзола и золотой перевязи подчеркивают значительность образа, торжественность и твердость осанки одного из тех, кто завоевывал свободу Голландии

ТОМАС ГЕЙНСБОРО (1727—1788) - «Портрет мисс Сперроу»

Художник ТОМАС ГЕЙНСБОРО (1727—1788). Английская школа. «Портрет мисс Сперроу». Холст, масло. 76,5Х 63,2. Нью-Йорк. Музей Метрополитен

Выдающийся английский живописец XVIII века Томас Гейнсборо наряду с Рейнолдсом был создателем особого типа парадного портрета, восходящего к традиции, принесенной в английскую живопись замечательным фламандским художником, учеником великого Рубенса, Антонисом Ван Дейком. Гейнсборо родился в семье торговца сукном и не получил систематического художественного образования. Некоторое время он обучался ювелирному делу, а затем, возможно, получал советы французского гравера Гравелло и теперь забытого живописца Хеймена. Известность и мастерство пришли к Гейнсборо в Бате, модном курорте на западе Англии, где он создал множество портретов в аристократическом вкусе, сочетающих в себе парадность и изящество форм с правдивой, живой характеристикой модели. Женские портреты кисти Гейнсборо отличаются особой одухотворенностью и мягким лиризмом. Излюбленная гамма построена на сочетании холодных оттенков серебристо-серых и голубых тонов. Гибкость и мягкая плавность мазков передает нежную матовость карнации, серебристо-белый шелк платья, шелковистость чуть припудренных волос высокой прически, сообщающей модели особую горделивость осанки.

«Портрет мисс Сперроу» — яркий пример того периода творчества Гейнсборо, когда художник, переехавший в столицу Англии, имел постоянную клиентуру в среде аристократии и крупной буржуазии. В это время он пишет также огромные парадные портреты короля и членов королевской фамилии, портреты своих друзей и домочадцев, в которых особенно полно раскрываются его лирическое дарование, музыкальность кисти, изысканность колористического видения

ЭЛЬ ГРЕКО (ДОМЕНИКОС ТЕОТОКОПУЛОС) (1541 — 1614)

ЭЛЬ ГРЕКО (ДОМЕНИКОС ТЕОТОКОПУЛОС) (1541 — 1614). Испанская школа. «Поклонение пастухов». Холст, масло. 163,8X 106,6. Нью-Йорк. Музей Метрополитен

Творчество Доменикоса Теотокопулоса, прозванного в Испании Эль Греко за его происхождение с острова Крита, принадлежит к самым значительным явлениям не только испанской, но и западноевропейской живописи. На Крите Эль Греко обучался иконописи, в Венеции, куда он приехал продолжать свое художественное образование, ему довелось недолгое время быть учеником Тициана. В Риме он изучал искусство Рафаэля, Леонардо, Микеланджело. Знакомство с великими традициями ренессансного искусства воспитало художественный вкус молодого живописца, однако сформировался он как художник уже в Испании, в Толедо, старой столице Испании, сохранившей свои культурные традиции. Окруженный поэтами и теологами, историками и музыкантами, местными аристократами, продолжавшими жить рыцарскими идеалами, художник в своих произведениях воплотил дух испанской культуры переломного рубежа XVI—XVII столетий. Заказчиками художника были преимущественно капитулы соборов и монастырей, настоятели церквей, строго ограничивающие сюжетные рамки будущих живописных произведений. Однако в жестких рамках регламентации, обусловленной католическим культом, Эль Греко сумел создать образы глубоко человечные, потрясающие душу откровением. Сюжет «Поклонения пастухов» был особенно любим Эль Греко: последнее полотно на эту тему он написал в 1612—1614 годах, для семейной капеллы в церкви Санто Доминго эль Антигуо, где и был похоронен. 

 В картине из Музея Метрополитен Эль Греко помещает персонажи под арочные своды, проступающие сквозь мглу ночи, стремясь передать атмосферу чуда, вызывающего у присутствующих волнение, удивление и трепет.

РАФАЭЛЬ (РАФАЭЛО САНТИ) (1483—1520) - «Мадонна на троне с предстоящими святыми»

Художник РАФАЭЛЬ (РАФАЭЛО САНТИ) (1483—1520). Итальянская школа. «Мадонна на троне с предстоящими святыми» (Алтарь Колонна). Дерево, темпера. 169,2Х /69,2. Нью-Йорк. Музей Метрополитен

Гениальный итальянский живописец и архитектор, величайший мастер эпохи Возрождения, Рафаэль родился в Урбино. Его отец, живописец Джованни Санти, рано обнаружил у сына художественное дарование и после первоначального обучения дома уговорил Пьетро Перуджино, который, как сообщает Вазари, был в то время первым среди художников, принять юного Рафаэля в свою мастерскую. Перуджино воспитал в своем талантливом ученике чувство музыкальности линии, гармонии и благородства композиции, мягкой лиричности образов. «Мадонна на троне» была написана в 1504 году, еще в мастерской Перуджино. Однако талант великого художника, создавшего впоследствии многочисленные алтарные образы мадонны, прославлявшие возвышенно прекрасный и глубоко жизненный идеал женской красоты, воплощенной в материнстве, проявился в шедевре из Музея Метрополитен в полной мере.

Картина была заказана монахинями монастыря св. Антония Падуанского. По обе стороны Богоматери художник изобразил святых Петра и Павла, Цецилию и Екатерину. Образ мадонны близок к образам Перуджино и несет в себе духовную чистоту и материнскую нежность. Облик святых дев отличается изысканностью черт и благородной плавностью линий. Фигуры Петра и Павла, полные торжественного величия, предвещают следующий этап творчества живописца, когда Рафаэль будет работать во Флоренции и здесь сложится его зрелый стиль, столь полно выразивший гуманистические представления о прекрасном и совершенном мире, высокие жизнеутверждающие идеалы красоты и гармонии, сложившиеся в эпоху Возрождения

Картина является ранней работой Рафаэля, чье творчество представляет собой одну из вершин итальянского Возрождения, и изначально находилась в монастыре святого Антония Падуанского в Перудже. Изображение Мадонны с Младенцем и предстоящими святыми было центральной частью алтаря, который в 1 б78 попал в собрание герцогов Колонна в Риме. Отсюда второе название произведения - «Алтарь Колонна». 

Алтарь создан, вероятно, в то время, когда Рафаэль еще пребывал в мастерской своего учителя Перуджино. Влияние этого художника и живописи предшествующего столетия, Кватроченто, сказалось и в иконографии Мадонны, сидящей на троне под балдахином, и в сложной многофигурной композиции «святого собеседования», которое объединяет вокруг Богоматери с Младенцем святых Петра, Павла, Екатерину, Лючию (или Цецилию) и маленького Иоанна Крестителя. Но в произведении уже заметно стремление придать фигурам величественность и в то же время наделить их общим гармоничным настроением, наполнить лица, жесты и позы неземным спокойствием. Все это, доведенное до совершенства, станет особенностью живописи Рафаэля и шире - Высокого Возрождения. А Мадонна с Младенцем Христом и маленьким Иоанном Крестителем - одной из любимых тем художника.

Сассетта (1392—1451) - «Шествие волхвов»

Художник Сассетта (1392—1451). Итальянская школа. «Шествие волхвов». Нью-Йорк. Метрополитен-Музеум

Сассетта — это второе имя художника Стефано ди Джованни, и как часто бывает в истории искусства, прозвище оказалось более цепким в памяти людей. Сведения о его жизни крайне скудны. Известно, что он учился в Сиене, в 1428 году стал членом конгрегации сиенских живописцев, уже в 1423 году получил заказ на большое алтарное произведение. Спустя три года, Сассетга принял участие в работах по украшению Сиенского собора. Традиции готики были очень сильны в этом городе, прославившемся своей художественной школой в предыдущем столетии. II хотя Сассетта стремился освободиться от ее влияния, будучи хорошо знаком с творчеством своего земляка Якопо делла Кверча, а также Донателло и других новаторов эпохи, он все-таки неизбежно остается в русле старых традиций. Его искусство лишний раз свидетельствует о сложном переплетении идей, творческих поисков, художественных индивидуальностей, вместе образующих в высшей степени интересный многоликий мир кватроченто.

Искусство Сассетты своеобразно. Вместо рафинированной утонченности и изящества линейного стиля Сассетта предлагает наивную непосредственность, чистоту чувств и отношения к миру. Он сознательно примитивизирует. «Шествие волхвов» — одно из лучших его произведений. Три царя едут верхом вслед за золотой звездой в сопровождении свиты. Художник намечает пространство, высветляя задний план и край неба у горизонта, впервые создает зимний пейзаж, написав покрытые снегом холмы. Он любуется птицами на снегу, летящей в небе стаей, обезьянкой, сидящей на ослике. Краски условны и декоративны, как и весь образный строй картины, но фигуры уже довольно объемны, на всем лежит отсвет радости мироощущения художника, что связывает его с искусством нового времени.

ФРАНСИСКО ДЕ ГОЙЯ (1746—1828) - «Портрет Себастьяна Мартинеса и Переса»

Художник ФРАНСИСКО ХОСЕ ДЕ ГОЙЯ И ЛУСИЕНТЕС (1746—1828). Испанская школа. «Портрет Себастьяна Мартинеса и Переса». Холст, масло. 92,9x67,5. Нью-Йорк. Музей Метрополитен

Страстное, полное драматического накала искусство великого испанского живописца и графика Франсиско Гойи стало одной из вершин не только испанской, но и всей западноевропейской культуры конца XVIII — начала XIX века. В творчестве Гойи нашли свое воплощение прогрессивные и гуманистические идеалы века Просвещения. Вместе с тем оно стало документальным и ярким художественным свидетельством общественных потрясений и исторических событий, которые довелось пережить художнику. Подъем испанской национальной культуры в конце XVIII века, нашествие Наполеона, героическое сопротивление народа, испанская революция и ее трагический исход — все это вылилось в искусстве Гойи в образы, полные необычайной проникновенности и экспрессии. Гойя был представителем плеяды испанских просветителей, его живопись и особенно графика стали активным оружием борьбы против зла во имя победы разума. Не случайно надпись на одном из офортов знаменитой серии «Капричос»: «Сон Разума рождает чудовищ» — воспринимается как девиз творчества художника.

Особую роль в искусстве мастера играет портрет. Проживший жизнь, полную трагизма и любви, Гойя глубоко чувствовал подлинную ценность человека. Его портреты, глубокие и убедительные по внутренней характеристике, богатые по своему живописному решению и композиции, написаны легко и свободно. Себастьян Мартинес и Перес был ровесником и другом художника. В его доме в Кадисе художник видел полотна Леонардо, Тициана, Веласкеса, Мурильо. В собрании Переса было несколько тысяч гравюр

ДИЕГО ВЕЛАСКЕС (1599—1660)

Художник ДИЕГО РОДРИГОС ДЕ СИЛЬВА И ВЕЛАСКЕС (1599—1660). Испанская школа. «Портрет Хуана де Парехи» Холст, масло. 81,3х 69,9 Нью-Йорк. Музей Метрополитен

Творчество Диего Веласкеса является вершиной испанской живописи XVII века. Он был придворным живописцем короля Филиппа IV. Мастер создал представленный портрет своего ученика Хуана де Пареха, мавра из Севильи, во время поездки в Италию.
Картина выдержана в монохромной гамме - серых, коричневых и черных цветах, оживляемых лишь белым воротником одеяния и теплыми тонами лица и рук. Поэтому так привлекает внимание лицо молодого художника с живыми черными глазами, в которых видны пытливость и ум, тонко подмеченные живописцем.
Но Веласкес не просто создал психологический портрет, каковых в его творчестве немало, он изобразил здесь человека, который был душевно близок ему самому - как талантливый ученик и коллега по ремеслу. Хуан де Пареха инстинктивно отклонился назад, кажется, словно он внимательно и в то же время слегка отстраненно, как всякий художник, окидывает взглядом модель. В его глазах читается понимание людей и их жизни. Образ начинающего живописца перекликается с автопортретом зрелого Веласкеса на его знаменитой картине «Менины» (1 656), хранящейся в Мадриде, в музее Прадо. «Живописцем живописцев» называл Веласкеса Эдуард Мане. Художником истины считали его современники. Великий испанский мастер достиг вершины реалистического искусства. Его гений, проявившийся в самых разных жанрах: в исторической картине, пейзаже, бытовой живописи, нашел наиболее глубокое воплощение в портрете.

Веласкес родился в Севилье, крупнейшем художественном центре Испании. Его современниками и соотечественниками были Сервантес и Лопе де Вега, Сурбаран и Рибера. Время, когда творили эти мастера живописи и литературы, можно назвать одним из наиболее плодотворных периодов в истории испанской культуры. В 1623 году по приглашению Оливареса, всесильного министра испанского короля Филиппа IV, Веласкес переезжает в Мадрид и становится придворным живописцем. С огромной целеустремленностью и необыкновенным трудолюбием работает Веласкес при дворе; среди внешней роскоши и блеска придворной жизни великий мастер творит, не отступая ни на шаг от правды. Веласкес был объективен в своих портретных характеристиках и совершенен в живописном мастерстве.

«Портрет Хуана де Парехи» — талантливого художника, ученика Веласкеса — был написан во время поездки в Италию почти одновременно со знаменитым «Портретом папы Иннокентия X». В гордой постановке фигуры, в смелом, открытом взгляде молодого художника Веласкес увидел мужество и достоинство, цельность и независимость характера Хуана де Парехи, потомка мавров, бывших завоевателей Испании. Картина великолепна по живописи, по пластической выразительности сильных энергичных мазков кисти, по богатству и динамике светотени